FUNCIÓN DEL ARTE

 Mies van der Rohe y Philip Johnson. Edificio Seagram. 1954-1958. Nueva York.

Desde siempre la función principal del arte había sido la imitación de la realidad, pero hoy es evidente que la fotografía y el cine cumplen con mayor exactitud esta posibilidad,  por lo que ha tenido que buscar otras salidas, convirtiéndose en un arte-creación. Dadas las relaciones de la obra de arte con la cultura en que se crea, es indudable la función que desempeña como medio para adentrarnos en el conocimiento de estas culturas.

La ideología, las creencias, toda la actividad espiritual del hombre tiene su eco en la obra de arte. Pero al mismo tiempo,  los inevitables condicionamientos que imponen las circunstancias materiales que intervienen en la creación artística es otro aspecto del pasado que la obra refleja. Además, es evidente que la belleza del lenguaje artístico contribuye poderosamente a la formación estética del contemplador, enriqueciendo su personalidad.

Así, si el arte es un medio de interpretar la realidad y de actuar sobre ella, es evidente que tiene una función práctica, utilitaria. En este sentido se interpretan, por ejemplo, las pinturas rupestres. Una de las teorías del arete más permanente en el tiempo es aquella que nació en el mundo griego: que la escultura y la pintura deben imitar a la naturaleza, y ello ha llegado hasta finales del siglo XIX. Pero el arte es también un soporte de ideas, conceptos y valores, por lo que resulta innegable su función comunicativa. La censura o la manipulación de las obra por grupos sociales manifiesta que el arte es un instrumento ideológico (arte medieval cristiano, constructivismo ruso...). 

 Tríada del faraón Mikerinos, la diosa Hathor y el nomo de Kynopolis. Imperio antiguo egipcio. Museo egipcio. El Cairo.

 Pero el arte ante todo es una creación humana que se caracteriza por la supremacía de la función estética. Cuanto mayor sea  su función estética mayor grado de alejamiento de la utilidad alcanza. Por tanto, el carácter estético de un objeto hace que nos atraiga, especialmente desde un punto de vista formal, apareciendo lo que se llama “arte por el arte”. Por último, a partir del Romanticismo, y sobre todo a partir de Freud, el arte comienza a ser considerado como una compensación psicológica, ya que puede ser utilizado para desviar, canalizar o sublimar conflictos, deseos o necesidades personales; eso se da con fuertes individualidades, cosa que no ocurre hasta la edad contemporánea.

Hemos de tener en cuenta que las funciones del arte se atribuyen y estabilizan colectivamente: ni el objeto en sí mismo ni los puntos de vista individuales determinan su papel o utilidad. Las funciones del arte derivan de las relaciones con la sociedad.

La función de la arquitectura tiene un fin eminentemente utilitario, hay que atender prioritariamente a los aspectos técnicos, aunque también son importantes los aspectos estéticos, lo que ha permitido que la historia de los estilos arquitectónicos sea tan rica y variada

En cambio, la función tanto de la escultura como de la pintura ha evolucionado a lo largo de la Historia del Arte. En sus primeras manifestaciones (arte prehistórico)  sus funciones estaban definidas por su carácter mágico y religioso (función religiosa). Posteriormente, cuando las instituciones políticas y religiosas comienzan a realizar grandes edificios, la escultura y la pintura sirvieron para mostrar el poder y la riqueza de sus constructores (función política). En otras ocasiones  destaca una clara función conmemorativa, convirtiéndose las obras de arte en importantes instrumento "educativos" (función conmemorativa y educativa). En todos estos casos son también elementos de representación de ideales estéticos (función estética).

Giotto. Huida a Egipto. Pintura mural al fresco. 1305-1306. Capilla Scrovegni. Padua.

Por otro lado, ¿Cómo ha registrado el artista el mundo visible? ¿Podemos hablar de evolución? No está tan claro. Lo que sí está claro es que la forma de observar la realidad está relacionada directamente con el pensamiento y la idiosincrasia de las sociedades y civilizaciones.

El primer paisaje conocido en Europa es un fresco de la isla de Thera: son planos superpuestos, contornos  y  perfiles  dibujados  y  los  interiores  coloreados,  todo  ello  bastante  esquemático.  Los ocupantes de aquella habitación sentirían hallarse  en medio de un paisaje real, pero hoy pocos lo aceptarían como tal.

En el 1300 Giotto pintaba las rocas y las plantas bellamente modeladas, con luces y sombras y casi en tres dimensiones aunque torpemente. Pintaba con precisión y sus obras se consideraban muy reales.
En el siglo XV Jean Van Eyck pinta un paisaje de estructura similar al de Giotto pero mucho más realista, con una perfección de miniaturista, casi fotográfica, desde los guijarros hasta las nubes. Entonces eso era lo más real. Mientras tanto, en el mismo momento pero en el norte de Italia, los artistas observan que la realidad es una cosa y lo que ve el ojo humano es otra. Por eso los objetos se ven más pequeños cuanto más lejos están. Se inventan entonces las líneas de fuga y la perspectiva lineal.

 Diego Velázquez. La rendición de Breda. Óleo sobre lienzo. 1634. Museo del Prado. Madrid.

Durante el siglo XVI y XVII, Leonardo primero y Velázquez después descubren que a veces no vemos bien los objetos, nuestra nitidez disminuye conforme se alejan los objetos y también cuanto más denso es el aire que hay entre ellos y nosotros. Así es como nace la perspectiva aérea.

Así llegamos al siglo XIX y con el Impresionismo la percepción cambia: desaparecen los contornos, se borra el dibujo, los detalles se emborronan y el artista intenta captar con pinceladas rápidas una visión pasajera, una percepción fugaz, una impresión veloz, en movimiento y nerviosa. Para los artistas esa era la visión de un ojo de la Revolución Industrial, sin embargo su pintura no fue aceptada por irreal.
En el siglo XIX lo irreal es la norma, siguiendo un proceso por el cual el Arte se desvincula de la realidad para buscar formas puras. Nace así el arte abstracto. Al final una obra de Mondrian o Kandinski es mucho más irreal que el fresco de Thera. Luego entonces ¿Hay evolución o no? No si la realidad es sólo lo que capta un ojo humano. Sí si la realidad es además todo lo conceptual que rodea al ser humano. A la larga la realidad es un concepto tan engañoso y subjetivo como el de la belleza.

 Piet Mondrian. Cuadro nº 2. Óleo sobre tela. 1925. Collección Max Bill. Zurich.

Terminamos con dos presentaciones sobre la función social del arte, una de la profesor Ana Rey, y otra basada en "El libro de los abrazos" de Eduardo Galeano:

Función de la obra de arte from Ana Rey

La función del arte from Silvia M K

¿A QUÉ LLAMAMOS ARTE?

 Joan Miró. La masía.

Se ha intentado definir a lo largo del tiempo de numerosas y muy variadas maneras, sin que en ningún caso parezca haberse llegado a una conclusión. Es más en los últimos tiempos lo que parece es que sea prácticamente imposible definirlo: Arte es todo lo que el hombre llama arte..., no existe realmente el arte, sino los artistas; en resumen el arte es un concepto complejo difícil de definir con palabras. Sin embargo, lo que nadie parece negar, es que el arte son sensaciones, sensaciones que nos conmueven o impresionan y nos provocan un determinado estado de ánimo. Pero para provocar esa emoción es necesario que la contemplación atraviese un proceso intelectual, es decir, se requiere una formación, saber mirar: descifrar y leer en las imágenes lo que el autor nos quiere trasmitir.

¿Cómo se aprende a mirar?.-

! Mirar una obra no significa decidir si gusta o no gusta ! , detrás de una imagen hay colores, luces, formas, símbolos escondidos…, que quieren decir algo; ello requiere un proceso de formación:

A-Hay que interpretar ese lenguaje, leer la intención del autor, etc.

B-Hay que conocer la morfología con la que construimos ese lenguaje

C-Ponerlo en relación con el momento histórico, porque la obra no tiene sentido fuera de su ámbito y de sus condicionamientos sociales, culturales, etc.

Escuela de Atenas. Venus de Milo.

            Ello va completando la formación del espectador, que una vez que ha educado su sensibilidad, está en disposición de convertirse en un adecuado receptor, consiguiendo que la obra se mantenga viva. Así, el análisis visual requiere entrenamiento. El primer paso es formarla, a partir de elementos más complejos, relacionados con la expresión estética. :

-La percepción: Es la que nos permite delimitar los elementos formales de la obra.

-La estructura: nos descubre los componentes de la obra de arte

-El significado y la época: La obra no tiene sentido si no quisiera decirnos algo. Su significado es esencial en la interpretación de la obra de arte

-El concepto de estilo: es un concepto muy relativo, (se puede construir un edificio gótico en el s. XVI y en el s. XX), pero nos permite clasificar la Historia del Arte.

Así pues,  queda claro que la expresión plástica (arquitectura, pintura, escultura, arte mobiliar, diseño, fotografía, cómic, cine, música, danza...) son modos de comunicación una forma de trasmitir mensajes. Dichos mensajes pueden ser múltiples y concuerdan con el contexto histórico y cultural de cada época grandes rasgos podríamos diferenciar los siguientes mensajes e ideas:

-- Mensaje intelectual. Cuando se trata de trasmitir conceptos abstractos, ideas, emociones, sugestiones, etc., lejos de hacerlo a través de la imagen o de la figuración real, trata de trasmitir ideas o contenidos a través de imágenes no reales que trascienden la realidad, así la pintura egipcia o la pintura cubista se llenan de contenido intelectual.

-- Mensaje Sensorial. Trata de provocar en el espectador una emoción o sensación a través de representaciones muy reales, valdría tanto la pintura renacentista, como la impresionista.

-- Mensaje simbólico. Son imágenes que tienen una segunda lectura. En este sentido las representaciones mitológicas o religiosas que conllevan un simbolismo implícito.

-- Mensaje historicista. Cuando representa un hecho histórico, que a través de la imagen se quiere exaltar o propagar.

-- Mensaje social. Suele ir ligado a un sentido propagandístico de un determinado poder político, religiosos, económico, etc. Muchos estilos se han movido en función del mecenazgo que han buscado en la obra de arte su exaltación: lo mismo la monarquía que la iglesia o recientemente los grandes poderes económicos.

-- Mensaje espiritual o religioso. Trata de provocar una emoción, devoción, fervor o miedo en el espectador, en consonancia con unas creencias. Naturalmente también tiene un amplio contenido propagandístico.

Vincent Van Gogh. Café nocturno.

Con frecuencia se admira la destreza del artista al representar los objetos y lo que más gusta son los cuadros y esculturas en los que lo que está representado aparece “como si fuera de verdad”. No se trata de negar que esto es importante. Lo que hay que observar es que también el representar la naturaleza se puede hacer de diversas formas: Por ejemplo, un simple boceto lo puede conseguir aunque presente menos detalles que un gran cuadro al óleo.

Otro problema surge cuando la obra de arte parece haber sido realizada “incorrectamente”. Esto sucede especialmente si las obras pertenecen a una época cercana a nuestros días.

No obstante, seguro que muchas de esas personas disfrutan con los dibujos animados de Disney. Seguro que entonces no se preguntan si Mickey se parece realmente a un ratón o Donald a un pato. Quienes penetran en el mundo de Disney no se preocupan del Arte con A mayúscula. No van a ver sus películas con los mismos prejuicios que cuando contemplan cualquier obra del arte moderna.

Cabría preguntarse ¿qué es lo que queremos de las personas que realizan el arte de nuestros días?  Lo que no nos podríamos preguntar (porque estamos seguros de que la respuesta es sí) es que poseen conocimientos suficientes para dibujar con “corrección”.

Por tanto hay dos cosas que debemos preguntarnos cuando contemplamos una obra de arte en la que encontramos una falta de corrección:

-- Una, si el artista no tuvo sus motivos para alterar la apariencia de la que vio.

--Otras, que nunca debemos condenar una obra de arte por estar incorrectamente realizada, a menos que estemos completamente seguros de que quién está equivocada es la persona artista y no nosotros.

Hay que tener en cuenta que las personas artistas quieren ver el mundo de una forma nueva, sin ningún prejuicio. Sin embargo, no existe mayor obstáculo para gozar de las grandes obras de Arte que nuestra repugnancia a despojarlos de costumbres y prejuicios.

Venus de Willendorf (Austria).

La creación artística es inherente al ser humano, desde la niñez y desde las primeras culturas del Homo sapiens el arte y el hombre son inseparables. René Huygue escribía que “No hay arte sin hombre, pero quizá tampoco hombre sin arte”. La obra de arte es ante todo comunicación, es un código más (como el lingüístico o el matemático) de los creados por el hombre para transmitir sus ideas y sus sentimientos, por eso la creación artística es un lenguaje, además de ser un medio de conocimiento, es un lenguaje, un medio de comunicación. Mediante el arte el hombre imita o expresa lo material o lo inmaterial, el artista expresa imágenes de la realidad física o humana o simplemente sentimientos, sueños o esperanzas. En definitiva, crea copiando, evocando o inventando.

El autor, independientemente de la época y del modo de expresión, es ante todo creador, unas veces respondiendo a criterios o normas de su civilización  y otras expresando sus ideas y sentimientos con mayor libertad. Así, arte es la necesidad de  expresión del ser humano. ¿Por qué esa necesidad? ¿Es por placer estético?  Si así fuera el arte sería el camino hacia la belleza y la belleza es la cualidad de dar placer a los sentidos.

Pero el Arte no siempre persigue la belleza. A veces trata de producir terror (como en algunas pinturas románticas o en las pinturas negras de Goya), o busca temas de tragedia o de dolor. Hoy en día el Arte excluye a menudo la belleza entendida como placer a no ser que tengamos en cuenta el placer que sentimos al admirar la capacidad del artista para representar la realidad, su universo interior o para imaginar la ficción. El Arte, pues, no es belleza y para él es tan importante lo hermoso como lo repelente. Por eso determinamos  es  mucho  más  que  la  belleza:  toda  la  experiencia  humana, hermosa u horrible, placentera o dolorosa, humorística, erótica, absurda, todo puede ser destilado por el artista. El Arte es materia de la que emanan sensaciones porque alguien lo ha querido así.

 Sin embargo, el artista, no se limita a la representación de esa realidad tal y como la percibe, sino que transforma esos datos dándole una interpretación personal que hace que se descubran al ojo humano aspectos ocultos que comienzan a existir gracias al artista que los plasma en su obra. Por lo tanto, el artista no es un descubridor, sino un creador y es por ello por lo que se puede hablar de creación artística. Es en esta dimensión creadora o transfiguradora de las formas visibles, donde radica la esencia de la actividad artística. Paul Klee, en un trabajo sobre el arte moderno, compara la creación de la obra de arte con el crecimiento de un árbol, que hunde sus raíces en el a tierra y despliega su copa en el aire; desde las raíces pasa la savia por  el tronco (en la metáfora el alma del artista) y nutre con plenitud las ramas y las hojas de la copa. Con su actividad el artista arranca sus elementos nutricios a la naturaleza y los despliega brillantemente ante los ojos de los hombres; una humanidad sin obras de arte ofrecería un aspecto tan yermo como una naturaleza sin árboles.

 La prueba de la grandeza de una obra de arte se halla en su capacidad de sublimación, de elevar al espectador en el momento de la contemplación de una obra a un estado de goce y placer que le impresione y excite. Ante una creación artística, el hombre supera sus dimensiones temporales y se coloca en una especie de atalaya atemporal, que no deja de emocionarnos. Por ello, y por encima de las fronteras del espacio y el tiempo el arte aparece como un lenguaje universal, en el que se expresan las dimensiones eternas del espíritu del hombre.

 Antonio Gaudí. Columnas del Parque Güell (Barcelona).

Ya Fischer escribió un libro titulado “La necesidad del arte”. Y esto parece que es así si tenemos en cuenta que el arte siempre ha existido. Si el arte fuera algo superfluo probablemente habría sociedades y épocas históricas en que no se habría dado. Esto no quiere decir que todas las épocas, y sobre todo, todas las culturas produzcan conscientemente arte: es nuestra tradición cultural la que puede considerar como arte algunas manifestaciones de otras culturas. El arte es una necesidad social en cuanto el hombre necesita comunicarse, comprender y dominar la realidad para poder transformarla y progresar. En este sentido, toda sociedad necesita construir y comunicar, fijar y transmitir experiencias, sobre todo por parte de alguno de sus miembros que demuestre determinadas habilidades.

Muchas definiciones se han dado intentando explicar qué es arte, qué es lo que lleva a los artistas a expresar sus capacidades y emociones. No recogeremos aquí sólo algunas que me llaman especialmente la atención:

"... el arte es inútil, al menos comparado con, digamos, el trabajo de un fontanero, un médico o un maquinista. Pero ¿qué tiene de malo la inutilidad? Yo sostengo que el valor del arte reside en su propia inutilidad; la creación de una obra de arte es lo que nos distingue de las demás criaturas que pueblan este planeta; y lo que nos define, en lo esencial, como seres humanos. Hacer algo por puro placer, por la gracia de hacerlo." 

PAUL AUSTER. Discurso en la entrega de los Premios Príncipe de Asturias 2006.

"El arte enseña a mirar: a mirar el arte y a mirar con ojos más atentos el mundo. En los cuadros, en las esculturas, igual que en los libros, uno busca lo que está en ellos y también lo que está más allá, una iluminación acerca de sí mismo, una forma verdadera y pura de conocimiento."

ANTONIO MUÑOZ MOLINA: "Ventanas de Manhattan” .

Francisco de Goya. Dos viejos comiendo sopa.

"Ama el arte; de todas las mentiras es, cuando menos, la menos falaz".

GUSTAVE FLAUBERT.

"Pues ese extraño recinto que llamamos arte es como una sala de espejos o una galería de ecos. Cada forma conjura un millar de recuerdos y de imágenes de la memoria".

ERNST GOMBRICHT. 

"El arte no es sino la expresión de nuestro sueño, el que más se entrega a ellos es el que más se acerca a su verdad interior". 



FRANZ  MARC.

“Sin arte la vida sería un error”. 

GOETHE.

Chaïm Soutine. Botones. 

Terminamos con unas presentaciones muy útiles que reflexionan sobre qué es el arte:

Si el arte es un lenguaje...2010 11 from Tomás Pérez Molina

Qué es el arte from herrera.iliana