COMENTARIOS DE ALUMNOS. MANUEL JESÚS GALLARDO. COMENTARIO DE LA IGLESIA DE NÔTRE-DAME DE HAUT DE LE COURBUSIER Y GUERNICA DE PICASSO

Con estos dos comentarios de Manuel Jesús Gallardo, terminamos la serie de comentarios (tanto del profesor como de alumnos/as) del presente curso escolar. Hasta el último tema de la materia, he estado recibiendo comentarios de mis alumnos, aún con la complicación que tiene las obras del siglo XX, cosa que todo profesor agradece en el alma, pues siempre aspiramos a ese espíritu de superación del alumno/a. El curso de 2º de Bachillerato concluye el próximo 31 de mayo. Mis alumnos tendrán ese día la despedida que se merecen; el blog continuará activo hasta la realización de la prueba de selectividad, orientándolos y aconsejándolos en lo que podamos. Gracias a todos.

ENCUADRE:

Obra: Capilla de NotreDame du Haut en Ronchamp (Francia).

Autor: Le Corbusier.                                                                          

Género: Arquitectura Religiosa.

Estilo: Arte del s. XX (Racionalismo).

Cronología: 1950-1954.

Otras obras: Villa Saboye, Unidad de habitación en Marsella, Secretariado y Palacio de Justicia de Chandigarh (India)...

ANÁLISIS:

La planta de la iglesia es hasta cierto punto simple, se compone de una nave de forma oblonga y curvilínea, con dos entradas en los costados, un altar principal de forma axial y tres capillas debajo de las torres.

Consta principalmente de paredes curvadas, especialmente la pared del sur, la cáscara de elasticidad concreta de la azotea, el edificio presenta una forma masiva, escultural. Las ventanas pequeñas, brillantemente pintadas y al parecer irregulares están perforadas en estas paredes gruesas y dan una luz débil pero emocionante dentro del edificio, realzado por la luz indirecta adicional que viene de bajo de las tres torres.

La estructura en la Capilla de Notre Dame du Haut, está hecha sobre todo de cemento y piedra y es bastante pequeña, incluida en las gruesas paredes, con la azotea vuelta hacia arriba apoyada en las columnas encajadas dentro de las paredes, como una vela ondeando. La pesadez de las paredes y de la azotea es engañosa. En el interior, los espacios se forman entre las paredes y la azotea y está iluminada por medio de ventanas de tipo aspillera, así como la luz asimétrica de las aberturas de la pared, para reforzar la naturaleza sagrada del espacio y también la relación del edificio con sus alrededores. La iluminación en el interior es suave e indirecta, que junto con las ventanas pequeñas y el reflejo de las paredes blancas de las capillas proyectan la luz sobre.

El interior de la capilla es modesto, con los pavimentos lisos del lado del sur solamente. Las paredes son curvas lo mismo que en la azotea, e incluso el pavimento se curva hacia el altar, siguiendo la forma de la colina. Sobre el altar, la pared del este es puntiaguda con ventanas de agujero de «alfiler».

Estas formas orgánicas pueden estar relacionadas con el contexto arquitectónico de la década de 1950. Después de años de entre las dos guerras mundiales, cuando el derecho prevaleció en los proyectos más modernos, de los años 1950-1960 se vio el desarrollo de las curvas, las curvas y los contrastes.

COMENTARIO:

La capilla de Notre Dame du Haut en Ronchamp, Francia, fue construida entre 1950 y 1955 y  es una creación del arquitecto francosuizo Le Corbusier, y uno de los ejemplos más importantes y más acertados de la arquitectura religiosa del siglo XX. La capilla en Ronchamp es singular en el estilo de Le Corbusier, en este edificio se sale de sus principios de estandarización y de la máquina estética, dando lugar a una respuesta sitio-específica. Por propia admisión de Le Corbusier, era el sitio que proporcionó los lugares geométricos necesarios para la respuesta, el horizonte visible en los cuatro lados de la colina y su herencia histórica como lugar de adoración. Le Corbusier también detectó una relación sagrada de la colina con sus alrededores, las montañas del Jura en la distancia y de la colina misma, dominando el paisaje. La naturaleza del sitio dio lugar a un conjunto arquitectónico que tiene muchas semejanzas con la Acrópolis, desde el ascenso en el fondo de la colina hasta los eventos arquitectónicos y de paisaje a lo largo del camino, no se puede ver el edificio hasta que no se alcanza casi totalmente la cima de la colina.

Le Corbusier ("El Cuervo"), fue un teórico de la arquitectura, arquitecto, diseñador y pintor suizo nacionalizado francés. Es considerado uno de los más claros exponentes del Movimiento Moderno en la arquitectura (junto con Frank Lloyd Wright, Walter Gropius, Alvar Aaltoy Ludwig Mies van der. Rohe), y uno de los arquitectos más influyentes del siglo XX. Hoy en día la obra y el pensamiento de Le Corbusier siguen vigentes tanto en la práctica como en la enseñanza y en la teoría de la arquitectura. Como una de las figuras clave de la arquitectura moderna, la continuación del movimiento tiene en él y en sus obras un referente directo. Como uno de los precursores del brutalismo, sus trabajos posteriores han servido de base a corrientes arquitectónicas apoyadas en la tectónica (expresión de los materiales y sistemas constructivos) y en diferentes enfoques regionalistas. En 1926 Le Corbusier presenta un documento donde expone en forma sistemática sus ideas arquitectónicas: los llamados «cinco puntos de una nueva arquitectura» representan una importante innovación conceptual para la época, aprovechando las nuevas tecnologías constructivas, derivadas especialmente del uso del hormigón armado (hasta entonces este material se usaba en viviendas y monumentos disfrazándosele de piedra esculpida con molduras):

1. La planta libre: para Le Corbusier, la planta baja de la vivienda, al igual que la calle, pertenecía al automóvil, ya sea para circulación o aparcamiento, por este motivo la vivienda se elevaba sobre pilotis dejando toda la planta baja libre para permitir el movimiento de los vehículos.
2. La terraza-jardín: para Le Corbusier la superficie ocupada en planta por la vivienda debía de ser devuelta a la naturaleza en forma de jardín en la cubierta del edificio, convirtiendo el espacio sobre la vivienda en un ámbito aprovechable para el esparcimiento, que además permitía mantener condiciones de aislamiento térmico sobre las nuevas losas de hormigón.
3. Los «pilotis»: aprovechando la acción conjunta de las losas de hormigón y los pilares metálicos, estos últimos tienen un consumo de suelo en la vivienda despreciable comparada con los muros de carga tradicionales o los pilares de ladrillo u hormigón. De esta forma, se mejora el aprovechamiento funcional y de superficies útiles, liberando a la planta de condicionantes estructurales.
4. La ventana longitudinal: por el mismo motivo del punto anterior, también los muros exteriores se liberan, y las ventanas pueden abarcar todo el ancho de la construcción, mejorando la relación con el exterior.
5. La fachada libre: complementario del punto anterior, los pilares metálicos se retrasan respecto de la fachada, liberando a ésta de su función estructural.

Su arquitectura resulta ser altamente racionalista, depurada (con el uso de materiales sin disimularlos; nota la posible belleza de las líneas depuradas, sin adornos, sin elementos superfluos) y con un excelente aprovechamiento de la luz y las perspectivas de conjunto, dando una sensación de libertad (al menos para el desplazamiento de la mirada) y facilidad de movimientos. Han sido muchas obras las que conservamos en la actualidad del presente autor. Entre estas destacan: Villa Fallet, (La Chaux-de-Fonds, Suiza) (1905),Villas La Roche-Jeanneret (París, Francia), Edificio del Ejército de Salvación, (París, Francia) ,Casa Guiette (Amberes, Bélgica), Pabellón suizo, Ciudad Universitaria de París 1931, Unidad de Habitación (Marsella), Edificio de la Asociación de Hilanderos (Ahmedabad, India) ,Convento Sainte Marie de la Tourette (Lyon), Museo de Arte Occidental (Tokio),...

CONTEXTO HISTÓRICO:

En el seno del "Art Nouveau" surgen las premisas lingüísticas de la nueva arquitectura del siglo XX. También es un precedente la Escuela de Chicago. Sin embargo, la arquitectura de consumo de nuestros días nace en el transcurso de un amplio movimiento, sumamente complejo, que comienza a principios de siglo y se cierra con la guerra de 1939-1945. Una de las etapas más fuertes y más trascendentes será la etapa racionalista o funcionalista, donde la forma es la que define la función y la razón de ser del edificio: es la arquitectura de La Bahuaus, de Le Corbusier y de los CIAM (Congresos Internaciones de Arquitectura Moderna). Pero frente a esta corriente más geométrica, surgirá otra que le disputará el predominio: la arquitectura organicista, que busca la emoción lírica y se recrea en las utopías formales.

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ENCUADRE:

Obra:  Guernica

Autor: Pablo Picasso (1881-1973).

Género: Pintura al óleo

Estilo: Arte del s. XX (CUBISMO)

Cronología: 1937

Localización: Museo de Arte Reina Sofía (MADRID)

Otras obras: El guitarrista ciego, La planchadora, Las Señoritas de Avignon,  Mujer con mantilla, Dos desnudos, Cabeza de mujer,….

 ANÁLISIS:

Esta obra es un óleo sobre lienzo de grandísimas dimensiones: 3,50 m. x 7,80 m.

Picasso renuncia al color para acentuar el dramatismo y sólo utiliza la gama de grises, el blanco y el negro, es lo que en arte se denomina grisalla.

Es un cuadro “sonoro”, los personajes gritan, gesticulan y mueren bajo las bombas ciegas que con todo acaban. La denuncia de la violencia es aquí intemporal y ha sido siempre utilizada como un canto contra la sinrazón de la destrucción y la muerte en cualquier guerra. Picasso pinta a las cuatro mujeres en actitudes desesperadas, son la población civil indefensa, pero también al militar caído en la defensa y a los animales, ajenos a la locura humana. El expresionismo y el dolor están presentes en toda la obra.

Una característica que el autor utiliza con frecuencia es la representación simultánea de varios planos en los rostros, como si los viésemos a la vez de frente y de perfil, de ahí un ojo diferente del otro, produciendo una visión globalizadora. 

A pesar de haber pasado la época cubista de Picasso, el pintor vuelve a utilizar los recursos cubistas. Técnicamente el Guernica tiene rasgos cubistas (reduce las formas naturales a formas geométricas) pero también emplea el expresionismo en los gestos extremos de los personajes y una gran pureza y definición de líneas que nos recuerda el neoclasicismo.

COMENTARIO:

El Guernica es un famoso cuadro de Pablo Picasso, pintado en los meses de mayo y junio de 1937, cuyo título alude al bombardeo de Guernica, ocurrido el 26 de abril de dicho año, durante la Guerra Civil Española. Fue realizado por encargo del Gobierno de la República Española para ser expuesto en el pabellón español durante la Exposición Internacional de 1937 en París, con el fin de atraer la atención del público hacia la causa republicana en plena Guerra Civil Española.

A pesar del título, no hay ninguna referencia al bombardeo de Guernica (Vizcaya) ni a la Guerra Civil española; por tanto, estamos ante una obra simbólica y no ante una obra narrativa.

Las figuras están organizadas en triángulos, de los cuales el más importante es el central, que tiene como base el cuerpo del guerrero muerto, y como vértice la lámpara. En el cuadro aparecen representados nueve símbolos: seis seres humanos y tres animales (toro, caballo y paloma). De izquierda a derecha, los personajes son los siguientes:

 

Toro. Aparece en la izquierda del cuadro, con el cuerpo oscuro y la cabeza blanca. Éste voltea y parece mostrarse aturdido ante lo que ocurre a su alrededor. Al ser preguntado sobre el simbolismo del toro, Picasso indicó que simbolizaba "brutalidad y oscuridad".Se ha indicado también que la figura del toro, como en otros cuadros anteriores de Picasso (como la Minotauromaquia de 1935), puede ser, en cierto modo, un autorretrato del propio artista.

Madre con hijo muerto. Se sitúa bajo el toro, como protegida por él, con la cara vuelta hacia el cielo en un ademán o grito de dolor. Su lengua es afilada como un estilete y sus ojos tienen forma de lágrimas. Sostiene en sus brazos a su hijo ya muerto. Los ojos del niño carecen de pupilas, ya que está muerto. El modelo iconográfico de esta figura es, según los críticos, la "Pietá", esto es, la representación, habitual en el arte cristiano, de la Virgen María sosteniendo en sus brazos a su hijo muerto.

Paloma. Situada entre el toro y el caballo, a la altura de sus cabezas, no resulta visible a simple vista, pues, excepto por una franja de color blanco, es del mismo color que el fondo y únicamente está trazada su silueta. Tiene un ala caída y la cabeza vuelta hacia arriba, con el pico abierto. Generalmente se ha considerado un símbolo de la paz rota.

Guerrero muerto. En realidad, sólo aparecen los restos de la cabeza, brazo completo o antebrazo derecho y antebrazo izquierdo. Un brazo tiene la mano extendida. El otro brazo sostiene una espada rota y una flor, que puede interpretarse como un rayo de esperanza dentro de ese panorama descorazonador. 

Bombilla. Es una de las imágenes que más intriga despierta, imagen ubicada en el centro del cuadro. Se puede relacionar el símbolo bombilla con bomba. Se ha dicho que ésta simboliza el avance científico y electrónico que se convierte en una forma de avance social pero al mismo tiempo en una forma de destrucción masiva en las guerras modernas. El bombardeo de Guernica pudo ser una prueba de esta tecnología. 

Caballo. Ocupa el centro de la composición. Su cuerpo está hacia la derecha, pero su cabeza, igual que la del toro, se vuelve hacia la izquierda. Adelanta una de las patas delanteras para mantenerse en equilibrio, pues parece a punto de caerse. En su costado se abre una herida vertical y está, además, atravesado por una lanza. Tiene la cabeza levantada y la boca abierta, de donde sobresale la lengua, terminada en punta. Su cabeza y su cuello son grises, el pecho y una de sus patas, de color blanco, y el resto de su cuerpo está recubierto por pequeños trazos.

Mujer arrodillada. Otra versión es que la mujer está herida y se acerca a la yegua para descansar de sus heridas. La pierna de la mujer que camina hacia el centro está visiblemente dislocada o cortada, con una hemorragia que trata de frenar inútilmente con su mano derecha, por lo que lleva la pierna arrastrada y ya medio muerta. Tal descripción es reforzada por la coloración blanquecina del pie que arrastra en comparación al otro que conserva un color más fuerte, y también comparándolo con los desmembrados miembros del soldado, que yacen con la misma coloración significando probablemente la pérdida de sangre. La hemorragia de alguna manera se puede deducir en un sombreado oscuro que parece justo en la articulación dislocada de la pierna de la mujer. 

Mujer del quinqué. Ilumina la estancia con una vela y avanza con la mirada perdida, como en un estado de shock. Esta mujer se interpreta como una alegoría fantasmagórica de la República. Tiene su otra mano aprisionándose el pecho justo entre sus dos senos, que salen a relucir a través de la ventana.

Casa en llamas. Además, Picasso logra resaltar la expresividad en la configuración de cada uno de los detalles de sus personajes a través de simples líneas.

Hombre implorando. Un hombre mirando al cielo como rogando a los aviones que dejen de bombardear, está inspirado en el cuadro de Goya: "Los fusilamientos del tres de mayo". Es la forma artística de decir "basta de guerras". 

Pablo Ruiz Picasso nació en Málaga en 1.881, muy joven se trasladó a Barcelona y, finalmente se estableció en París. Pasó por varias etapas estilísticas como el periodo azul, el rosa, el cubista y el surrealismo. Murió el 8 de Abril de 1.973. Fue un verdadero genio de la pintura universal y un gran innovador, permanentemente indagando en nuevos campos de expresión artística. Es la máxima figura del arte del siglo XX. Con el genial artista malagueño la pintura experimenta una alteración radical de sus presupuestos estéticos y conceptuales semejantes a la que vive la física con la teoría de la relatividad de Einstein. Motor de todos los cambios, renovador incansable, es difícil encontrar una línea en la evolución de su arte; más perceptibles son sus rupturas.

De entre sus obras más representativas destacan las siguientes: El guitarrista ciego y La planchadora, de su época azul; Familia de saltimbanquis y  Acróbata sobre la esfera, de su época rosa, y Las señoritas de Avignon, del protocubismo. Desarrolló el cubismo con la introducción de la visión  simultánea de varias configuraciones de un objeto (vista de frente y de perfil, por ejemplo), con lo cual desaparece el punto de vista único y la referencia a un espacio fijo e inmutable, se profundiza en el interior de los cuerpos tratando de representar el espacio interior. Las formas de la naturaleza quedan reducidas a las figuras geométricas fundamentales: prismas, rectángulos, cubos...; de ahí precisamente procede el nombre de cubismo. Por otro lado, desaparece la perspectiva y la profundidad. Obras cubistas serán Vista de Horta de Ebro, Retrato de Kahnwailer, Hombre con mandolina, Naturaleza muerta con rejilla...

En los años veinte abandona el cubismo y se inician otras etapas en su pintura: la etapa clásica, la etapa de las metamorfosis, la etapa del realismo social (a la que pertenece el Guernica), las Pinturas mediterráneas o las interpretaciones de grandes obras clásicas, como Las Meninas de Velázquez o Le dejeuner sur l´herbe de Manet.

 CONTEXTO HISTÓRICO:

Durante el primer tercio del siglo XX España vivió una etapa de gran inestabilidad social, política y artística.
Los hechos más notables de la Historia de España durante este siglo han sido:

 -La Guerra Civil, de 1936 a 1939, originada después de varios años de inestabilidad política. Enfrentó a los españoles entre sí, por motivos ideológicos, sociales y religiosos.
 -La dictadura del general Franco, entre 1939 y 1975.
 -El nombramiento de Juan Carlos I como Rey a la muerte de Franco y el restablecimiento de la democracia.
La Edad Contemporánea ha sido un periodo de cambios muy rápidos, originados en gran medida por el desarrollo industrial y el avance científico y tecnológico. Durante esta etapa y especialmente en el siglo XX, las condiciones de vida de los españoles han mejorado considerablemente. La población se ha duplicado y su distribución ha variado. -Las zonas rurales van despoblándose progresivamente, mientras las grandes ciudades crecen sin parar.

El arte toma un rumbo oscuro y tenebrista debido a la situación política del momento. Destacaron autores Picasso, Dalí, etc. Las ciencias avanzan de forma desmesurada con la creación de novedosos materiales quirúrgicos, la construcción de muchos hospitales, etc.

En Literatura, destacaron autores tales como: Lorca, Rubén Darío, Machado, Unamuno, etc.

LA ARQUITECTURA EN LA PRIMERA MITAD DEL SIGLO XX

Frank Lloyd Wright. Casa de la cascada. Pittsburg. 1935-1938.

 La arquitectura del siglo XX será diferente a la de los siglos anteriores. Los profundos cambios sociales originados en la Revolución Industrial ponen de relieve la urgencia de soluciones urbanísticas nuevas ante gigantescas ciudades, así como la necesidad de hacer casas y viviendas dignas. En el siglo XX los problemas del hombre actual son nuevos y por ello sus necesidades también, sin antecedentes referenciales. Ante todo se revisa el verdadero significado de la arquitectura y a partir de este momento no podrá juzgarse suficientemente una obra si no la visitamos en su interior. Esta nueva estética radica en la función. Si el edificio está armoniosamente distribuido en su interior, si está integrado en el entorno, si resulta grata su habitabilidad, el edificio es bello.

Desligados del compromiso del pasado, los arquitectos de este siglo manejan los volúmenes y los espacios con criterios absolutamente; ahora serán los recios o sutiles volúmenes, producto de los nuevos materiales y de las nuevas necesidades, quienes impondrán un nuevo repertorio de formas. Dos grandes movimientos arquitectónicos complementarios, y al mismo tiempo contrapuestos, configuran la arquitectura mundial de la primera mitad del siglo XX: el Racionalismo y el Organicismo.

EL RACIONALISMO

El movimiento denominado Racionalismo agrupa las más fuertes personalidades de este siglo; su obra y su teoría son individuales pero tienen el denominador común de la simplicidad de las formas, del retorno a los volúmenes elementales (cubo, cilindro, cono y esfera) y de la lógica constructiva antes que la ornamentación; así, la forma sigue a la función:

• Usa materiales altamente industrializados, especialmente el hormigón armado. Se trata de  un material barato, adaptable, incombustible, anticorrosivo y que permite la construcción en esqueleto dejando la planta libre. Además permite la prefabricación en serie. Se alterna con otros como acero, cristal o ladrillo.

• El muro no es soporte, quedando reducido a una ligera membrana de cerramiento con gran número de ventanas que proporciona a los interiores luz y aire. Los soportes son pilares de diferente sección de acero y hormigón. Las cubiertas en general son adinteladas apoyando en los soportes con los que forman el esqueleto, consiguiendo un efecto ligero e ingrávido de gran audacia constructiva.

• Los elementos decorativos desaparecen a favor de la forma recta y desnuda. Hay una gran preocupación por la proporción, la simplicidad y la asimetría. El espacio interno se basa en la planta libre con paredes interiores que se curvan y mueven libremente adaptándose a las diferentes funciones. En los exteriores los voladizos, los bajos libres y las terrazas en horizontal definen la nueva imagen.

• Hay un gran interés por los temas urbanísticos ya que tratan de acomodar a los hombres al nuevo ritmo de vida y organizar sus agrupaciones, proponiendo nuevas fórmulas como la ciudad-jardín de Howard o la ciudad industrial de T. Garnier. Los edificios más representativos son las viviendas sociales, en especial rascacielos de viviendas, construcciones industriales, edificios administrativos, teatros, salas de conciertos y estadios deportivos.

Peter Behrens. Fábrica de Turbinas AEG. Berlín. 1909.

Auguste Perret. Casa de la calle Franlin. París. 1902.

A-Protorracionalismo

Peter Behrens,  alemán, es, ante todo un arquitecto de fábricas como la Fábrica AEG de turbinas de Berlin (1909). Aprovechó las máximas cualidades de de los diferentes materiales para conseguir la máxima economía y simplificación, sin reñir con la estética.

Auguste Perret representa el racionalismo en Francia, siendo el primero en usar el cemento armado en la Casa Franklin de París (1902), en la que se sirve del cemento armado y cristal. Hace también el Garage en la Calle Ponthieu de París.

Tony Garnier propugna el uso de diferentes materiales según la función. Presentó una ciudad industrial para 35.000 habitantes a base de los mismos materiales. Su obra se sitúa en utopías socialistas de Owen y Fourier. Trabajó en Lyon haciendo el Mercado y Matadero, el Estadio Municipal y el Barrio de los Estados Unidos.

El austriaco Alfred Loos se distingue de los demás arquitectos de su tiempo por su concepción espacial, sacrificando todo el decorado en nombre de aquella. La Casa Steiner de Viena (1910) es el manifiesto racionalista y la protesta ante e ldecorativismo del Art-Nouveau contemporáneo. Sus volúmenes limpios, ascéticos, son todo un canto a la nueva arquitectura.

Adolf Loos. Casa Steiner. Viena. 1910.

 B- LA BAUHAUS.

Fundada por Walter Gropius en Alemania en (en la ciudad de Weimar, luego trasladada a Dessau hasta 1933) como centro pedagógico y experimental de arquitectura, industria y diseño, donde los estudiantes llegan a realizar todo lo que proyectan. Aunque entra en decadencia en 1930, ejerce una enorme influencia que crece al emigrar sus componentes a otros países de Europa y EEUU. En ella estuvieron como profesores Paul Klee, W. Kandisky, Mies van der Rohe, Moholy-Nagy o Albers. Su incidencia sobre la arquitectura y el diseño es enorme y sus esquemas conceptuales continúan siendo una magistral lección digna de seguirse y muy válidos.

Walter Gropius. Fábrica Fagus. Alfed an der Leine. 1911-14

Walter Gropius es el mejor ejemplo de esta tendencia.  No acepta ideas apriorísticas y su arquitectura se va ciñendo a cada necesidad concreta. Su primera obra importante fue la Fábrica Fagus en Alfed an der Leine (1911-14) concebida como una hermosa combinación de hierro y vidrio, lógica y sin estridencias. Pero su gran obra es el Edificio Bauhaus en Dessau (1925-26) en el que colaboraron tanto profesores como estudiantes. La planta está formada por tres brazos o bloques (talleres, aulario y residencia de estudiantes), comunicados entre si, formando una doble L o esvástica, que se extienden con libertad y multiplica los puntos de vista. Los muros son de cemento armado y vidrio y. La transparencia de sus grandes ventanales pone a la vista la estructura interna y las fachadas posteriores dando así una imagen simultánea de diversas partes del edificio, con infinidad de puntos de vista.

Walter Gropius. Maqueta y vistas del Edificio de la Bahuaus en Dessau. 1925-1926.

Mies van der Rohe es un arquitecto alemán (Aquisgrán) que se interesa desde   siempre 

por los materiales como elemento expresivo, tratándolos siempre en su más absoluta desnudez y pureza. Sus espacions nunca son cerrados, se abren y se distienden hacia el exterior buscando la integración con el entorno. Fue nombrado Director de La Bauhaus en 1930. La primera obra de este autor que podemos considerar revolucionaria data de 1919: el edificio de oficinas de la Friedrichstrasse de Berlín, tres torres unidas en el centro en el que se situaron escaleras y ascensores. Trabajó en la Bauhaus siendo su último director. Realiza el Monumento a Rosa Luxemburgo en Berlín (1926) y en 1929 el Pabellón de Alemania en la Exposición Universal de Barcelona (1929), totalmente reconstruido en la actualidad,  en el que demuestra que su arquitectura se fundamenta en el adecuado manejo de los materiales modernos, en los volúmenes nítidos y en el empleo del muro cortina que sustituye al muro tradicional. Emigrado a EEUU. construye un gran número de rascacielos que parecen grandes cajas de cristal, en los que se percibe la devoción del arquitecto por las formas puras (Rascacielo Seagram en Nueva York  (1954-58) o las Torres Gemelas de Chicago (1950-51).

Mies Van der Rohe. Pabellón de Alemania de la Exposición Universal de Barcelona. 1929.

Mies Van der Rohe. Edificio Seagram. Nueva York. 1954-1958.

C) Constructivismo

En Rusia tras la Revolución se desea hacer un arte útil y politizado, al servicio del pueblo ruso. Destaca Vladimir Tatlin, autor del Monumento a la III Internacional, mezcla de arquitectura y escultura, donde utilizó un gran despliegue de medios tecnológicos; los Hermanos Vesnin quieren hacer un arte productivo (Palacio del Trabajo para el diario Pravda de Moscu), K. Melnikov hace el Club obrero de Moscú, y los proyectos sobre los rascacielos estibanubes de El Lissitzky.

D) De Stijl

En Holanda los arquitectos renovadores de la arquitectura holandese se agrupan en torno a la revista De Stijl (El estilo), propugnando la línea recta en el arte. Destaca G.T. Rietveld, que hace la Villa Schroeder en Utrecht (1924), con paredes lisas, volúmenes planos, colores arbitrarios y articulación asimétrica. También Peter Oud hace la Casa Estatal de Rótterdam.

G. T. Rietveld. Casa Schröeder. Utrecht. 1924.

E) LE CORBUSIER

Charles Edouard Jeanneret, apodado Le Corbusier, nace en Suiza, aunque la mayor parte de su obra se desarrolla en Francia. Aprende con Perret el uso del hormigón armado. Para él el hombre tomado como colectividad será el centro de su preocupación y sentirá una imperiosa necesidad de establecer proporciones canónicas a partir de las medidas humanas que fijen las dimensiones estanarizadas de todos los objetos, pasando, naturalmente, por la vivienda. Es un teórico de la arquitectura que cumple en cada una de sus obras una de sus teorías. En sus escritos rescata al hombre de la deshumanización del maquinismo para colocarlo en el centro de la creación. Por tanto, su objetivo es rescatar o recuperar la dimensión humana en todas sus producciones.

Uno de sus primeros proyectos es la casa de Dom-Ino, en la que se contempla la posibilidad de su construcción en serie. Para él las viviendas deben ser máquinas para vivir. La planta es el principio generador del edificio y los volúmenes debían de mantener un equilibrio formal. Del mismo tipo hace la Casa Citroham.

Le Corbusier. Ville Saboye. Poissy. 1930.

Funda junto a su primo un estudio del que salen propuestas urbanísticas: ciudades para tres millones de habitantes. En 1930 realiza una de sus obras más conocidas, la Villa Savoye en Poissy, que consiste en una estructura de hormigón armado encalada de inspiración mediterránea. Es un puro y elemental volumen habitable. Esta obra se  fundamenta en los cinco puntos en los que se resume su arquitectura:

-Empleo de pilotes: A modo de pilares para que la estructura quede sustentada y separada del suelo quedando un espacio transitable, inspirado en los palafitos prehistóricos. De este modo, se eliminan las humedades y los locales oscuros.

-Fachada libre: ya no se está sujeto a una ordenación regular impuesta por los muros de carga, y la fachada puede diseñarse en función de las necesidades de cada piso.

-Terraza jardín: factible gacias al uso de hormigón que facilita la construcción de techos planos, que pueden ser utilizados para solarium, jardín, piscina, pistas deportivas, etc.

-Multiplicación infinita de los vanos: al perder el muro su función sustentante pueden diseñarse ventanas alargadas o ventanales corridos divididos por varillas metálicas, que iluminan más y no restan espacio.

-La planta libre: al variar la función del muro, las plantas son mucho más diáfanas y cada piso puede ser distribuido con independencia del superior y del inferior.

Le Corbusier. Unidad de habitación en Marsella. 1946-52.

Le Corbusier. Palacio de Justicia de Chandigarh. 1958.

En su tratado de 1935, Le Modulor, recoge todas sus propuestas urbanísticas y un canon de proporciones de la casa con el hombre, establecido en 2,16 m., es decir, la altura de un hombre de 1,75 cm. con el brazo levantado. Es un teórico, pero no utópico, ya que la mayoría de sus propuestas se aplican en las obras. Una de sus aplicaciones inmediatas fue la Unidad de Habitación de Marsella (1946-52), conjunto destinado a familias obreras, habitable y a bajo precio. Era un edificio autónomo y colectivo para 16.000 personas, por tanto era una ciudad en un bloque, con una calle comercial a 25 m. de altura, disponiendo de restaurante, gimnasio, guardería, teatro y piscina. Estaba elevada sobre pilares, y las plantas libres permiten distribuciones internas variables.

Hacia 1950 se suaviza su racionalismo y se aproxima al Organicismo al experimentar con la línea curva y presentar el cemento armado en su estado natural, sin pulimentar su superficie rugosa, destacando su obra maestra, la Iglesia de Notre-Dame du Haut en Ronchamp. El interior matiza las luces hasta crear un ambiente sobrecogedor e intimista como no había vuelto a lograrse desde el Renacimiento.
Pero como gran arquitecto, también es un gran urbanista que trata de llevar a cabo sus propuestas teóricas. En 1958 haría realidad el Proyecto de la Ciudad contemporánea de Chandigarh,  de tres millones de habitantes (alli hace el Secretariado y el Palacio de Justicia), la nueva capital hindú del Punjab. También colaboró con Niemeyer y Costa en el diseño de la nueva capital de Brasil, Brasilia.

Las opiniones de Le Corbusier se extendieron por todo el mundo gracias a la creación en 1928 de los Congresos Internaciones de Arquitectura Moderna (CIAM), cuyas reuniones llegaron a 1956, llamándose a la arquitectura inspirada en este autor Arquitectura Moderna o Movimiento Internacional.

Le Corbusier. Iglesia de Nôtre-Dame du Haut. Exterior e interior. Ronchamp. 1950-1955.

F) Racionalismo en España

Tras el Modernismo y el Novecentismo (donde destaca el Regionalismo andaluz de Aníbal González o Pérez Carasas), la arquitectura española se renovó profundamente, es especial con el grupo de arquitectos GATEPAC en Barcelona, incorporados al racionalismo. Su labor se desarrolló durante la II República, destacando la labor de Josep Lluis Sert, autor del Dispensario Central Antituberculoso de Barcelona (1933-38) o el Pabellón de La II República en la Exposición Universal de París de 1937. Su estilo se caracterizó por la disciplina de las formas geométricas simples: recta, cuadrado, rectángulo, paralepípedo, y desnudez en las formas que son animadas por la textura o el color (Fundación Miró de Barcelona - 1975). Otros arquitectos de este grupo son García Mercadal, Aizpurúa o Subirana. Aparte hay que destacar la labor de Eduardo Torroja, autor en 1935 del Hipódromo de la Zarzuela de Madrid.

Josep Lluis Sert. Dispensario central antituberculoso. Barcelona. 1933-1938.

Josep Lluis Sert. Pabellón de la II República española en la Exposición de París de 1937.

EL ORGANICISMO

La arquitectura orgánica rechazará el Racionalismo (la absoluta geometría, la pureza de las formas abstractas y la lógica constructiva), aunque en su primeras etapas parte de él. Surge tras la crisis provocada por la Gran Guerra y la Crisis económica del 29, que cuestionan e impiden la construcción de grandes rascacielos, buscándose una arquitectura más sencilla, inspirada en la naturaleza, tomando al hombre como referencia constante. Es una arquitectura nueva, moderna, pero menos intelectual que la europea. Se desarrolló sobre todo en Estados Unidos, aunque también se difundió por Europa. Esta idea la podemos encontrar en la arquitectura desde tiempos muy remotos, pero su verdadera formulación la redacta el arquitecto norteamericano Frank Lloyd Wright (1869-1959). Se define por :

-El sentido de lo interior como realidad.
-La planta libre como flexibilidad y continuidad de ambientes.
-La unidad entre interior y exterior.
-El uso de materiales naturales.
-La casa como protección.
-El hombre es la referencia, pero no para ordenar medidas, sino en un sentido más individual, más poético.

Frank Lloyd Wright. Casa Robie. Chicago. 1909.

Frank Lloyd Wright. Casa Fricke. Oak Park. Illinois. 1901-1902 .

Con Frank Lloyd Wright el Racionalismo comienza a ser olvidado y se ensayan nuevos caminos para la arquitectura. De origen norteamericano, es de una compleja personalidad y con una capacidad de trabajo enorme. Su vida privada está jalonada de fracasos matrimoniales y acontecimientos trágicos.  Viaja a Tokyo, donde se siente fascinado por la arquitectura japonesa, igual que por los templos mayas del Yucatan, por lo que puede decirse que tiene una formación cosmopolita. Su arquitectura siempre se basó en dos principios básicos: trata siempre de integrar el edificio en su ambiente natural, en el paisaje y siempre considerando las características del hombre o del grupo de hombres a quienes va destinada, es decir, el cliente que habite el edificio ha de sentirse realizado y feliz entre sus paredes.

A esta amplia formación debemos sus famosas “Prairie houses” (casas de la pradera): se trata de casas unifamiliares, emplazadas en lugares estudiados y perfectamente integradas con la naturaleza, con distintas alturas para tener distintas perspectivas de la naturaleza, a través de sus amplios ventanales, con formas en cruz con amplios voladizos de cemento armado sobresalientes, donde el interior siempre debe proyectarse hacia fuera (expansión centrífuga). Ejemplos de estas casas son la Casa Willits en Illinois (1902), la Casa Robie en Chicago (1909), con claras influencias japonesas y, sobre todo, la Casa Kauffman o la Casa de la Cascada en Pittsburg (1935), bella simbiosis entre naturaleza y arquitectura. La casa se diseña en tres plantas escalonadas sobre una cascada natural, de las cuales, la inferior ocupa una gran sala de estar sobre una roca que emerge del suelo para convertirse en base de la chimenea. Una gran terraza de hormigón vuela sobre la cascada, integrándola de un modo espacial en la propia vivienda. El piso superior lanza otra terraza con un ángulo de 90º con la de abajo, sobresaliendo en parte de ella. En este juego de volúmenes ortogonales e ha creído ver una influencia del racionalismo europeo. Otra constante de la arquitectura de Wright son los los grandes voladizos de hormigón armado salientes (hasta el punto que los obreros se negaron a quitar los puntales que los sostenían por miedo al derrumbe, teniendo que ser el propio Whrigt el que qutitó el primero). En definitiva, esta casa es un maravilloso prodigio de aventura técnica. El impacto de esta obra fue inmenso: en 1938 los semanarios Life y Time publicaban simultáneamente en exclusiva las fotografías de la Casa sobre la cascada, que a partir de entonces se convierte en el modelo ideal y perfecto de vivienda para la sociedad americana, el sueño doméstico de la clase media.

Frank Lloyd Wright. Casa de la cascada. Pittsburg. Exterior e interior. 1935-38.

Con posterioridad el círculo le obsesiona y con las formas curvas experimentó primero en la Sede social de la Compañía Johnson Wax en Racine (Wisconsin), en 1937, donde la planta dedicada a oficinas es de ladrillo y carece de ventanas. Los soportes son columnas delgadísimas, que se enganchan en la parte superior adopatando la forma de una seta o parasol gigante, sosteniendo un techo trnaslúcido por donde penetra la luz. Y más tarde experimentó los elementos curvilíneos en el Museo Salomón Guggenheim de New York (1943-58). Su forma es la de un tronco de cono invertido, con un gran hueco en el centro y una espiral continua que es la sala de exposición, con claraboya central que da luz natural. Se sube en ascensor hasta la última planta y desde ahí se inicia la visita descendiendo hasta el suelo, permitiendo la contemplación de las obras en una continuidad permanente, de manera reposada y cómoda, donde espacio y tiempo parecen constituir una unidad indisoluble. En esta rampa helicoidal no hay esquinas ni sensación de límite.

Frank Lloyd Wright. Solomon Guggenheim Museum. Nueva York. Exterior e interior. 1958.

 Otro gran arquitecto organicista es el finlandés E. Saarinen, que trabajó en Estados Unidos. Su arquitectura es ascendente y aerodinámica. Realizó la Terminal de la TWA en el Aeropuerto Kennedy de Nueva York (1956-62).

Frank Lloyd Wright. Compañía Johnson Wax. Racine. 1937.

E. Saarinen. Terminal TWA Aeropuerto Kennedy. Nueva York. 1956-1962.

Alvar Aalto, finlandés, funde en sus obras el espíritu racionalista (donde se inició como arquitecto) con la tradición popular y los materiales tradicionales, preferentemente de madera, humanizando la arquitectura. Son edificios cálidos y adecuados a la dimensión del ser humano, movidos y dinámicos, con techos inclinados y paredes onduladas, en los que se percibe la influencia de Wright. Algunas obras son el Sanatorio de Pamio, el Ayuntamiento de Saynatsalo (ambos en Finlandia) o el Centro Cultural de Wolfsburgo (1959-62), en Alemania.

Alvar Aalto. Ayuntamiento de Saynatsalo (Finlandia). 1950.1952.

Alvar Aalto. Centro cultura de Wolfsburgo (Alemania). 1959-1962.

Terminamos con dos videos, uno de Artehistoria sobre la arquitectura racionalista de Le Corbusier y el segundo, un recorrido virtual por la Casa de la cascada de Frank Lloyd Wright: