ALGUNOS TEXTOS SOBRE CARAVAGGIO

 Caravaggio. David con la cabeza de Goliat. Óleo sobre lienzo. 1609-1610. Gallería Borghese. Roma.

Se cree generalmente que, en relación con la enorme importancia del artista, Caravaggio ha sido descuidado por la bibliografía artística contemporánea o inmediatamente posterior. Eso no es exactamente así. Todo el siglo XVI se ocupó de la figura de Michelangelo Merisi. Y el que desde Zuccaro hasta Bellori se refirieran a él, ensalzándolo o rebajándolo como "naturalista", demuestran su tirón.  Grandes artistas ignoraron la talla extraordinaria de Caravaggio como Gido Reni o Aníbal Carracci, o menores el Caballero d´Arpino y Baglioni, de modo que se prefirieron a su genio otros talentos menos notables como Albani, Domenichino, Lanfranco o Pietro da Cortona, pero hubo un gran debate en torno a su obra. Sin embargo, el siglo XVIII sí descuida a Merisi: los artistas lo pasan por alto o se conforman con los juicios anteriores. Con los neoclásicos y los románticos, a la valoración en clave técnica, de paleta y naturalistas, suceden los juicios bien en clave idealista o plástica, sobre todo en cuanto a los temas.
En el siglo XIX, solo con Kallab empieza a aparecer el verdedaro Caravaggio, el de la luz inimitable, el del sentir religioso y de la composición revolucionaria, el pintor que Roberto Longhi, Lionello Venturi y Matteo Marangoni han dado a nuestra meditación en prolongados estudios y a través de polémicas no olvidadas: el Caravaggio de una pintura nueva, compleja, irreductible a esquemas y escuelas, solitaria grandeza de una poesía aún más solitaria.
A principios del siglo XX Caravaggio fue considerado como el primer artista moderno, por alejarse de los cánones clásicos de belleza, como pocos lo habían hecho hasta entonces. Entre las investigaciones que se realizaron en torno a la obra y figura de Caravaggio destacan algunas por haber sido innovadoras en su momento, como la de Walter Friedlander (1955), o por su rigor e interpretación desde la historia del arte como la de Catherine Pugliosi o Ventura Lionello.

El primer autor o texto escrito que hacía referencia a Caravaggio fue escrito por el flamenco Karel van Mander en 1604, pintor que frecuentaba el círculo del Caballero d´Arpino, artista para el cual trabajó Caravaggio recién llegado a Roma. En segundo lugar, y más extenso,  es el texto de Giulio Mancini, médico del Papa Urbano VIII Barberini y, a su vez, coleccionista de arte y experto en pintura. Giovanni Baglione, conocido rival de Merisi, tanto pictórica como personalmente, escribió posteriormente más de doscientas biografías de artistas entre las cuales se encontraba la de nuestro pintor. Sólo Mancini y Baglione tuvieron un contacto directo con el artista. Mancini frecuentaba a menudo el palacio del Cardenal del Monte,  mientras que el segundo, a pesar de su enemistad con Caravaggio, es el que  compartía más directamente el ambiente artístico con el pintor lombardo.

Veámos algunas opiniones aportadas sobre el pintor lombardo:

 Caravaggio. Muchacho con cesto de frutas. Óleo sobre lienzo. 1593.

 Gallería Borghese. Roma.

"No hay duda de que Caravaggio fue beneficioso para la pintura, pues apareció en un momento en que, en vez de imitar del natural, los pintores seguían el estilo de otros artistas, y se buscaba antes la belleza que la verdad. Fue entonces cuando él, despojando al color de todo artificio […] devolvió el color de la sangre y la carne, recordando con ello a los pintores que debían volver a la senda de la imitación […] Sin embargo, a pesar de todo, carecía de muchas y de las mejores partes que constituyen la pintura, pues no tenía invención, ni decoro, ni dibujo, ni ciencia alguna de la pintura, ya que mientras fijaba su mirada en el modelo, sus manos y su ingenio estaban vacíos…"

Giovanni Pietro Bellori, Vida de los pintores, escultores y arquitectos modernos, 1672.

“En la tradición académica del siglo XVII, los pintores odiaban a Caravaggio porque se les había dicho que era un realista, que no tenía imaginación y esto es lo peor que podía pasar. Estas afirmaciones no son ciertas ya que es un artista que compone y que estudia cómo va a hacer esas composiciones que tanto han influido en numerosos pintores a lo largo de la historia”

Graham-Dixon, Andrew. Caravaggio. Una vida sagrada y profana. Taurus.

Caravaggio. Cena en casa de Emaús. Óleo sobre lienzo. 1601. National Gallery. Londres.

“Caravaggio se transformó  con el tiempo en alguien que dormía completamente vestido con su puñal junto a él, y que temía las persecuciones tanto de la justicia maltesa como de la romana. En la Roma de la Contrarreforma la vida podía llegar a ser peligrosa y carecía de gran valor. La violencia persiguió al hombre y a la obra del Caravaggio por Nápoles, Malta y Sicilia. Allí su comportamiento era desequilibrado, le enfurecían las críticas y pronto empezó a menospreciar a los pintores locales, dando rienda suelta a su carácter envidioso e impaciente; se mostraba inquieto, intranquilo, incluso a pesar de dejar de trabajar, y era temido por desquiciado y loco.”

Langdon, Helen. Caravaggio, A life  (Londres, 1998); en castellano: Caravaggio, Edhasa, 2002.
 

"Caravaggio no ejecutó un solo trazo sin hacerlo directamente del modelo vivo. Y no es éste un mal camino para llegar a buen fin, porque pintar sirviéndose de dibujos no es tan seguro como tener el natural delante y seguir a la naturaleza en toda la variedad de sus colores; pero ante todo es necesario que el pintor adopte el criterio de elegir de lo bello las cosas más bellas" 

C. Van Mander. Het Leven der Moderne oft dees-titjsche doorluchtighe Italianschen Schilders. Alkmaar. 1603.

"Por el horror que sentía del ideal insulso, Caravaggio no corregía ninguno de los defectos de sus modelos, a los que paraba por la calle para hacerlos posar. He visto en Berlín algunos cuadros susyos que fueron rechazados por las personas que los habían encargado por ser demasiados feos. El reino de lo feo no había llegado todavía."

Stendhal. Roma, 1806.

"Caravaggio no tenía ni variedad ni corrección, y por ello era del todo malo en el dibujo".

A.F. Mengs. Lezioni practiche di pittura. 1760-1770.

“Michelagnolo Amerigi fue hombre satírico y altanero; y en cualquier momento gustaba hablar mal de todos los pintores pasados y presentes, por insignes que fuesen; pues le parecía que él solo con sus obras había adelantado a todos los otros de su profesión. Sin embargo, entre algunos se estima que ha arruinado la pintura, pues muchos jóvenes, siguiendo su ejemplo, se dan a copiar una cabeza del natural y no estudian ni los fundamentos del dibujo y de la profundidad del arte, solamente con el color se contentan, de modo que no saben poner dos figuras juntas ni componer historia alguna, por no comprender la verdad de tan noble arte (...) Fue Michelagnolo por soberbio ardor de espíritu un algo díscolo, y a cada rato buscaba ocasión de romperse el cuello o de poner riesgo a la vida ajena”

G. Baglione. Vitte de´pittori, scultori e architetti... Roma. 1642.

Caravaggio. Judit y Holofernes. Óleo sobre lienzo. 1598-1599. Galería Nacional de

 Arte Antiguo. Roma.

 "Cuando miramos la Vocación de San Mateo nos damos cuenta de que ha ocurrido algo nuevo, algo que ha cambiado el arte de Caravaggio. Un nuevo modo de subordinar cada imagen al efecto general de luz y sombra aparece evidente, y puesto que este modo es esencial  a todas las obras posteriores puede deducirse de él que el período de búsqueda ha concluido y que el  estilo del artista está perfectamente logrado. Ha habido en todas las épocas pintores realistas que han sido grandes artistas. No porque hayan reproducido la realidad empírica en un modo ilusiorio, sino porque la han interpretado, y por latonto visto y sentido, según su fantasía. Y lo que los diferencia de los pintores de la idea es que éstos evaden fantásticamente la realidad mientras que los naturalistas interpretan ésta y dan de ella lo que les parece es su esencia. Giotto y Masaccio son realistas como Caravaggio, con la diferencia de que son realistas sin un programa preciso, y Caravaggio hubo de hacerse un programa para liberar polémicamente la propia fantasía de una maraña de reglas y prejuicios que el manierismo quería imponerle"

L. Venturi. Il Caravaggio. 1951.

"A Poussin nada le agradaba de Caravaggio, según él venido al mundo para destruir la pintura. No hemos de maravillarnos de tal intolerancia, porque, si Poussin buscaba el decoro en sus composiciones, Caravaggio se dejaba arrastrar del natural verdadero tal como lo veía: eran polos opuestos. Sin embargo, considerando la esencia real de la pintura, que consiste en imitar lo que se ve, hay que admitir que Caravaggio la poseía a fondo...imitó tan perfectamente el sujeto que nada más se puede desear".

A. Félibien. Entretiens sur les Vies et Oubrages des plus excellents Peintres Anciens et Modernes, 1666-1668.

"Caravaggio: el Rembrandt de Italia. Abusó del dicho del Greco cuando, al preguntársele quién fuese su maestro, señaló a la multitud que pasaba por la calle, y tal fue la magia de su claroscuro que, aunque copiase la naturaleza en lo que tiene de defectuoso y de innoble, tuvo casi la fuerza de seducir incluso a un Domenichino y a un Guido (Reni)."

F. Algarotti. Saggio sopra la pinttura. 1762.

"Sin maestros, sin preceptos, tanto hizo y a tanto se atrevió, que no se sabría decir adónde podía haber llegado si hubiese vivido un siglo antes, o si, imitando con tan gran verdad la naturaleza, de los pintores de aquel siglo dichoso habría tomado las reglas para embellecerla. Mas estas reglas, con tanto magisterio seguidas por los discípulos de Luodovico (Carracci), fueron despreciadas por él; y la posteridad lo colocó al lado de Guercino y Albani, e incluso de Aníbal (Carracci), Domenichino, Guido Reni..."

G. Rosini. Storia della pittura italiana. 1839-1847.

"Ha pintado con igual elevación retratos, escenas sacras y de género, flores y frutas. Naturalista siempre, sus pinturas tienen un extraordinario plasticismo y con frecuencia una sugestiva grandeza que hace perdonar a su autor toda falta de distinción en la elección de las formas, la exageración de los gestos y las tintas oscuras sin transparencia"

F. Villot. Notice des Tableaux du Musée National du Louvre. 1852.

 Caravaggio. La vocación de San Mateo. Óleo sobre lienzo. 1599-1600. Iglesia de San Luís 

de los Franceses. Roma.

 "Para acabarla ha sido este hombre un gran sujeto, pero no ideal, lo que quiere decir no saber hacer cosa alguna sin el natural delante."

L. Scaramuccia. Le finezze de´pennelli italiani. 1674.

"No es la ausencia de todo defecto sino la presencia de eminentes cualidades lo que constituye un temperamento y hasta un genio. Ciertos hombres, capaces de un ardor indomable, no pueden resignarse a la implacable sabiduría de la mediocridad. Entre éstos, Caravaggio..."

V. Schoelcher. "Salón de 1855", Revue de Paris. 1835.

"Para la iglesia de Santa María in Trastevere había pintado La Muerte de la Virgen, y de no ser porque lo hizo con poco decoro y las piernas desnudas de la Virgen, hoy en día este cuadro estuviese en la mejor galería de los carmelitas."

G. Baglione. Vitte de´pittori, scultori e architetti... Roma. 1642.

"Así se pueden entender las calamidades del arte moderno, por ejemplo, con el deseo de retratar a la Virgen Nuestra Señora, Caravaggio usó a la prostituta Ortaccio, lo que hizo que los buenos padres carmelitas rechazasen su pintura."

 G. Mancini. Consideraziones sulla pittura. 1619-1621.

Caravaggio. La muerte de la Virgen. Óleo sobre lienzo. 1601. Museo del Louvre. París.

Terminamos con dos videos que completan la obra del gran pintor Michelangelo Merisi, il Caravaggio: