COMENTARIO DE ALUMNOS. ALEJANDRA ANDALUZ. IMPRESIÓN, SOL NACIENTE DE MONET

Este será el último comentario de alumnos/as por esta temporada; debía haberse publicado con anterioridad a la entrada de humor, pero no se hizo por descuido. Así, aprovecho para publicarlo ahora y agradecer a todos los alumnos/as el esfuerzo y la disponibilidad para trabajos y comentarios.

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ENCUADRE:

Obra: Impresión, sol naciente (en francés:Impression, soleil levant). Museo Marmottan-Monet, París.

Autor: Claude Monet.

Cronología: Último cuarto del siglo XIX (1874).

Género artístico: Pintura, óleo sobre lienzo ( 47 cm × 64 cm).

Estilo artístico: Arte Impresionista.

Otras obras: Mujeres en el jardín, Water Lily Pond, La Grenouillère, La estación de St. Lázare, Nenúfares …

ANALISIS:

En esta  obra podemos observar como Monet pintó  el puerto de Le Havre en Francia, usando muy pocos toques de pincel, que sugieren en vez de delinear;  en este cuadro podemos observar el símbolo mas importante ,el sol casi con la misma luminancia del cielo, una condición que sugiere humedad alta y atenuación atmosférica de la luz. Este detalle descansa sobre el uso de colores complementarios y variedad de temperaturas de color, en lugar de cambios de intensidad o valores contrastantes, para diferenciar el sol del cielo circundante. La pintura trata el valor de contraste simultáneo de los colores, situando tonos cálidos sobre otros opuestos que permiten resaltar, en la retina del espectador, unos tonos sobre otros. La vaporización será el elemento fundamental que invade la superficie, destacando esa humedad que invade la obra y que atenúa las tonalidades, es decir, el color se condiciona a esta atmósfera húmeda. El principal objetivo al que intentaba llegar Monet con esta obra es provocar una impresión en el espectador, por lo que nos encontramos con la importancia que se atribuye al espectador en el impresionismo.

Las pinceladas son un tanto libres, rápidas y directas, reduciendo los elementos del cuadro a una simplificación aparente, tal y como se contempla en los reflejos del agua. Sobre el agua encontramos la silueta de dos barcos que acaban de partir del puerto que se encuentra al fondo totalmente difuminado, esto es característico de los pintores impresionistas .

Monet estaba fascinado por los destellos del agua, la niebla que se levanta lentamente por la mañana temprano y los pequeños botes que flotan sin heroísmo alguno sobre la titilante superficie del mar. Monet nos ofrece una imagen del mar íntima y familiar; lo conocía bien, pues su infancia transcurrió en Le Havre. Le atraía especialmente el juego de la luz sobre el agua y trabajó intensamente para hallar una técnica capaz de conseguir este efecto en pintura. Y en este cuadro Monet logró comunicar admirablemente la desdibujada aparición del alba abriéndose paso sobre el mar. También se puede observar las principales características de los impresionistas, por ejemplo trata los temas de la naturaleza el paisaje.

COMENTARIO:

El único canal de exposición que tenían los pintores en la Francia del siglo XIX era el Salón de París, vinculado a la Escuela de Bellas Artes, que contaba con un prestigioso jurado que seleccionaba las obras enviadas. El escándalo de 1863 (con la presentación del Desayuno en la hierba de Manet), originó la creación del Salón de los Rechazados, el cual tenía más éxito entre los jóvenes creadores que el oficial al mostrar obras más modernas. Los pintores que se reunían en el Café Guerbois en torno a Manet decidieron crear un foro de exposición diferente a los oficiales, en el que pudieran mostrar sus obras todos los artistas independientes. Así surge la I Exposición de la sociedad anónima de artistas pintores, escultores y grabadores que tuvo lugar entre el 15 de abril y el 15 de mayo de 1874 en las salas que el fotógrafo Nadar les prestó. Acudieron 3.500 visitantes, que se rieron de la pintura tan moderna que contemplaban. A esa exposición Monet presentó nueve cuadros, entre los que destacó esta obra. El crítico Louis Leroy, inspirado por el título del cuadro, tituló su hostil crítica en el periódico Le Charivari, "Exhibición de los impresionistas" .

En la década de 1780 el concepto de arte como "impresión" se encontraba asociado a un reconocimiento "moderno" de la condición subjetiva de la percepción o de la experiencia. También se encontraba asociado con un estilo que recogiera un tipo de mirada personal y espontánea. "Impresionista" era, pues, cualquier artista que utilizara una técnica no convencional que reflejara una visión del mundo que fuera al mismo tiempo instantánea e individual.

La palabra impresión se utilizaba para hablar del efecto visual que recibía inicialmente un artista cuando contemplaba el tema de una pintura. En este sentido, se utilizaba también para hablar del efecto general que el artista lograba captar en el lienzo. En un sentido más restringido y preciso, en la academia se utilizaba impresión como sinónimo de “première pensé”, un boceto rápido y espontáneo. En la tradición académica, el boceto se consideraba siempre como un paso hacia la pintura terminada. Por tanto, exponer una pintura que a los críticos les parecía un boceto se consideraba una falta de respeto hacia las convenciones académicas de dibujo, forma y acabados correctos.

"Impresión, sol naciente" es un cuadro del pintor francés Claude Monet, que dio su nombre al movimiento impresionista. El nombre de "impresionista" se acabó identificando con el grupo de artistas que, en 1874, participaron en una exposición "independiente", es decir, al margen del Salón oficial creado por Manet. Monet se encuentra directamente relacionado con la organización de este grupo independiente y participó en cinco de sus exposiciones, en las cuatro primeras y en la séptima. Su cuadro, Impression, soleil levant, presente en la primera de estas exposiciones, tuvo una importancia clave de cara a la imagen pública del movimiento.

Un crítico de arte descubrió un símbolo semejante a una esvástica en los reflejos del agua. El autor no mencionó nada sobre ese asunto, pero ahí quedo siempre la intriga si esa esvástica era intencionada o idealizada. Es simplemente uno de muchos símbolos o enigmas ocultos en los cuadros. Recordemos que en esta época del Movimiento Impresionista se empezaron a esconder símbolos en los cuadros, ya sean por motivos políticos, económicos o por su zona geográfica. La pintura fue robada del museo Marmottan-Monet en 1985 y recuperada en 1990. Desde 1991 ha estado de nuevo en exhibición. Monet será el único impresionista fiel a esta corriente.

En esta obra se pueden apreciar las más importantes caracterísitcas de la pintura impresionista, tales como la importancia de la luz y los efectos atmosféricos, auténticos motores y protagonistas del cuadro, la pintura al aire libre, la pincelada suelta y ligera, los tonos claros, el intento de captar la instantaneidad del momento fugaz de la naturaleza... El dominio de todas estas características hacen de Claude Monet uno de los máximos representantes del impresionismo, y el más fiel al movimiento junto a Pisarro. Otros grandes representantes de esta vanguardia son Auguste Renoir, Alfred Sisley, Edgar Degas, Bazille o Berthe Morisot.

  

CONTEXTO HISTÓRICO:

El S.XIX fue un siglo rápido y agitado donde se produjeron muchos cambios: entra el liberalismo político, el parlamentarismo y constitucionalismo, se pasa del Antiguo Régimen al Nuevo Régimen (Edad Moderna a Edad Contemporánea), las clases sociales se miden por el dinero. La economía, el capitalismo y las revoluciones industriales transforman la vida tradicional. Siglo de grandes cambios en todos los aspectos, ideológicos, sociales, económicos, políticos...

El movimiento impresionista se desarrolló a partir de la segunda mitad del siglo XIX en Europa, principalmente en Francia, caracterizado por el intento de plasmar la luz (la «impresión» visual) y el instante, sin reparar en la identidad de aquello que la proyectaba. Es decir, si sus antecesores pintaban formas con identidad, los impresionistas pintarán el momento de luz, más allá de las formas que subyacen bajo este. El movimiento fue bautizado por la crítica como Impresionismo con ironía y escepticismo respecto al cuadro de Monet Impresión: sol naciente. Siendo diametralmente opuesto a la pintura metafísica, su importancia es clave en el desarrollo del arte posterior, especialmente del postimpresionismo.

EL PARÍS DE LOS IMPRESIONISTAS II

Claude Monet. La Estación de Saint-Lazare. Óleo sobre lienzo (75,5 x 104 cm.). 1877. 

Museo d´Orsay. París.

En la nueva configuración que definía el París del Segundo Imperio y la III República, los palacios y los templos se multiplicaron de manera desorbitada, aunque cambiando con frecuencia su advocación al monarca por la entronización de la "cosa pública", la glorificación del aristócrata por la del burgués y la veneración de lo divino por la de las artes y las ciencias. Pero, sin duda alguna, los nuevos recintos palaciegos fueron las estaciones de ferrocarril.

Tras el desarrollo del ferrocarril, primero en Gran Bretaña y luego en Francia, y coherentes con su origen moderno, las estaciones ferroviarias participarían de lleno en el pulso que la arquitectura estaba librando con la ingienería y sus nuevos materiales constructivos casa desde el siglo anterior. Así, se aunaba dos corrientes enfrentados: por un lado, el canto de cisne de una arquitectura en piedra, unida a viejas retóricas formales, pero ahora  científicamente codificada en sus procedimientos. Por otro lado, las deslumbrantes posibilidades del empleo masivo del hierro fundido y el vidrio plano. Ambas corrientes convergieron en esos grandes hangares con fachada urbana que fueron las estaciones de ferrocarril, auténticas catedrales para el vapor. 

París queda rodeada de un anillo de estaciones: Garede Saint Lazare, du Nord, de l´Est, de Lyon, d´Austerliz, de Montparnasse, de Vincenns, d´Orleans. Las seis primeras, más o menos transformadas, aún se manienen en servicio. La última, desplazada hacia el Sena y convertida en el Museo d´Orsay, alberga gran parte de la memoria visual de este París decimonónico que estamos describiendo. Los impresionistas también captaron el valor deeste nuevo tipo de espacios arquitectónicos capaces de engullir atmósferas cargadas de vapor, de energía y de futuro a través de sus grandes pórticos abiertos hacia el horizonte y eel cielo. Manet, Monet y Caillebotte pintaron insistentemente la Gare de Saint Lazare y sus alrededores.

Exterior e interior del Museo d´Orsay. París
 

Hacemos ahora un inciso, para hablar del Museo de los impresionistas, el Museo d´Orsay. Inaugurado el 14 de julio de 1900 como estación de ferrocarril, la Gare d´Orleans, el arquitecto Victor Laloux concibió el edificio como un conjunto prestigioso, con un hotel de 370 habitaciones. Estuvo funcionando como estación hasta 1939. Declarado monumento histórico en 1973, fue transformado en Museo y abierto al público el 1 de diciembre de 1986.

El Museo d´Orsay (Rue de Lille, 62) cubre el período artístico que va  desde 1848 hasta 1914. Es, por tanto, el museo donde puede contemplarse la mayor parte de la producción artística de los impresionistas. En la planta baja del museo se sitúa parte de la pintura impresionista anterior a 1870, pero sin duda la mejor y más numerosa se encuentra en la planta superior, enteramente dedicada al impresionismo y postimpresionismo, incluida una sala especial para la escultura de Degas y Renoir.

 

Charles Garnier. Palacio de la Ópera de París. 1875. Exterior e interior.

En la actual instalación del Museo d´Orsay, los museógrafos han situado la maqueta del colosal Teatro de la Ópera (1860-1874) que diseñara Charles Garnier. Se evoca así el protagonismo del edificio más emblemático del París del Segundo Imperio y la III República, que allí se congregaba en las rutilantes veladas de ópera para rendirse culto a sí mismo, ornado con sus mejores galas y exhibiendo ufano el aparato simbólico de un poder económico, social y político recién estrenado.

Como el jardín urbano o el bulevar, las representaciones de ópera, teatro, música o ballet se convertían, simultáneamente, en acontecimientos de una cultura resplandeciente y en escaparates para la liturgia social de la vida parisina (La vie Parisienne fue el título de una de las óperas más célebres de Offenbach, estrenada en 1867).

Es un ambiente que percibimos también claramente en otro cuadro de Monet, Baile de máscaras en la Ópera. En esta tela vuelven a aparecer un puñado de retratos de personajes del mundillo intelecutal y artístico, entremezclados con anónimos galanes que cortejan a enigmáticas damitas.

Claude Monet. Baile de máscaras en la ópera. Óleo sobre tela. 1873. National Gallery of Art. Washington.

Degas y Renoir también pintaron escenas ambientadas en este sugestivo mundo del espectáculo distinguido, en el que el público obraba como el verdadero protagonista. Degas, concretamente, se sintió especialmente atraído por los acontecimientos de música y danza que tenían lugar en dichos escenarios. Pero el artista también quiso trascender el momento mismo de la representación en público para adentrarse tras los bastidores, llegando a esa entraña misma del espectáculo que constituyen las duras sesiones de ensayo. Dentro de la apariencia de las cosas, tras la inevitable ficción que implica toda manifestación artística o adespecho de la frivolidad mistificadora de la vida mundana reaparece entonces el rostro verdadero de la condición humana. Es la herencia del realismo y naturalismo que propugnaron Zola (en su novela "Nana") o Courbet. Es la actitud que emerge en novelas capaces de adentrarse en realidades descarnadas o en cuadros que nos muestran fragmentos de una intimidad desprejuiciada, como las numerosas escenas de toilette pintadas por Courbet, Degas, Renoir, Cézanne o Toulouse-Lautrec.

 Edgar Degas. Clase de baile. Óleo sobre lienzo (85 x 75 cm.). 1875. Museo d´Orsay. París.

Espectáculo mundano por excelencia fueron las carreras de caballos, que períodicamente se celebraban en el hipódromo de Longchamp, inaugurado por el mismo Napoleón III en 1857, en el corazón del Bois de Boulogne. También se convertiría en argumento predilecto para la nueva pintura (el antecedente está en "El derby de Epson", pintado por Théodore Gericault en 1822). Manet y Degás nos han dejado imágenes vivísimas de esta colorista manifestación de la vida parisina que fueron las carreras en el hipódromo. Aire libre, movimiento, fugacidad, potencia y tensión psicológica se conjugan en unos cuadros que buscan captar la instantaneidad. Son imágenes acosadas por esa condición efímera, fugaz y cambiante que imprime la velocidad, los nuevos tiempos. 

El valor de lo veloz como expresión del movimiento preocupó especialmente a la fotografía de la época pero, sobre todo, fue algo inseparablemente asociado al pensamiento del hombre moderno desde que tuvo ocasión de subirse a un tren.

 

Édouard Manet. Carreras en el Bois de Boulogne. Óleo sobre lienzo (72,5 x 94 cm.). 1869. Colección privada.

Edgar Degas. Carreras de caballos frente a la tribuna. Óleo sobre lienzo (46 x 61 cm.). 1866-68. Museo d´Orsay. París.

Concluímos con dos estupendos videos sobre el museo de los impresionistas, el Museo d´Orsay de París:






Bibliografía:

-- Brihuega, Jaime: "París en tiempos de los impresionistas". En Revista "Descubrir el arte", nº 2 y 3. Madrid, 1999.
-- Denvir, Bernard: "El Impresionismo". Labor. Barcelona, 1991.
-- Historia del Arte Salvat: "El Realismo y el Impresionismo", Col. Historia del Arte, 15. Salvat. Barcelona, 2006.
-- Rewald, J.; "Historia del Impresionismo". Seix Barral. Barcelona, 1981.
-- Wikipedia.

EL PARÍS DE LOS IMPRESIONISTAS I

 Camille Pissarro. Boulevard de Montmartre. Óleo sobre lienzo. 1897. Victoria Gallery of Art. Melbourne (Australia).

En la segunda mitad del siglo XIX, el Impresionismo llevó hasta sus últimos extremos una trayectoria pictórica inciada en tiempos del Renacimiento, época en la que se arbitraron los instrumentos fundamentales de la representación figurativa occidental: la representación de la realidad en el espacio tridimensional. Pero, al mismo tiempo que consumaba un proceso pictórico que había durado casi cinco siglos, el Impresionismo preparó las bases para la disolución de los lenguajes figurativos tradicionales, que a partir de ese momento se aventuraron por los diversos derroteros de las vanguardias históricas, derivando incluso hacia formas de abstracción absoluta.

En líneas generales, la pintura de lo que podríamos llamar "Impresionismo ortodoxo" busca plasmar, con precisión de instantánea, aquellos cambios que sobre la apariencia de las cosas operan la atmósfera, la luz y sus reflejos, la nueva capacidad perceptiva del ojo de quien mira la realidad o de quien contempla el lienzo que la representa. Una parte fundamental de las obras del movimiento muestra la naturaleza y el mundo rural: ríos, mar, arboledas... Sin embargo, numerosos cuadros pintados por estos pintores tienen por argumento inequívoco y central la ciudad y sus gentes, los ciudadanos. Y la ciudad de los impresionistas, por excelencia, fue el París de la segunda mitad del siglo XIX.
En la capital de Francia aprendieron sus primeras armas como artistas, pasaron calamidades de todo tipo, intercambiaron sus ideas y experiencias de taller y concibieron, tanto un proyecto común, como las estrategias para su difusión. En estrecho maridaje con aquellos críticos, escritores, músicos y marchantes que apostaron por la renovación del arte, realizaron una heroica ofensiva contra el gusto académico, procurándoles un fuerte rechazo por parte de público y crítica. Pero también fue París donde, tarde o temprano, los impresionistas consiguieron el triunfo, hasta el punto que sus conquistas acabaron nutriendo los lenguajes visuales dominantes como simple recetario de formas. El que París fuera protagonista de excepción de la obra de estos nuevos artistas resultaba inexorable, ya que la ciudad que vieron los impresionistas estuvo tan sujeta al ritmo de la transformación y el cambio como lo estuvo su pintura.

Pierre-Auguste Renoir. Grand boulevard. Óleo sobre lienzo. 1875. Philadelphia Museum of Art. Filadelfia.

 Los impresionistas se criaron en el París de Balzac y llegaron a la madurez en el París de Zola; presenciaron la transformación de la ciudad con la guía del Barón Haussmann: una maraña arcaica de grandes palacios y de edificios superpoblados y descuidados se convirtió en una ciudad luminosa de grandes boulevards, hoteles lujosos y parques verdes que ellos, al elegirlos como tema de sus obras, iban a inmortalizar.
"El viejo París no existe (la forma de una ciudad/cambia más depreisa, ¡ay! que el corazón de un mortal)...". Así se expresaba Charles Baudelaire, poeta, crítico de arte, hombre de su tiempo y paseante dandy por excelencia , en un poema escrito en 1857. Sobre su realidad física se estaban haciendo patentes unas transformaciones  que la Revolución Industrial venía operando desde finales del siglo XVIII. En París, a paritr de 1853 y hasta 1870, en la época del II Imperio de Napoleón III, el barón Haussman, prefecto de la región del Sena, puso en marcha la primera de las grandes ordenaciones urbanas del siglo XIX, que acabaría transformando por completo la capital francesa. Veamos, pues, como se llevan a cabo estas transformaciones urbanas.
En esos diecisiete años París no sólo cambió de aspecto sino de habitantes, también: de 1.200.000 a casi 2.000.000. Bajo las órdenes de Haussman desaparecieron 54 kilómetros de calles del antiguo tejido urbano y fueron añadidos nada menos que 165 kilómetros de nuevo trazado. El resultado fueron esos grandes y rectilíneos bulevares conectados entre sí por trazados radiales o diagonales. Un cinturón de barrios periféricos fueron fagocitados y digeridos en enclaves suburbiales. Así sucedió con el famoso Montmartre, que todavía conserva su sabor de viejo suburbio, a pesar de haberse convertido en santuario para el turismo de hoy en día.
Por otro lado, Haussman triplicó la llegada del agua potable, el alumbrado por gas, la red de alcantarillado y los transportes terrestres. Surgieron nuevos parques (Bois de Boulogne, Bois de Vincennes, etc.) y se reordenaron y potenciaron los ya existentes (Tullerías, Jardín de Luxembourg...). La administración construyó edificios de todo tipo: escuelas, cárceles, mercados, hospitales, bibliotecas, auditorios, teators, museos o cementerios. Las calles se llenaron de monumentos y quioscos de música. La ciudad cambió y, con ella, sus gentes. El nuevo París se convirtió en el escaparate de una nueva liturgia social y cultural. Había surgido una nueva ciudad y, junto a ella, un nuevo arte: el arte del Impresionismo.
Y fue la nueva sociedad surgida de esa revolución industrial la que habría de transformar París. La Administración se volcó en obras y medidas asociadas al bienestar social con el fantasma de la Revolución de 1848 fresco en la memoria, esto es, pensando en la eventual amenaza representada por las clases populares. Sobre todo, un proletariado industrial cada vez más organizado políticamente, como quedaría demostrado en 1871 durante los sucesos de la Comuna de París. En aquellas fechas, el flamante trazado viaria de la ciudad se llenaría, una vez más, de barricadas, escaramuzas y represión. Manet ha dejado testimonio visual de estos enfrentamientos.

Édouard Manet. Música en las Tullerías. Óleo sobre lienzo. 1862. National Gallery. Londres.

Además, esta ciudad con el semblante transformado acabaría transformando a su vez a quienes la habitaban, que se sintieron impulsados a desplegr unas pautas de comportamiento social y cultural acordes con la elocuente magnificencia del nuevo paisaje urbano. En este sentido, el cuadro de Manet Música en las Tullerías (1862) nos parece hoy una imagen cargada de significados que van más allá que los de la simple estampa de costumbres.

Su formato es amplio, como el de la mirada panorámica del paseante. Su pincelada rápida, como el ritmo del cambio circundante. En su argumento, la naturaleza ha sido desplazada por el jardín urbano, y los personajes de la literatura, la mitología, la historia o el mundo exótico, que se empeñaba en perpetuar el academicismo de los salones oficiales, han sido suplantados por burgueses vestidos a la moda, convertidos simultáneamente en actores y espectadores de una nueva epopeya civil. Ahí están representados algunos de los nuevos personajes de la escena cultural: el propio Manet, los pintores Fantin-Latour y Charles Mongiot, los críticos de arte Champfleury y Astruc, el periodista A. Scholl, los escritores Baudelaire y T. Gautier, el músico Jacques Offenbach, etc.

 Claude Monet. Boulevard des Capucines. Óleo sobre lienzo. 1873. Elson-Atkins Museum of Art. Kansas City, Missouri.

Las calles y los jardines de París fueron un motivo recurrente en los lienzos de los nuevos pintores (especialmente en las obras de Monet). En todas ellas, los monumentos pierden su carácter emblemático para fundirse en la globalidad de una impresión visual única: todo (árboles, ríos, gente, trazados urbanos, etc.) se transforma en una metáfora tangible del bullicio parisino. Esta impresión de muchedumbre agitada alcanza su grado máximo en las vistas que Monet realizó de "Vista de las Tullerías", "Boulevard des Capucines" o la "Rue Saint-Denis". Por su parte, Renoir, que ha había pintado los "Campos Elíseos durante la Exposición Universal de 1867", realizó vistas del Pont des Arts y del Pont Neuf atravesados por numerosos pasantes, así como grandes perspectivas de bulevares colmados por una multitud en moviemiento. También Pisarro pintó desde un piso alto el "Boulevard des Italiens" lleno de gente y vehículos y Degas una "Place de la Concorde" reducida a un fragmentode espacio señalado por los primeros planos de paseantes moviéndose en todas direcciones. Imágenes como éstas son muy frecuentes en la pintura de Gustave Caillebotte. 

Este artista, cada vez más apreciado por la crítica actual, buscó siempre puntos de vista sorprendentes y, a la vez, concordes con la mirada del habitante urbano. Es el caso de sus imágenes de calles tomadas casi en vertical, desde lo alto de un balcón. También de vistas de los techos parisinos o de esa sorprendente "Place d´Europe bajo la lluvia", mostrando los acerados reflejos del pavimento encharcado, el aire nebuloso y húmedo y la extraña luz que, bajo los paraguas, baña los rostros de los paseantes. 

 Gustave Caillebotte. Calle de París; tiempo lluvioso. Óleo sobre lienzo. 1877. Art Institute of Chicago.

Para terminar dos videos de Artehistoria, uno sobre París, ciudad de la luz y otro sobre la primera exposición impresionista:

Bibliografía:

-- Brihuega, Jaime: "París en tiempos de los impresionistas". En Revista "Descubrir el arte", nº 2 y 3. Madrid, 1999.
-- Denvir, Bernard: "El Impresionismo". Labor. Barcelona, 1991.
-- Historia del Arte Salvat: "El Realismo y el Impresionismo", Col. Historia del Arte, 15. Salvat. Barcelona, 2006.
-- Rewald, J.; "Historia del Impresionismo". Seix Barral. Barcelona, 1981.
-- Wikipedia.