LA RENOVACIÓN DE LA ESCULTURA EN EL SIGLO XX: CONSTANTIN BRANCUSI

 C. Brancusi. El beso. Piedra. 1908. Museo de Artes de Craiova (Rumanía).

Toda la evolución de la escultura da testimonio de que la fuerza de la expresión se conquista contra el servilismo respecto al modelo. Pero por otra parte es bien sabido que ocurre siempre, hasta en la obra de arte que se quiere más representativa, algo especifico, que tiene su origen en el medio cultural que la ve nacer o en la personalidad del que la engendra, y que la diferencia de una pura réplica.
No habría que considerar, en efecto, que el rechazo del realismo y una agresividad puramente negativa contra las formas del hombre hubieran bastado para fundar la nueva escultura: la renovación no surge nunca más que de una oposición constructiva; hizo también falta en ella una especie de vuelta a los orígenes. Carola Giedion-Welcker (una de las más lúcidas miradas sobre la escultura moderna) ha mostrado cómo la escultura moderna, habiendo perdido su función objetiva original, función simbólica y mágica, o función religiosa, había ido llegando poco a poco a separarse de la vida completamente.  

Aristide Maillol contrasta con todas estas variantes del academicismo por su visión sintética. A su nivel se anuncia, aunque todavía tímidamente, el intento del siglo XX de dotarse de un nuevo mundo plástico que encuentre su dignidad en su despego, y sus referencias en sí mismo. Auguste Rodin, poco antes, llevando más allá los avances del expresionismo, había desbrozado el terreno por un camino opuesto al de Maillol: la liberación de la escultura del exterior hacia el interior por el vivo entusiasmo del modelado, el impulso de las formas y su animación en un espacio que la sombra y la luz se disputan.

 Auguste Rodin. Monumento a Balzac. Bronce. 1891. Bulevard de Montparnasse. París.

Si bien la sobriedad de Maillol contrasta con la exaltación de las superficies por la que Rodin sublimó las formas, uno y otro tienen su posteridad en la escultura contemporánea; con el primero se vincula la corriente de simplificación deliberada de los volúmenes, el segundo, en cambio, está en el origen de la desintegración de la masa en la luz. Este proceso evolutivo que ha conducido del antropomorfismo a una estructura de ritmo más que de tema, con su origen sobre todo en sí misma, se vuelve a encontrar a otro nivel, en la creación individual de la mayor parte de los escultores en los que se detiene hoy nuestra atención. Pocos son entre ellos los que han hecho de entrada escultura "cubista" o "abstracta", sin pasar por el aprendizaje figurativo.
El problema que se plantea entonces es el de saber si esta evolución histórica de las formas esculpidas no es demasiado gradual para que todavía pueda asignarse a la escultura moderna un verdadero punto de partida. "Ese punto de partida existe, es el Balzac de Rodin"; así enjuiciaba Constantin Brancusi, patriarca de la escultura de vanguardia en el siglo XX.
Efectivamente, esta estatua terminada en 1898 parece que ocupa un lugar decisivo en la evolución de la escultura. Obra tempestuosa, resultaba indiscutiblemente innovadora por su dinamismo interno, por su sentido del "sacrificio", por su modelado magistralmente elíptico. Y sin embargo, por su intención de expresar un personaje determinado, por sus líneas generales que son claramente las que corresponden a un hombre de pie, el Balzac de Rodin conserva un contacto con la tradición. 

Con la perspectiva de la que disponemos hoy, vemos claramente que la ruptura operada por Brancusi fue mucho más radical, y que es a través de su obra, al mismo tiempo que a través de la de los cubistas, donde la escultura se disoció verdaderamente de la estatuaria. La objetividad nos obliga a anotar, en efecto, que La Catedral, formada por dos manos enfrentadas, en la que Rodin vuelve a una especie de simbolismo figurativo, es prácticamente contemporánea (1908) de la primera cabeza cubista modelada por Picasso en 1909, y a constatar, con Robert Lebel, que cuando murió, en 1917, el maestro de los Burgueses de Calais "otra escultura se había ha instaurado, que no debía nada (digamos mejor: qué no debía gran cosa) a la suya".

 Edward Steichen. Fotografía de Constantin Brancusi en 1922.

De esta otra escultura, los pioneros fueron sobre todo los cubistas. Pero Constantin Brancusi (1876-1957) los precede cronológicamente, y ante todo por su fecha de nacimiento. Nació el mismo año 1876 en que nacieron Julio González y Duchamp-Villon (cuya carrera sería abreviada por la guerra), pero unos diez años antes que la mayoría de los maestros de la plástica cubista: Laurens (1885), Archipenko (1887), Zadkine (1890), Lipchitz (1891). Nació en la Rumanía profunda, en el seno de una familia campesina sin recursos y trabajó como pastor desde los siete años. Aprendió a leer y escribir por sí mismo y en sus ratos libres hacía figuritas de madera, hasta que un filántropo le pagó los estudios en Craiova y Bucarest. Viajó a París a perfeccionar su técnica en 1904 y de allí no se movió más. Toda su carrera la hizo en Francia. Enseguida conoce y se ve influido por Rodin y por la técnica impresionista. Hizo amistad con Modigliani, pero también con Picasso, Marcel Duchamp o Apollinaire. Empezó a hacer esculturas y a exponer mientras trabajaba como camarero o interpretaba canciones tradicionales rumanas, pues su círculo de intereses fue muy amplio, interesándose por la música (era un gran violinista), la fotografía (se conservan más de 1200 fotografías suyas) y la ciencia. 

Su obra, evolucionó desde 1908 hacia un estilo muy personal, geométrico, con una eliminación de los detalles que le condujo casi a la abstracción, proponiendo una realidad distinta. Este rumano, de espíritu independiente, experimenta con inquietud cómo penetrar más allá de la apariencia, hasta llegar a la esencia y alcanzar la belleza eliminando detalles y simplificando formas. Le atrae el volumen cerrado, tradicional, aunque da vida y de forma diferente a los objetos con gran simbolismo y estilización. De esta manera, dejaba de lado el realismo escultórico del siglo XIX para dar paso al arte abstracto que se abría camino. Inspirándose en el arte escultórico prehistórico y africano, intentó mostrar la naturaleza subyacente al desnudo mediante una simplificación extrema de la forma. Trabajó el mármol, piedra caliza, bronce y la madera. Predomina en sus obras dos formas simples: el huevo y el cilindro alargado. Su obra es difícil de catalogar, para unos es organicista, para otros surrealista, incluso el inicio de la escultura abstracta.

C. Brancusi. La musa dormida. Mármol. 1906. Museo de Artes de Bucarest. 

C. Brancusi. La musa dormida. Bronce. 1910. Metropolitam Museum of Art. New York.

Por otra parte, su obra El Beso, de 1908, es el anticipo de la escultura cubista y el inicio de la nueva escultura. Este Beso, antítesis del, más célebre, de Rodin, de hecho es más cúbico que cubista, o si acaso lo es sólo en la medida en que su arcaísmo llama la atención sobre un retorno a las formas primarias.
Antes que Brancusi, nadie había rechazado tan enérgicamente la sumisión al modelo. Después de él, la estatuaria de anécdota y de epidermis, el neoclasicismo gesticulante de los salones oficiales, dan la impresión de algo inconveniente.
Brancusi opuso muy pronto el sentido de lo fundamental al naturalismo clásico, y a la dispersión impresionista de Rodin opuso el deseo de pureza, como lo atestiguan las dos versiones de La Musa dormida (1906 y 1909-1910). Su camino se define rápidamente como una especie de animismo de la forma original: esa forma que contiene todas las otras, símbolo de lo permanente y de lo universal, que es el óvalo irreprochable, el huevo que, apenas diferenciado para sugerir los rasgos de un rostro y colócado sobre un pedestal de madera, será la Musa. Recomenzado en diversas réplicas de bronce pulido o de mármol, será a continuación el Recién nacido (1915), y después el Comienzo del mundo (1924). El brillo impecable del metal o, del mármol subraya aún más la sencillez del óvalo con los ojos cerrados del que la Escultura para un ciego y la Negra rubia constituyeron nuevas variantes o transposiciones (1926). El Torso de joven en forma de Y invertida, el pájaro reducido a un huso dorado, el pez y La foca reducidos a un puro impulso esculpido en mármol proceden de la misma economía formal.

 C. Brancusi. Torso  de mujer joven. Mármol. 1922. Filadelphia Museum of Art. Filadelfia.

C. Brancusi. La foca. Mármol. 1943. Centro Georges Pompidou. París.

Una doble denominación se injerta muy a menudo en la forma madre; una para recordar su pretexto natural, y la otra, más distante, aludiendo a un símbolo; así La Foca (Museo Guggenheim, Nueva York, de 1934) se titula también Milagro.
Su esencialismo se apoya ante todo sobre lo creado. Pero al mismo tiempo parece que en ciertas obras recuperaba la intuición de los arquetipos en los que convergen las grandes civilizaciones: el Rey de reyes (también llamado El espíritu de Buda, de 1937) parece un enorme peón de ajedrez colocado sobre un tornillo de prensa de lagar. Estas obras a gran tamaño le condujeron a las esculturas arquitectónicas como la Puerta del beso y la Columna sin fin, de treinta metros de altura, en acero dorado, y recortada desde la base a la cúspide como si fuese una cremallera, que fue erigida en 1937 en los Cárpatos. En cambio, el Templo de la liberación no pasó del estado de proyecto.

Destacar también las diferentes versiones que hace del Pájaro en el espacio, también en metal.

C. Brancusi. La puerta del beso. Piedra porosa. 19 38. Parque de Târgu Jiu (Rumanía).

C. Brancusi. Columna sin fin. Metal, hierro fundido y acero. 1938. Parque de Târgu Jiu (Rumanía).

Esta búsqueda de la esencia de las cosas fue puesta en marcha por otros caminos y en otro estado de espíritu. Entre 1909 y el principio de la década de 1920 el imponente macizo de la aportación cubista a la escultura dibuja sobre el horizonte de las artes una línea extraordinariamente rica y accidentada. En relación con él, y en una amplia medida, se han definido, o pueden ser mejor captadas, las corrientes ulteriores. 

El cubismo parece que simultáneamente atrae y rechaza a la escultura. La atrae porque el problema del volumen es su mayor preocupación, y el cubo es la representación misma de la tercera dimensión. Pero la rechaza también, puesto que inmediatamente se impone la idea de que la ambición de la pintura cubista de representar todas las caras de un objeto por el rebatimiento simultáneo de los planos es realizada de una manera natural en la forma esculpida, en torno a la cual podemos dar la vuelta.
Desde este punto de vista, la misma expresión de "escultura cubista" parece paradójica: "la simultaneidad de los diferentes puntos de vista que crean sobre la superficie plana una acumulación de perspectivas contradictorias, evocadoras de volúmenes y movimientos, perdía parte de su razón de ser con los volúmenes reales del objeto esculpido (...). Cierta ambigüedad (...) entre la idea de volumen sugerido y el volumen mismo se nota ya en las primeras obras cubistas de Lipchitz y de Zadkine, y en las de Laurens" (Jean Selz).

 C. Brancusi. Pájaro en el espacio. Bronce. 1928. MOMA. New York.

Las otras grandes aportaciones de la escultura en el siglo XX, junto a la disolución de la forma y el alejamiento de la realidad de Brancusi,  son las del hueco, es decir, la introducción del vacío en la masa escultórica, aportación del ruso Alexander Archipenko (1884-1964), y el movimiento mecánico en la escultura, obra del norteamericano Alexander Calder (1898-1976). Pero ello ya será motivo para otra entrada. 

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Terminamos con un video sobre la obra y la figura de Brancusi:

 

COMENTARIO DE LOS BURGUESES DE CALAIS DE RODIN

ENCUADRE

Obra: Los burgueses de Calais (231 cm. altura). Calais (Francia).

Autor: Auguste Rodin (1840-1917).

Género: Escultura de bulto redondo; Grupo escultórico. Bronce.

Estilo: Arte de vanguardia. Impresionismo.

Cronología: Finales siglo XIX: 1885-1895.

Otras obras: Las puertas del infierno, El pensador, El beso, La catedral...

ANÁLISIS

 

Los Burgueses de Calais fue una de las obras más queridas por Rodin, y en ella trabajó arduamente varios años hasta captar el angustioso caminar de unos hombres hacia la muerte. En su estudio se multiplicaban los esbozos y maquetas, en terracota y yeso, del conjunto y de cada una de las figuras. Una y otra vez modela cuerpos desnudos andando, a los que luego superpone paños, hasta conseguir plasmar, no cuerpos humanos en su realismo anatómico, sino seres animados por la emoción de un triste presagio. 

La escultura está realizada en bronce. Fue hecha por Rodin a finales del XIX y mide  más de dos metros de alto. Se compone de seis hombres de igual altura y vestidos en ropajes similares. No se presenta jerarquía alguna en el grupo. Los hombres dirigen sus miradas a puntos diversos: cuatro de ellos hacen ademanes y toman un paso al frente, los otros dos permanecen tranquilos. Las figuras forman un grupo compacto, pero permanecen libres entre ellos. Las figuras están realizadas a tamaño natural y parecen agobiadas por sus prendas y sus desproporcionadamente grandes manos y pies.

Rodin, tras descartar el típico monumento con un gran pedestal, optó por situar a los personajes sobre una mínima peana triangular, casi a la altura del espectador, lo que les daba más humanidad (esto le acarreó múltiples discusiones con el cabildo municipal). Tampoco forman un único bloque, sino que se trata de seis figuras totalmente exentas, en la que es tan importante la materia que las compone como el espacio vacío que las rodea. Este aislamiento físico de cada una de las figuras está reforzado por un tratamiento retratístico, que rehuye la idealización, y por las distintas actitudes de los personajes.

Los ademanes de los hombres forman en conjunto un pausado movimiento rotatorio dentro de la escultura, que se produce por los muchos sentidos locales que el espectador sólo capta desde algunos puntos. Los hombres no se comunican entre ellos ni con el espectador. Cada rostro refleja rasgos individuales y da la impresión de sentimientos variados (resolución, angustia, apatía...). Rodin expresa con realismo a seis hombres que han sobrevivido un sitio de un año y que ahora dan su primer paso hacia la muerte. Algunos se inclinan, unos cabizbajos, otros con la cabeza alta, otros se tapan el rostro horrorizado con las manos, todos dudan. Los seis burgueses están vestidos con harapos y preparados para ser colgados.

En ésta, como en otras de sus creaciones  es patente la reacción de Rodin contra el neoclasicismo escultórico, frío e idealista, y su interés por una plástica de un naturalismo más intenso, incidiendo en el camino ya emprendido por la pintura coetánea: el impresionismo: intensidad, dramatismo, luminosidad... En cada uno de estos personajes late la emoción de un nuevo romanticismo, pero con el vigor y la potencia expresiva de un artista que cree que el escultor tiene una misión histórica: dar a la ciudad moderna monumentos modernos. En la figura de los seis rehenes amenazados de muerte, Rodin creó una gran variedad de respuestas a una crisis emocional extrema. En esta obra se aprecia el deterioro físico y anímico de las anatomías  y anuncia las vigorosas deformaciones del Expresionismo. En el aspecto técnico aplicó un poderoso modelado de superficies rugosas, así como multiplicó los planos para conseguir efectos de luz y claroscuros. Ese aspecto rugoso trata de mostrar lo transitorio, lo efímero, lo accidental y se acerca mucho al modelado "non finito" de Miguel Ángel (Rodin afirmaba que no había lugar para el acabado en la obra, pues la imaginación del espectador era quién debía completar la obra).

Podemos hablar, por tanto, de una tendencia expresionista a la que se llega por el aparente abocetamiento de la obra, por la impresión que produce de no estar terminada, de manera que sea la luz en nuestra retina la que le confiera la forma definitiva. Con ello, se facilita al espectador la visualización del acto sublime de la creación artística desde el caos de la materia informe, en un proceso de dramático dinamismo.

La escultura de Rodin era innovadora para su tiempo. Manifiesta la cruda verdad de las figuras épicas según las teorías del realistas que se refleja en rasgos expresionistas, el rápido modelado, incluso con las manos imita los efectos lumínicos buscados por el impresionistas, y, en definitiva, se opone al rígido academicismo del siglo XIX. 

COMENTARIO

Este conjunto escultórico en bronce, del qué existen varias copias, fue encargado a Rodin, en 1884, por el Ayuntamiento de Calais, para conmemorar un suceso histórico acaecido durante la Guerra de los Cien Años, conflicto en el que se enfrentaron Inglaterra y Francia  en el siglo XIV. A la muerte del rey francés Carlos IV, último  Capeto, el  soberano inglés Eduardo III le disputó el trono a Felipe VI, de la Casa de Valois. En 1347 Eduardo III tomó Calais. Tras un largo asedio, el Concejo y los vecinos de la ciudad pidieron pactar su rendición, pero Eduardo III exigió su entrega sin condiciones y amenazó con arrasarla, a menos que seis  vecinos partiesen hacia el campamento enemigo, descalzos y  sin más abrigo que una camisa, llevando todos la soga de los ahorcados al cuello y en las manos las llaves de la ciudad y el castillo.

El gobernador de la ciudd Jean de Vienne informó al pueblo, reunido en la plaza, del cruel precio que pagar. La respuesta, no obstante, no se hizo esperar: Eustache de Saint-Pierre, el más acaudalado de todos, avanzó dispuesto a morir por sus conciudadanos. Enseguida otros cinco prohombres secundan su ejemplo y, de acuerdo con las condiciones impuestas, marcharon hacia el campamento inglés, donde les recibió el rey con duras palabras. Sin embargo, estando ya dispuesto el verdugo para proceder al ajusticiamiento, la reina pidió clemencia a su marido, quien les perdonó la vida, pues no quiso contrariar a su esposa, que se hallaba encinta y muy adelantada.

En 1880, el joven alcalde de Calais, Oscar Dewavrin, decretó que en la plaza de la ciudad se levantara un monumento para homenajear a Eustache de Saint-Pierre, el más prominente de los seis héroes. El alcalde pensó en un burgués sobre un alto pedestal, en el estilo heroico y académico común en los más importantes monumentos a finales del siglo XIX. En 1884, el alcalde consultó a sus ciudadanos quienes propusieron a Auguste Rodin, quien ya era famoso por sus esculturas realísticas y expresivas, para crear la escultura. Pero la elección también la decidió el alcade, al visitar el estudio del escultor y admirar la fuerza de sus esculturas.

Para la mayoría de sus contemporáneos sus "Burgueses" no estaban a la altura que requería el patriotismo francés. Ante la primera maqueta, el comité manifiesta al artista su desencanto. La disposición de los burgueses fue  otro motivo de discrepancia entre el escultor y el comité. Así, la Academia le reprocha no haber establecido cierta gradación de planos en el terreno que sirve de soporte a sus personajes, introduciendo alguna variedad en la estatura de los rehenes. Rodin contesta: “¿Cómo? ¿Que las cabezas deben formar una pirámide en lugar del cubo, de la horizontal? ¡Pero si eso es pura y simplemente la Academia imponiéndome sus dogmas”.  La prensa local se burló de los "tíos en camisones de dormir" y el comité anunció públicamente una composición más grandiosa en forma piramidal que hiciera justicia a los héroes de la ciudad y consideró además suficiente que el artista reflexionara en volver a una figura solitaria. A pesar de todo, Rodín acabó imponiendo su criterio, tras años de discusiones. Concluida la obra, tendrían que pasar diez años hasta que pudo ser fundida, por problemas económicos.
El monumento se inaugura en junio de 1895, erigido en la Plaza Richelieu. En el transcurso del acto se le impone al escultor la Legión de Honor. En 1924, tras haber permanecido guardado, después de que un obús lo dañara durante la Primera Guerra Mundial, Los Burgueses se emplazaron en la Plaza de Armas, delante del Ayuntamiento, lugar propuesto por el artista en su momento, y directamente sobre el suelo, tal y como él quería.

El aislamiento físico de cada una de las figuras, como ya hemos visto,  está reforzado por un tratamiento retratístico, que rehuye la idealización, y por las distintas actitudes de los personajes: Eustache de Saint-Pierre, el anciano, conduce con fuerza y determinación al grupo; Jean d'Aire lleva con resolución las llaves de la ciudad, en actitud de vasallaje; Andrieu d'Anders, con las manos a la cabeza, representa la desesperación de la renuncia heroica; Pierre de Wissant, en un momento de duda, vuelve la cabeza atrás mientras su hermano Jacques avanza hacia el destino ineluctable; finalmente, Jean de Fiennes, con los brazos abiertos, simboliza el sacrificio de la juventud.

Además de la escultura original que se encuentra en Calais, la técnica de vaciado permite realizar varias copias a partir del molde original. La ley francesa permitió hasta doce vaciados de la escultura a realizarse tras la muerte de Rodin. Algunas de las más famosas son las que se encuentra en Victoria Tower Gardens (junto al Parlamento de Londres), las de los jardines del Museo Rodin de París o el Metropolitam Museum de Nueva York, además de copias en Filadelfia, California, Washington, Jerusalén, Camberra, Tokyo o Seúl.

La escultura de Rodin supone la apertura, en el plano formal, del impresionismo a la escultura, si bien su plástica conjuga todo el espectro de sus posibilidades, porque en su producción late toda la emoción y la sensibilidad de quien se sabe protagonista y buscador de valores nuevos, con los que inauguró toda una serie de ismos y vanguardias. considerándosele el padre de la escultura del siglo XX. Su obra e influencia fueron extraordinarias, superando al Impresionismo, con toques simbolistas y expresionistas.  

Su escultura está arraiga en las formas clásicas (Grecia, Donatello, Miguel Ángel), formas que él las distorsiona para darles el hálito de vida y modernidad.  En cuanto al acto de la creación, era claro su débito con Miguel Ángel, como él mismo reconoció, tras su primer viaje a Italia: "Mi liberación del academicismo la debo a Miguel Ángel, quien habiéndome mostrado reglas diametralmente opuestas a las que me habían enseñado, me liberó".

Su obra se considera como la transmisión de las técnicas impresionistas a la masa, al intentar captar lo accidental y transitorio, mediante un modelado rebosante de huellas de lo transitorio. Más que la perfección formal  o la belleza, lo que pretendía plasmar era la vida, la fuerza interior y la verdad interna; y para él la vida era la fuerza, la tensión, el movimiento y la acción. Una empresa de tal envergadura acometida por un hombre que no claudicó al desaliento de la incomprensión, permaneciendo fiel a sus principios, es algo realmente grandioso, que justifica su importancia en la historia del arte.

En definitiva, las esculturas de Rodin buscaban la esencia misma del ser, por ello se deformaban y se hacían abstractas, siendo el punto de partida del lenguaje escultórico del siglo XX.  Así, pueden nombrarse importantes obras suyas, tales como Las puertas del infierno, gran proyecto que le encargó el gobierno francés y luego se lo retiró, pero que Rodin siguió trabajando toda su vida algunas de esas piezas del conjunto, como Eva, Las tres sombras del ático o El Pensador, donde se aprecia que para él el arte es todo, la belleza y la fealdad (incluso lo feo y repugnante, cosa que escandalizó en su época), esculpiendo sin idealizar, tanto a jóvenes atletas como a viejos decrépitos. Otras obras suyas son La Edad de bronce, El beso, La catedral o el Monumento a Balzac.

Para conocer más la obra de Rodin y el panorama escultórico del siglo XIX, puede consultarse esta entrada. 

 CONTEXTO HISTÓRICO

El siglo XIX fue un siglo agitado y veloz, en el que se producen muchos cambios: se introduce el liberalismo político y el parlamentarismo y el constitucionalismo. Se cambia la clásica sociedad estamental y con privilegios a una nueva sociedad de clases sociales, donde la capacidad y el dinero son el baremo del estatus social. En el terreno económico, el capitalismo y las revoluciones industriales transforman las formas de vida tradicionales y el maquinismo y el urbanismo diseñan las nuevas sociedades.

Un aspecto fundamental de este siglo es la gran fuerza que presentan los cambios políticos, ideológicos, económicos y sociales y su enorme repercusión en el mundo artístico. Se desarrollan un gran número de movimientos artísticos que responden a la rápida evolución de la situación política, económica y social. En todos estos movimientos se aprecia una rebeldía contra la razón y el academicismo del siglo anterior. También se producen avances científicos muy numerosos que influyen en los diferentes movimientos artísticos. Las tendencias artísticas se suceden con rapidez. En la segunda mitad de este siglo es cuando nacen los “ismos”. Con su aparición se inicia el llamado "arte moderno": a partir de él las tendencias artísticas o "ismos", que duran muy poco y se suceden con una gran rapidez.Y los ismos nacen con el Impresionismo, que aporta esa dinámica de cambio. 

El impresionismo fue un movimiento fundamentalmente pictórico, pero ejerció en las décadas finales del siglo una influencia profunda en la música, la literatura y la escultura. No parecía en principio la plástica escultórica procedimiento idóneo para traducir las vibraciones atmosféricas. Pero algunos maestros supieron introducir juegos lumínicos mediante una renovación de las técnicas; de entre ellos sobresalen Auguste Rodin, Aristide Maillol y Medardo Rosso.

Terminamos con un video de ArteHistoria sobre la escultura de Rodin y otro sobre los Burgueses de Calais:

RODIN Y EL MUSEO RODIN

Rodin. Las Puertas del Infierno. Museo Rodin.

El panorama escultórico europeo del siglo XIX no fue muy brillante, si se exceptúan algunos artistas muy determinados como Auguste Rodin. Dos factores pueden ser considerados como causas del retraso de la escultura en relación con la pintura:

-- Mayor control de las Academias sobre los escultores: la escultura se convierte en un arte formalista, carente de sentido por completo.

-- Las limitaciones inherentes a la propia escultura: no hay una evolución continua y se puede comprobar un cierto aislamiento histórico-evolutivo.

Hacemos, a continuación, una breve semblanza del panorama escultórico del XIX hasta la aparición de Auguste Rodin

La penetración de los ideales del Romanticismo en la escultura es menos intensa y durante las primera década perduran las formas estáticas neoclásicas (Gautier decía que el arte escultórico, por su raíz clásica, era el menos propicio para expresar la exaltación romántica). Se inicia a finales del primer cuarto del siglo XIX, hacia 1830. Supone una reacción contra la frialdad y quietud de las manifestaciones escultóricas neoclásicas: defiende una escultura más movida y apasionada. El modelado tiende a las superficies ásperas y a los gestos grandilocuentes. Se emplea una técnica más pictórica (efectos de claroscuro) y se pretende captar el movimiento y lo pasional, huyéndose de los contornos para que el color sea el protagonista.

FRANÇOIS RUDE (1784-1855) imprime a su escultura un marcado carácter nacionalista. Con posterioridad, tras sus obras románticas, evolucionó hacia el realismo. La obra manifiesto de todo el Romanticismo escultórico es el gigantesco relieve de La Marcha de los voluntarios de 1791 o La Marsellesa, en el Arco de Triunfo de la Estrella de París. En esta obra destaca la feliz combinación entre agitación dinámica (victoria alada que empuja la mirada hacia la izquierda) y contención (figuras verticales de los guerreros) le hacen una obra maestra. Se respira en el relieve el movimiento desbordante y la pasión por la libertad

Rude también hace el Monumento a Napoleón en Dijon, con el tema del Emperador despertándose en un roquedal para acceder a la inmortalidad.

F. Rude. La marsellesa. Arco del Triunfo de la Estrella. París. 1833-36.

Ricardo Bellver. Ángel caído. Parque del Retiro. Madrid. 1878.

En España la nómina de escultores románticas es muy corta. Podemos atribuir perfiles románticos a JOSÉ GRAGERA (1818-1897), autor de una Estatua a Mendizábal, hoy destruida. También podemos incluir a RICARDO BELLVER, autor del Ángel caído del Parque del Retiro de Madrid, obra llena de vitalidad y movimiento.

El Realismo en escultura centra su interés en la realidad circundante: la naturaleza sirve de inspiración al escultor, la cual debe reflejar de manera minuciosa y precisa. Los temas son de contenido social: tipos populares, mundo del trabajo, retratos..

JEAN BAPTISTE CARPEAUX (1827-1875) puede ser considerado como iniciador del Realismo. Este escultor francés rompe con el clasicismo academicista, resucitando un arte gracioso, basado en el Rococó francés. Se observa en sus bustos gran veracidad en las representaciones. Se preocupa por captar el movimiento Ej.: La Danza; La opera; El pescador de la caracola.

CONSTANTIN MEUNIER (1831-1905 ) es el mejor escultor del realismo social. Nació en Bélgica y fue el gran cantor del trabajo y del esfuerzo. Sus tipos humanos tienen una grandeza sorprendente. Prescinde de la anécdota inútil para valorar el volumen. Sustituye a los dioses y personajes antiguos por los proletarios anónimos, por los nuevos héroes trabajadores de la sociedad industrial, destacando la tensión miguelangelesca y la riqueza de planos que anticipan a Rodin. Obras suyas son el Cargador del muelle, el Forjador, El Pudelador...

En España, los escultores que, en el último tercio del siglo XX, son asimilables a la corriente naturalista son más abundantes: AGUSTÍN QUEROL, JERÓNIMO SUÑOL O JOSÉ LLIMONA pueden considerarse escultores realistas. 

C. Meunier. El pudelador. Bronce. 1884-88. Museo de Bellas Artes. Bruselas.

MARIANO BENLLIURE (1862-1947) es el escultor más destacado de finales de siglo, considerándosele puente entre esta corriente y las que se irán prodigando con el inicio de nuestra centuria. Practica un realismo casi impresionista, con un modelado grácil, pleno de incurvaciones y de anécdotas, destacando la gran calidad técnica, el detallismo, la expresividad y el movimiento. Hace muchos monumentos públicos, serenos y perfectos: Ej.: Monumento al General Martínez Campos en el Retiro, Mausoleo de Joselito en el cementerio de Sevilla; la Estatua de Goya (Museo del Prado) o el Busto de Antonio Maura.

El impresionismo fue un movimiento fundamentalmente pictórico, pero ejerció en las décadas finales del siglo una influencia profunda en la música, la literatura y la escultura. No parecía en principio la plástica escultórica procedimiento idóneo para traducir las vibraciones atmosféricas. Pero algunos maestros supieron introducir juegos lumínicos mediante una renovación de las técnicas; de entre ellos sobresalen Auguste Rodin, Aristide Maillol y Medardo Rosso.

ARISTIDE MAILLOL (1861-1944), francés, estuvo obsesionado por el tema de la mujer, en especial los desnudos femeninos, dentro de una pureza clásica, donde todo es estabilidad, belleza y armonía. Sus obras se caracterizan por el volumen y el realismo sencillo, le preocupa más la perfección que la originalidad. Obras suyas son Las tres gracias; Mediterráneo; La noche, Busto de Renoir...

MEDARDO ROSSO (1858-1928), italiano, es el escultor más impresionista hasta llegar a la desaparición de la forma, con masas llenas de trasparencias. Su material preferido es la cera, que por su ductilidad, favorece el rizado de la superficie. La multiplicación de las ondulaciones genera sutiles juegos de luz y sombra. Sus temas insisten en los gestos fugaces (igual que las bailarinas de Degas), ensayando la sonrisa de un niño o la expresión de sufrimiento e un rostro curtido, a veces con un modelado sin terminar. Obras suyas son Conversaciones en el jardín; Ecce puer, Bookmaker, El niño enfermo...

 

A. Maillol. La noche. Bronce. 1902. Schlossplatz. Stuttgart

Medardo Rosso. Bookmaker. Bronce. 1894. MOMA. Nueva york.

AUGUSTO RODIN (1840-1917)

Rodin es el principal escultor europeo del siglo XIX, así como el punto de arranque de toda la escultura moderna, ya que rompe totalmente con el Neoclasicismo, abriendo el camino para la escultura del siglo XX. Su obra e influencia fueron extraordinarias, superando al Impresionismo, con toques simbolistas y expresionistas. Nació en París en humilde cuna y fracasó en el examen de ingreso en la Escuela de Bellas Artes, teniendo que ganarse la vida durante un tiempo como decorador. Visitó Bélgica e Italia, descubriendo el barroco flamenco y Rubens, y la terribilitá y la fuerza de Miguel Ángel, que transporta a sus obras. Rodin dedicó gran parte de su juventud a acumular conocimientos sobre anatomía, que en más de una oportunidad le valieron la envidia y el descontento de los escultores reconocidos como tales por la Academia de Bellas Artes de París. Este cierto rechazo puede explicarse por su vida errante en París, con sus tres talleres repletos de obras colosales, su apariencia barbuda de profeta panteísta, su relación tormentosa con la escultora Camille Claudel, que tras la ruptura, lleva a ésta a una depresión y al internamiento en una clínica mental, o las polémicas levantadas acerca de su arte.

Fotografía de Auguste Rodin

Su escultura está arraigada en las formas clásicas (Grecia, Donatello, Miguel Ángel...), formas que él las distorsiona para darles el hálito de vida y modernidad. Para Rodin, como para Leonardo, tuvo siempre gran importancia la forma. Acariciaba la belleza del cuerpo humano con un apasionamiento que a algunos pudo parecer grosería de sátiro, pero que, para los iniciados, es indicio de un amor intenso a la persona humana "per se". Su obra se considera como la transmisión de las técnicas impresionistas a la masa, al intentar captar lo accidental y transitorio, mediante un modelado rebosante de huellas de lo transitorio. También Valoró lo inacabado como parte esencial de la realidad, utilizando la técnica del "non-finito" aprendida de Miguel Ángel. Afirmaba que no hay lugar para el acabado pues la imaginación del espectador deberá completar la obra. Esto se puede apreciar en la Estatua de Balzac (1897), o en Los Burgueses de Calais (1884-1885). La primera es la obra que más justifica la consideración de escultura impresionista; fue rechazada por la oficialidad francesa, y demuestra, por parte de su autor, la voluntad plástica de mantenerse fuera de los moldes tradicionales. La segunda obra fue encargada por el Ayuntamiento de Calais para hacer un monmento conmemorativo en recuerdo a los seis ciudadanos de Calais que dieron su vida en la Guerra de los Cien años. Se compone de seis figuras de tamaño natural en bronce que giran o caminan en movimiento rotatorio. En la obra el deterioro de las anatomías anuncia las vigorosas deformaciones del Expresionismo. La expresividad es una de las características más destacables de Rodin, sentimientos de angustia, orgullo, dolor, en fin, diferentes expresiones según la cara de la figura de la que estemos hablando. Según el punto de vista, tendremos una sensación diferente de la figura.  El monumento se inauguró diez años después, tras años de discusiones, ya que la municipalidad local no lo juzgaba digno de esa ciudad. Hoy hay varias copias repartidas por varias ciudades del mundo.

Para Rodin el artista no debía ser un esclavo del modelo, al contrario: era el artista el que escogía, con su propio ojo y sensibilidad, el objeto a representar y por medio de su imaginación era capaz de modificarlo para crear así una imagen totalmente nueva a los ojos del mundo. Es por esto que, en una mirada anatómicamente estricta, podría decirse que las figuras que construye carecen de una lógica en cuanto a las proporciones, pues las proporciones son dadas por las exigencias del sentimiento que se ha querido plasmar y no por reglas biológicas. Rodin había estudiado la anatomía no para ser dominado por ella, sino para usar el cuerpo humano como una herramienta de expresión de la psicología y los sentimientos humanos.

Rodin. Los burgueses de Calais. Bronce. 1884-85. Calais.

En el aspecto técnico aplicó un poderoso modelado de superficies rugosas, así como multiplicó los planos para conseguir efectos de luz y claroscuros. Esto se puede apreciar en El Pensador. El proceso por el cual están hechas sus esculturas es el vaciado, y aunque en la actualidad conocemos estas piezas trabajadas en bronce, en su época Rodin elaboraba estas piezas en yeso: vaciaba el yeso, material usado como borrador y desechado por los escultores, como una manera de criticar al circuito del arte y a la escultura en mármol (blanco igual que el yeso, pero infinitamente más costoso), reconocida como la única oficial. Su mensaje era claro: la imagen es superior al material con el que está construido.

Por otro lado, las formas vivas que emanan del materia rechazan el punto de vista único y el espectador estático. Se trata de abrir la forma al espacio: la estatua explota y se liberan las masas contenidas. Más que la perfección formal o la belleza, lo que pretendía plasmar era la vida, la fuerza interior y la verdad interna; y para él la vida era la fuerza, la tensión, el movimiento y la acción.

Rodin. El Pensador. Bronce. 1880. Museo Rodin. París.

El gobierno francés le encargó Las Puertas del Infierno (1880-1917), la obra que sería su gran sueño, que se compondrían de 186 estatuas, inspirándose Rodin en La "Divina Comedia" de Dante. Tendría que ponerse este monumental grupo escultórico (seis metros de alto, cuatro de ancho y uno de profundo) en la entrada del nuevo Museo de Arte Decorativas. Luego el gobierno retiró el proyecto y no hizo el museo, pero Rodin siguió trabajando toda su vida algunas de esas piezas del conjunto, como Eva, Las tres sombras del ático, Hugolino o El Pensador, donde se aprecia que para él el arte es todo, la belleza y la fealdad (incluso lo feo y repugnante, cosa que escandalizó en su época), esculpiendo sin idealizar, tanto a jóvenes atletas como a viejos decrépitos. Las Puertas del Infierno son, en definitiva, una reflexión sobre la condición humana, con sus luces y sombras. Distinguimos toques de romanticismo y simbolismo en la temática de la obra y un enfoque más realista si tenemos en cuenta los efectos de la luz. Hoy, gran parte de estas obras están reunidas en el Museo Rodin de París.
El Pensador (1880) es la más célebre escultura de Rodin. La obra presenta el gusto de Rodin por lo no acabado, mezcla de realismo y romanticismo. Representa a un hombre sentado sobre una roca y apayada la cabeza en un puño, imperturbable, sumio en la profundidad de sus reflexiones, librando una dura batalla interna. Rodin expresa esta fuerza, de una potencia retenida, a través de la constitución muscular de su trabajo. La importancia que el artista otorga a la luz y la técnica del modelado es impresionista; sin embargo, el vigor con que Rodin manifiesta las formas, el trabajo de la materia y la naturaleza de su textura dejan entrever rasgos marcadamente expresionistas.  Las Tres Sombras (1880) se encontrarían en la parte superior de las puertas del infierno. Se trata de tres figuras que en realidad son la misma, pero expuestas en diferentes ángulos alrededor de un punto concreto. El beso (1886) también estaba representada en Las Puertas del Infierno. Es importante el movimiento de la obra, el entrelazamiento de los dos cuerpos, los diferentes ángulos y puntos de vista que nos ofrecen nuevos detalles, más información sobre la obra (por un lado parece que se besan, por el otro no).

Rodin. Las tres sombras. Bronce. 1880. Museo Rodin. París.

Rodin. El beso. 1886. Museo Rodin. París.

A pesar del rechazo que tuvieron sus obras en el público francés, que se mofaban continuamente de ellas, su obra El beso (1886) fue muy bien acogida, y suponía la apoteosis de la belleza y del movimiento, con la multiplicación de los planos y la suave ondulación de la superficie. Esta obra significó el cambio en su temática, ya que sin abandonar las formas onduladas, su estilo deriva en plena madurez hacia formas simbólicas, como La Catedral (1910), en mármol, reducida a dos manos en posición orante, o La mano de Dios, en la que de una nube de mármol brota un cuerpo humano. A partir de 1900, año en qu se celebró una exposición con 168 obras suyas, la gloria de Rodin llegó a su cenit. Otras obras suyas son La Edad de bronce o Torso.

Rodin. Estatua de Balzac. Bronce. 1897.

Rodin. La catedral.  Mármol. 1910.

En definitiva, las esculturas de Rodin buscaban la esencia misma del ser, por ello se deformaban y se hacían abstractas, siendo el punto de partida del lenguaje escultórico del siglo XX.

MUSEO RODIN

El edificio principal del actual Museo Rodin lo constituye el Hotel Biron de París, en el distrito VII de la ciudad. Al pie de la Cúpula de los Inválidos, está una mansión como un castillo en medio de un parque de tres hectáreas de terreno. Fue construida por los arquitectos rococós Jacques Gabriel y Jean Aubert entre 1728 y 1731, por encargo de Abraham Peyrene de Moras, siendo una verdadera obra maestra de la arquitectura rococó, con sus bellas y refinadas fachadas. En 1753 la propiedad fue vendida al mariscal de Biron (de ahí su nombre), quien remodeló el parque y lo transformó en uno de los más bellos de París. Luego tuvo varios destinos, como recinto ferial, consulado, sede de la delegación papal, embajada de Rusia o colegio de niñas internas, hasta que en 1905 parecía sólo un cascarón vacio rodeado de un bello jardín abandonado.

Jacques Gabriel y Jean Aubert. Museo Rodin Paris (Hotel Biron). 1728-1731.

Ese año, el Estado francés se hizo con la propiedad y su intención era demolerlo para hacer viviendas. Fue entonces cuando Rodin alquiló la planta baja y empezó a decorar sus paredes, llenar el jardín con sus esculturas y lo convirtió en su estudio. Allí vivieron algunos de sus amigos, como el poeta alemán Rilke. En 1909, Rodin, en lo más alto de su fama, comenzó a agitar para que el Hôtel Biron  se convirtiera en un museo de su trabajo. Sólo en 1916, y gracias a tres donaciones sucesivas, Rodin deposita en el Estado (quién acepta la propuesta) la totalidad de sus colecciones, sus archivos personales y, sobre todo, el conjunto de su obra, esculturas y dibujos, junto a los derechos de reproducción. Rodin, fascinado por la belleza y el salvajismo del parque, murió en 1917 y no pudo ver realizado su sueño.
El Museo Rodin consta de dos edificios y un jardín donde se alberga la obra de este espléndido escultor francés. Es una fórmula perfecta que aúna arte arquitectónico, escultórico y natural, porque, en sus jardines, toma protagonismo no sólo la obra del artista, sino su riqueza vegetal y su disposición.  Las muestras comprenden, además de las obras citadas de Rodin, su muy importante colección personal, en particular sus estatuas antiguas y fotografías. Una sala, a su vez, está consagrada a su amante, la escultura Camille Claudel.

El Museo se abrió al público en agosto de 1919. Actualmente podemos apreciar mármoles, bronces, yesos, ceras, terracotas, cerámicas, pinturas, diseños y obras del escultor francés, además de obras de otros artistas como Monet, Renoir y Van Gogh, provenientes de su colección particular.

Vista de los jardines del Museo Rodin.

Este museo posee alrededor de seis mil siscientas esculturas. Toda la colección se conservan entre el Museo de París y Meudon, localidad donde se encuentra la Casa-Museo Rodin, un palacete estilo Luis XIII que sirvió al artista y a Rose Beuret de residencia en los últimos años del siglo XIX, concretamente la Villa de los Brillantes de Medoum. Este edificio ha sufrido muchas reformas desde su creación y se abrió al público en 1948, como complemento necesario para albergar el resto de la obra de Rodin que no cabía en el de París. Aquí se pueden contemplar obras de otros artistas como Zoluaga, Roll o Carrière. Desde la creación del Musée Rodin, se decidió presentar en París las esculturas acabadas, mármoles y bronces, mientras que los yesos que representan la juventud de su obra permanecen en Meudon.

El visitante del Hotel Biron puede estudiar, en un juego constante y recurrente entre las salas y el jardín, las grandes obras del artista: sus mármoles y bronces que comprenden la donación de 1916; otras  han sido incorporadas a partir de donaciones y adquisiciones, las fuentes realizadas por el museo (La Puerta del Infierno, Hgolino, etc.), en suma, depósitos y atribuciones de obras que pertenecían al Estado y han sido reunidas en el Musée Rodin en 1919 o más tarde: como en el caso de dos de las obras más celebres del museo: El Beso y El Pensador.

Museo Rodin con la estatua Hugolino delante.

Actualmente, es uno de los museos mas famosos de París y recibe aproximadamente 500.000 visitas al año, lo que le sitúan en el cuarto museo más visitado de París, tras el Louvre, Versalles y Orsay. Se levanta como una majestuosa mansión rodeada de jardines con fuentes, senderos, bancos de piedra, cerezos, manzanos y dos mil rosales, jardín en el que se levantan famosas esculturas: El pensador, Los burgueses de Calais, Balzac, Las tres sombras y Puerta del Infierno.

Álgunos datos útiles.

Dirección: Rue d2 Varenne, 77 - 75007. VII distrito de París. Tf: (+33) 02 44 18 61 10.

Accesos:  Metro, línea 13: Varenne, Invalides o Saint-François-Xavier.

                 R.E.R., línea C: Invalides

                 Autobús: 69, 82, 87, 92.

                Aparcamiento: Boulevard des Invalides.

Apertura: Todos los días, excepto los lunes.

Horario:  Verano: 9,30 a 17, 45 (última entrada a las 17,15). Los jardines cierran a las 18,45.

                 Invierno: 9,30 a 16,45 (última entrada a las 17h). Los jardines cierran a las 16,15.

Tarifas: Normal, 6 euros; jardin, 1 euro; Familiar, 10 euros; Jóvenes UE, 5 euros.

Web : http://www.musee-rodin.fr/

Terminamos con dos videos ilustrativos, uno de Artehistoria sobre el escultor Rodin, y el otro sobre el Museo Rodin de París.