COMENTARIO DE ALUMNOS. MANUEL JESÚS GALLARDO. EL JURAMENTO DE LOS HORACIOS DE DAVID

 

ENCUADRE

Obra: El juramento de los Horacios

Autor: Jacques-Louis David (1748-1825)

Género: Pintura histórica (Óleo sobre lienzo; 3,30 x 4,25 m).

Cronología: 1784 2ª mitad del S. XVIII.

Estilo: Neoclasicismo

Localización actual: Museo del Louvre (Paris)

Otras obras: Rapto de las Sabinas, Muerte de Marat, Coronación de Napoleón…

ANÁLISIS

Los tres hermanos Horacios juran ante su padre lealtad al Estado y ponen a disposición su vida para defenderlo. En un rincón, se ubican sus mujeres, las cuales muestran su abatimiento por lo que están presenciando. David utilizó líneas rectas para trazar los personajes masculinos y líneas onduladas para los femeninos. El cromatismo se subordina de forma excelente al dibujo. Los colores son brillantess, aunque algo fríos y matizados y predominan las tonalidades rojas, grises y ocres. Pero aunque la variedad cromática de David es amplia, se nota una cierta frialdad en el cromatismo, los colores son apagados, fríos…

El rojo de la túnica paterna en el centro de la obra, es un símbolo de la intensidad del acto del juramento, pero también de la sangre que será derramada en un futuro muy próximo. La luz, de clara inspiración caravaggiesca, entra por la izquierda del lienzo y proyecta las sombras de los hermanos hacia el padre y las mujeres, dando un matiz dramático, intenso y abusando del claroscuro. Si somos observadores, veremos como en la composición también se hallan representados elementos clásicos, como los tres arcos de medio punto que sustentan la fachada porticada que está al final de la obra y las sólidas y robustas columnas dóricas que sustentan los arcos. En cada uno de los tres arcos se desarrolla los tres grupos compositivos: los hermanos en el arco de la izquierda, el padre en el arco central, y las mujeres en el arco derecho.

Es digno de destacar la gran labor que ha llevado a cabo el pintor al haber representado de forma sublime la tridimensionalidad en la composición, convergiendo todos los puntos de fuga en la figura central del padre y en sus manos, que sostienen las espadas, dividiendo la composición en dos mitades, con tres figuras en cada lado. Volvemos al estudio de la persperctiva y la tridimensionalidad clásica del Renacimiento.

Por otro lado, las formas están muy idealizadas y las posturas son muy claras, casi teatrales, dándose así un grado alto de orden y locuacidad en la escena. La composición, por tanto, es muy equilibrada, clara, ordenada y, casi, simétrica, muy propio de la antigüedad clásica.

Como en toda la pintura neoclásica, se nota el total predominio del dibujo sobre el color, con líneas muy nítidas que separan las formas. El uso de los colores fríos y apagados esconden la expresión y los sentimientos, al mismo tiempo que resalta el contenido, la historia o tema que trata de transmitir.

COMENTARIO

Los tres arcos del fondo dividen la composición del lienzo en tres zonas: a la izquierda se encuentran los tres hermanos; en el centro, el padre; y a la derecha las mujeres y los niños. Los distintos grupos de personajes aparecen juntos, pero sin llegar a tocarse físicamente entre ellos. El número tres es una constante en toda la obra: tres arcos, tres espadas, tres hermanos, tres mujeres…. Incluso se aprecia como la narración se reparte en tres actos. Estos tres actos o momentos están marcados físicamente por los grupos de personajes y por los tres arcos de la arquitectura de fondo. Así pues, los tres momentos resumen en primer lugar, la declaración de guerra de los tres hermanos, el juramento de fidelidad a Roma que les toma su padre sobre las espadas que llevarán a la lucha, y la desesperación de las mujeres, que se apartan del ritmo histórico para llorar en su privacidad.

Es relevante también la distribución de los elementos a partir de diferentes formas geométricas. Así, los jóvenes y el padre conforman, al ser aproximadamente del mismo tamaño, un rectángulo; en cambio, las piernas de los hermanos, las de su progenitor, las dos muchachas que se compadecen, la mujer que protege a los niños….pueden ser reducidas a triángulos.

La energía y la vitalidad que dependen los varones quedan contrarrestadas por el abatimiento de las mujeres. La estancia en la que se desarrolla la acción está desprovista de motivos decorativos, con la única salvedad de la lanza colgada en la pared del fondo. Las columnas de las arcadas son de orden toscano, más austero que el dórico del cual derivan.

La pintura neoclásica tiene por norma diferenciar el espacio masculino y el femenino. El masculino es el espacio público, el de la guerra o el trabajo. El espacio femenino será siempre el hogar, la intimidad, y sus labores llorar a los héroes muertos o realizar las tareas domésticas.

El juramento de los Horacios se basa en la tragedia "Horace" de Corneille, la cual se inspira, a su vez, en la correspondiente historia narrada en Ab urbe condita del autor latino Tito Livio. En el siglo VII a.C, Roma y Alba Longa se disputaban el dominio de la Italia central. Para dirimir cual de las dos ciudades seria la vencedora, decidieron que combatieran tres hermanos de cada bando: Los Horacios, en Roma y Los Curiacios por Alba Longa. El único superviviente fue uno de los  Horacios, quien al ver los lloros de su hermana por la perdida de su prometido, uno de los Curiacios, la mató por lamentar una perdida enemiga.

El autor de esta obra, al decantarse por este tema, pretendió infundir en sus contemporáneos el sentido del deber hacia la patria, a imagen y semblanza de los Horacios, por este motivo, podríamos decir que este cuadro posee un fin político y ético. Aunque el lienzo no pretendía apoyar la conspiración contra la autoridad del Estado en la atmosfera tensa de los años anteriores a la Revolución francesa su contenido fue interpretado en ese sentido. "El Journal" de Paris, definió a la obra con estas palabras: “(…) al contemplar este cuadro, el espectador experimenta una impresión que eleva al alma y que, para decirlo en palabras de Rousseau, tiene algo que entusiasma”. Con respecto al autor, destacamos que fue un pintor francés de bastante influencia en el estilo neoclásico. Buscó la inspiración en los modelos escultóricos y mitológicos griegos, basándose en su austeridad y severidad, algo que cuadraba con el clima moral de los últimos años del antiguo régimen. 

David fue un pintor enteramente comprometido con la situación política que vivió Francia a finales del Siglo XVIII. Participó activamente en la Revolución Francesa, fue Comisario de Museos y marcó la línea que debía seguir el arte y la moda francesa. Tras la caída de la República jacobina, fue encarcelado, pero con la llegada de Napoleón, ascendió nuevamente y fue nombrado pintor de corte, desarrollando el "Estilo Imperio", propagandístico de la figura del emperador. Tras la caída de éste, se exilio en Bruselas, donde murió. De entre sus obras más célebres, casi todas de temas históricos o mitológicos, podríamos destacar: La muerte de Sócrates,  Muerte de Marat, El rapto de las Sabinas, San Roque intercediendo ante la Virgen por la curación de los apestados, El dolor y los lamentos de Andrómaca sobre el cuerpo de Héctor.

Con respecto a la pintura neoclásica, reflejamos como sus principales características son las siguientes:

-Se deseaba regresar a lo que se percibía como «pureza» de las artes de la Antigua Roma, la más vaga percepción («ideal») de las artes griegas y, en menor medida, al clasicismo renacentista.

-Se difundieron obras arqueológicas y otras que reproducían imágenes de las ruinas clásicas.

-Las obras tenían un fundamento didáctico.

-Intervinieron nuevos elementos para embellecer las obras: nuevos colores, pintura sobre cerámica,…

- Fue un arte academicista.

 CONTEXTO HISTÓRICO

Entre los siglos XVIII y XIX se desarrolló una nueva sensibilidad que cambiaría la forma de concebir el arte que se había tenido durante el Barroco. La racionalidad y los modelos antiguos se unirían para dar lugar al arte neoclásico. La segunda mitad del siglo XVIII se va a caracterizar por la Ilustración. Esta va a fomentar el estudio razonado de la naturaleza, así como de las sociedades mismas.

Sin embargo, y en contraste con ello, este período se caracteriza por una agitada situación política. A las guerras entre Francia e Inglaterra por el dominio de los mares y de las colonias americanas, le sucederá la Guerra de Independencia de los Estados Unidos, que es al tiempo la primera de las revoluciones burguesas. Paradójicamente en la misma participará Francia, apoyando a los insurgentes americanos.

Los principios allí aprobados por la oligarquía burguesa serán en poco tiempo los que los revolucionarios franceses intenten llevar a la práctica, lo que supondrá el inicio de la Revolución Francesa, punto de partida para la llamada Edad Contemporánea. El Antiguo Régimen, que había imperado hasta ese momento se comenzará a desmoronar; al tiempo, la naciente Revolución Industrial comienza a cambiar el mundo. De esta manera, se extiende una concepción razonada de la belleza que produce profundas transformaciones en el significado de la creación artística. Por un lado, se instituyen los criterios de juicio que dan sentido a la historia del arte, en tanto que ciencia que explica los objetos bellos de todos los tiempos, convertidos en modelos estéticos; y, por otro, se sientan las bases del arte contemporáneo, al otorgarse plenamente a la obra de arte el carácter de realidad autónoma.

Ese período no se corresponde, sin embargo, con un estilo único, a causa, precisamente, de la dificultad para establecer unas normas inapelables que caractericen la belleza. No obstante, del esfuerzo por sistematizarlas nace un modelo dominante, que se sitúa en la Antigüedad clásica. Ello trae consigo una voluntad de recuperación formal del arte grecolatino, que se opone a la complejidad barroca que había llegado a tener el lenguaje clasicista a mediados del siglo XVIII. Ese fenómeno se conoce con el nombre de neoclasicismo.

LA PINTURA DE JACQUES LOUIS DAVID

J.L. David. Autorretrato. Óleo sobre lienzo. 1794. Museo del Louvre. París.

Dentro del desarrollo del Neoclasicismo, en pintura no se disponían de modelos clásicos de la antigüedad como ocurre con la escultura o la arquitectura, que tantas muestras se conservaban en Italia.  La única referencia eran los relieves que ya habían perdido su anterior cromatismo, por lo tanto la pintura neoclásica se fundamenta en la temática, sin aportar nada nuevo en cuanto a sistemas de representación ni a técnica. La pintura se desarrolla a finales del siglo XVIII y primera mitad del XIX (hasta 1848) en dura pugna con el Romanticismo: se produce una gran tensión entre el orden y la libertad, entre la razón y el sentimiento.

La pintura neoclásica se caracteriza por el equilibrio compositivo, el predominio del dibujo sobre el colore, los colores son apagados, minuciosidad y detallismo en las pinceladas, búsqueda de la armonía, el orden y la belleza ideal.

JACQUES LOUIS DAVID (1748-1825) es el máximo representante de la pintura neoclásica. Su biografía refleja el curso de los acontecimientos revolucionarios hasta la caída de Napoleón. Es el prototipo de artista revolucionario comprometido con los ideales igualitarios de su tiempo, de la Revolución y del Imperio, que no duda en poner su arte al servicio de la propaganda, aventurando el camino de la pintura moderna. 

Jacques Louis David es el fundador del Neoclasicismo francés. Nació en París en 1748, iniciándose en la pintura a temprana edad. Se formó en el taller de  J.M. Vien, pasando después a la Academia de París (1766), obteniendo como premio una pensión para trasladarse a Roma. Allí descubrió la Antigüedad clásica, interesándose por la pintura idealista de los Carracci durante su breve estancia en Bolonia. En Roma también se interesaría por Rafael y Poussin. En la Ciudad Eterna será captado por los teóricos del Neoclasicismo, Winckelmann y Mengs especialmente. Años después realizaría un segundo viaje a Roma, estancia que duró cinco años, adoptando una técnica tenebrista aprendida de Caravaggio. Simultanea grandes composiciones históricas con retratos para ganarse la vida.  

En un primer momento recibe la influencia de los últimos pintores del rococó (escuela de Boucher) contra los que después arremeterá.    Después  se  pasa  a  cultivar  la  pintura  de tema clásico escenografiando pasajes de la antigüedad con una técnica realista, una cierta rigidez y seriedad en el tratamiento de las figuras y un cromatismo muy vivo. 

 J.L. David. El juramento de los Horacios. Óleo sobre lienzo. 1784. Museo del Louvre. París.

A este periodo corresponde El  juramento  de  los  Horacios  (1784), que se convierte en el primer manifiesto de la pintura neoclásica europea (lo hizo en Roma). Representa la promesa que hacen los tres hermanos Horacios, designados por el pueblo romano para enfrentarse a otros tantos albanos y decidir los destinos de Roma y Alba Longa, que se encontraban en guerra. David se centra en el momento en que los Horacios reciben las espadas de su padre, comprometiéndose a defender el futuro de Roma. El cuadro glorifica las virtudes de patriotismo y sacrificio, pero lo que llamó la atención de sus contemporáneos, y convierte a David en un precursor de modernidad, es el abandono intencionado de la narración literaria de la historia para concentrarse en la expresión pasional de un instante dramático, aunque técnicamente abusa del claroscuro. En el lienzo destacan el dramatismo en la utilización de la luz, las formas idealizadas y la claridad gestual, lo que lo hace ser la proclama del Neoclasicismo artístico. En este lienzo, como en otros, se aprecia como la narración se reparte en tres actos. Estos tres actos o momentos están marcados físicamente por los grupos de personajes y por los tres arcos de la arquitectura de fondo. Así pues, los tres momentos resumen en primer lugar, la declaración de guerra de los tres hermanos, el juramento de fidelidad a Roma que les toma su padre sobre las espadas que llevarán a la lucha, y la desesperación de las mujeres, que se apartan del ritmo histórico para llorar en su privacidad. La pintura neoclásica tiene por norma diferenciar el espacio masculino y el femenino. El masculino es el espacio público, el de la guerra o el trabajo. El espacio femenino será siempre el hogar, la intimidad, y sus labores llorar a los héroes muertos o realizar las tareas domésticas.

 J.L. David. El rapto de las sabinas. Óleo sobre lienzo. 1799. Museo del Louvre. París.

Otros temas de ambientación romana son El rapto de las sabinas y Los lictores devuelven a Brutus los cuerpos muertos de sus hijos. En este último representa la escena en que son traídos los cadáveres de los hijos de Brutus que él mismo ha mandado decapitar por traición a la República, ante la madre y hermanas desconsoladas. Llama la atención la figura aislada pensativa de Brutus, que tiene tras él una estatua de la República. Como detalle, este cuadro contiene un bodegón espléndido de una cesta de costura sobre la mesa (único detalle que revela la realidad familiar). Otro aspecto notable es el estudio perfecto de la luz Luz cuyo mejor ejemplo es el contra luz de la estatua de la República citada. Esta obra puede calificarse de incendiaria (llamada a la Revolución), y aunque tiene muchos valores estéticos, lo que trasciende es su contenido ético.

 J.L. David. Muerte de Sócrates. Óleo sobre lienzo. 1787. Metropolitam Museum. Nueva York.

David regresa a París en olor de multitudes. A la anterior obra de ambiente romano le sigue otra de inspiración griega: la Muerte de Sócrates, donde el padre de la filosofía está a punto de beber la cicuta. La injusticia de su condena por el simple hecho de dedicarse a la enseñanza guarda relación con los mártires políticos de la Revolución Francesa. La Muerte de Sócrates es una pintura de fuerte carga simbólica al ensalzar la aceptación de la muerte por parte del filósofo. Aunque el conjunto denota cierta frialdad, la composición de la escena es extraordinaria, gracias a la acertada colocación de las figuras, los efectos de luz, etc. Otra obra ambientada en tema griego es Andrómaca velando a Héctor, donde Héctor se encuentra tumbado y Andrómaca en primer plano con sus hijos. Se representan tres momentos: muerte, dolor y consuelo. David ha realizado una severa composición geométrica en una gama casi monócroma, lo que le da un aspecto muy frío.

 J.L. David. Muerte de Marat. Óleo sobre lienzo. 1793. Museo Real de Bellas Artes. Bruselas.

En este sentido está su obra Muerte de Marat. En un marco austero, aparece el revolucionario al que le han cortado las venas, exhalando el último suspiro, con la pluma todavía en la mano, mostrando el valor moral de la razón frente a la barbarie y el crimen. Se trata de una pintura de gran sencillez y austeridad, con escaso cromatismo, donde la parte alta de lienzo no tiene figuración y los objetos representados son de gran pobreza. Con ello David exalta la honradez y sacrificio del político amigo que sólo vela por el bienestar del pueblo, pero rechazando el enriquecimiento personal. Además, el cuchillo con el que es asesinado Marat representa la violencia irracional de la asesina frente a la pluma y papel que es la sabiduría del tribuno.

Pero  al  estallar  la Revolución, David  se  entrega  ciegamente  a  la  política. Es nombrado superintendente de Bellas Artes y decidió  suprimir la Academia por sus reminiscencias rococós y someter el arte a una dictadura personal.  Sus discípulos llegaron apedrear obras de Watteau. 

 J.L. David. Juramento de la pelota. Boceto. 1791. Museo Nacional de Chateau. Versalles, París.

David puso sus pinceles al servicio de la Revolución y así realizó su Juramento de la pelota.  El hecho histórico que David conmemora en este boceto previo para un cuadro que nunca se realizó es el juramento de mantenerse unidos que realizaron los representantes del "Tercer Estado" y el clero, celebrado de manera casi espontánea en una reunión multitudinaria celebrada en el Jeu du Pomme. Este juramento tuvo lugar el 20 de junio de 1789. David se enfrentaba ante un problema nuevo, como era el de una composición en la que se debía incluir entre mil y mil cien retratos de los asistentes. Además, era importante por un lado la fidelidad histórica al acontecimiento y por otro la exaltación ideal del mismo. David plantea una caja espacial sin la pared delantera, que se abre para que el espectador pueda contemplar lo que ocurre, casi como el proscenio de un teatro. El enorme espacio preparado para jugar a un juego parecido al frontón actual está desnudo en los altísimos muros. Un hormiguero de gente se agolpa en el suelo. Efectivamente, la mayoría de los personajes son retratos. Podemos localizar, por ejemplo, a Robespierre, en primer plano a la derecha, en pie y con las manos expresivamente sobre el pecho. El personaje que está en alto con una mano extendida y un papel en la otra es Bailly, el presidente de la Asamblea. Trata de conseguir silencio para leer en voz alta la declaración de independencia y lealtad. Hacia él convergen todos los brazos, todos los rostros, todas las miradas, como el símbolo de la república. Ante él, tres miembros del alto clero francés se entrelazan en un abrazo, dando el toque sagrado a un acontecimiento que se desarrolló completamente en el laicismo de la Ilustración. Las galerías superiores son el único foco de atención del resto de la estancia. Por sus ventanales se asoma el pueblo de París, que desea contemplar a sus representantes por primera vez. El viento de la revolución penetra en la sala y hace revolotear con furia las cortinas y volverse los paraguas del revés.

 J.L. David. Retrato de Madame Recamier. Óleo sobre lienzo. 1800. Museo del Louvre. París.

David impone también las modas y los gustos; peinados cortos y sueltos en los hombres, túnicas a la romana en las vestimentas de las mujeres y diseño clásico en el mobiliario, como se resume en el Retrato de Madame Recamier. David eligió para ella una pose que fue imitada hasta la saciedad posteriormente. Los elementos secundarios se los encargó a su discípulo, Ingres, que más tarde los empleará en sus propios retratos. Madame Recamier va vestida y peinada a la moda "imperio", que recupera los ideales griegos: peinado de bucles alrededor del rostro, vestido-túnica de talle muy alto, y descalza, lo que era toda una provocación sensual. A Madame Recamier le disgustaba la pose que había de mantener durante largo tiempo. Tanto es así que sus quejas terminaron por provocar al maestro que indignado abandonó el lienzo sin terminarlo. Muchos críticos modernos consideran sus retratos como sus mejores obras, sobre todo porque no conllevan la carga de los mensajes moralizantes y la técnica, a menudo artificiosa, de sus obras neoclasicistas.

 J.L. David. Coronación de Napoleón. óleo sobre lienzo. 1807. Museo del Louvre. París.

Caído Robespierre, fue encarcelado y, Al hacerse Napoleón  con el poder, David fue liberado y fue nombrado pintor de cámara y se entregó a conformar una "estilo imperio" del que es ejemplo La Coronación de Napoleón, o Napoleón cruzando los Alpes, donde se realza el lujo inherente a la Corte del emperador, cuando  ya  los  ideales  revolucionarios se habían disipado y se vuelve a cultivar lo que antes se había criticado, el lujo de la aristocracia y su forma de vida privilegiada; lo único  que cambia es que ahora los aristócratas eran otros. En la Coronación de Napoleón retrata a las personas más características de la época. Papa y obispo de París. Los gestos realistas de los espectadores al acto, contrasta con los fríos gestos de los eclesiásticos. Napoleón cruzando los Alpes es un cuadro de gran dinamismo donde se representa a Napoléon como sereno dominador de la fuerza del caballo en el suelo escribe Carolus Magnun Napoleón, con lo que identifica a Napoleón con Carlomagno, por tanto es una simbolización del nuevo héroe de Francia.

Al caer Napoleón, David fue desterrado a Bruselas hasta 1825 cuando murió. Durante esos últimos años retornó a los temas inspirados en la mitología griega y romana, que pintó recurriendo a una mayor teatralidad.  

 Su vida y su obra son el máximo exponente de esa asociación entre  pintura neoclásica francesa y revolución burguesa, aunque ese compromiso implicara graves contradicciones. Frente a la frivolidad del rococó, del que era enemigo declarado, exhibió la grandeza ética y la austeridad de sus héroes antiguos. La carrera artística de David representa la transición del rococó del siglo XVIII al realismo del siglo XIX. Su neoclasicismo frío y calculado ejerció una gran influencia sobre sus discípulos Antoine-Jean Gros y Jean Auguste Dominique Ingres, y sus temas heroicos y patrióticos prepararon el camino para el romanticismo. 

 J.L. David. Napoleón cruzando los Alpes. Óleo sobre lienzo. 1800. Schloß Charlottenburg. Berlín.

 

JEAN AUGUSTE INGRES (1780-1867) es el otro gran pintor neoclásico y para muchos incluso superior a David. Había estudiado largos años en Italia y guardaba una profunda admiración por Rafael. Ingres representa la última parte del Neoclasicismo. Era contemporáneo de los pintores románticos, pero defendió siempre la tradición davidiana frente al impulso romántico (especialmente frente a Delacroix, a quién recriminaba el dar más importancia al color que al dibujo), desde la dirección de la Academia de Bellas artes. A pesar de la importancia que prestó en su obra al dibujo, se sintió atraído por el sentimentalismo y nostalgia del pasado, el orientalismo y la exhuberancia decorativa. Obras suyas con estas características son La bañista de Valpinçon, donde refleja la poética canoviana de la belleza ideal, El sueño de Ossian, Odaliscas, Baño turco o La fuente. También hace el magnífico retrato de Napoleón en su trono imperial.

 J.A. Ingres. La bañista de Valpinçon. Óleo sobre lienzo. 1808. Museo del Louvre. París.

ANTOINE-JEAN  GROS (1771-1835) fue el mejor discípulo de David, y fue protegido por Napoleón, acompañándole en sus campañas, siendo por tanto un pintor propagandístico. Su clima de emoción heroica y su temática libre le convierten en un pintor prerromántico. Destaca entre sus obras La batalla de Eylau o Napoleón visitando a los apestados de Jaffa, donde contrasta el ambiente exótico oriental lleno de enfermos con la arrogante frialdad del héroe tocando sin temor la llaga de un apestado.

 A.J. Gros. Napoleón visitando a los apestados de Jaffa. Óleo sobre lienzo. 1804. 

Museo del Louvre. París.

Bibliografía:

--  Friedlaender, Walter: "De David a Delacroix". Alianza Editorial. Madrid, 1989.

-- Rodríguez, Delfín: "Del Neoclasicismo al Realismo". Historia 16. Col. Conocer el arte, 8. Madrid, 1996.

-- Novotny, Fritz: "Pintura y escultura en Europa 1780-1880". Cátedra. Madrid, 1978.

--Wikipedia.

Para terminar, un interesante video sobre la pintura de David: