Mark Rothko. Nº 61 (Rust and blue). Óleo sobre lienzo. 1953. Museum of Contemporary Art.
Los Ángeles.
Los Ángeles.
El objeto había
sido sometido en la pintura del s. XX a toda suerte de experimentos: reducido a
color en el Fauvismo, geometrizado en el Cubismo, distorsionado en el
expresionismo, vibrado dinámicamente en el Futurismo, soñado en el Surrealismo; tras la Premera Guerra Mundial, en el arte abstracto se procede definitivamente a su eliminación. El lienzo
se transforma en un grito, en lago inarticulado e incomprensible que, para
algunos, responde a la raíz destructiva de la sociedad moderna. Fran Marc
afirmaba que la imagen visual de la naturaleza nos impide penetrar en la verdad
íntima de la realidad, por tanto, había que quitarle a las cosas el envoltorio
y la apariencia para penetrar en la esencia y en la verdad.
El propósito de
los artistas abstractos es prescindir de todos los elementos figurativos para
concentrar la fuerza expresiva en formas y colores que no ofrezcan relación con
la realidad visual. La obra se convierte en una realidad autónoma, sin conexión
con la naturaleza, y por tanto ya no representa hombres, paisajes, casas,
flores, sino simplemente combinaciones de colores que intentan expresar con un
lenguaje sin formas, como el de la música, la necesidad interior. El color se
ordena libremente, a impulsos de la inspiración.
V. Kandinsky y
P. Klee son considerados los padres de la pintura no figurativa, los
iniciadores de lo abstracto en el siglo XX. La marcha de la abstracción ha seguido dos caminos opuestos y diferentes:
1) la del gesto
motor, improvisación infantil y velocidad de trazado: Kandinsky, Klee y el expresionismo
abstracto americano (Pollock);
2) La de la
trama geométrica y las formas regulares planas, con criterios reflexivos y
racionales: Constructivismo, Neoplasticismo e Informalismo.
En
esta entrada nos centraremos en la abstracción de la segunda mitad del
siglo XX, que está basada, mayoritariamente, en la pintura del gesto motor y velocidad de trazado.
Desde
el final de la II Guerra
Mundial Nueva York se manifiesta como la capital de las artes, como antes lo
había sido Paris. La llegada de numerosos artistas europeos exiliados (Dali,
Ernst, Chagall, Mondrian, Laurens, Lipchtz...), y la modernidad que ocupa el
mundo del arte en esta ciudad, que le acerca a las vanguardias (creación del
MOMA, y apertura y ayuda a los jóvenes valores de la galería de Peggy
Giggemheim,) va a provocar el desplazamiento del centro de gravedad del mundo
artístico de Europa a los Estados Unidos. A la vez se van conformando dos
mundos artísticos diferentes, el arte americano, más pragmático y más centrado
en la producción de objetos, y el arte europeo, más creativo y más atento al
papel que el artista juega en el repertorio simbólico colectivo.
Además
la sociedad ha cambiado: se ha incorporado al arte el mundo del diseño, de la
publicidad y los medios de comunicación de masas, la vida se ha tecnificado y
automatizado. No sólo se han transformado los espectadores, sino también los propios
artistas y los mismos objetos artísticos, que al dejar de ser únicos, atacan la
esencia misma del arte y abren un interrogante sobre su nueva función. La
primera orientación del arte va a ser la acción abstracta.
Jackson Pollock. Ritmo de otoño: Número 30. Óleo sobre lienzo. 1950. MOMA. Nueva York.
EXPRESIONISMO ABSTRACTO O INFORMALISMO
Surge a partir
de la Segunda Guerra
Mundial desarrollándose en la década de los años 50. El término expresionismo abstracto se
generaliza a partir de 1950 aunque fue empleado por primera vez en 1929 por el
crítico Alfred Barr al referirse a las "improvisaciones" de
Kandinsky, estando el punto de partida del expresionismo abstracto son
Kandinsky y el Expresionismo. Algunos críticos utilizan el término “informalismo"
como sinónimo del expresionismo abstracto"; con ello quieren señalar que
se trata de una pintura en la que están ausentes las formas definidas. Al
separarse de la racionalización y de lo figurativo o o conceptual, también se
conoce este tipo de pintura como Informalismo, ya que trata de estudiar las
calidades de la materia e integrar el objeto en el cuadro.
Se diferencia de
la abstracción geométrico en que ésta emplea formas rígidas tomadas de la
geometría, mientras que la abstracción expresiva emplea formas flexibles, es
decir, formas que no pueden ser definidas. Es una pintura basada en la
intuición y en la subjetividad, que intenta reproducir sobre el lienzo los
efectos de un determinado estado emocional ya que para ellos el sentimiento
debe prevalecer sobre la razón.
Existen varias
tendencias pictóricas pero todas tienen unas características comunes, como el
hecho de que todas son una pintura de acción, donde la obra es gestada en el
mismo acto de pintar: el azar, más o menos controlado, es parte importante del
proceso creador. Destacan las siguientes tendencias:
Action Painting (Pintura de acción)
Es el nombre con
el que se conoce en EE.UU. al expresionismo abstracto y se lo dio el crítico
Harold Rosenberg en 1952 para resaltar que se trata de una pintura en la que se
valora el acto físico de pintar. Reaccionó contra el academicismo cubista y
surrealista que había triunfado entre las dos guerras mundiales y lleva hasta
sus últimas consecuencias técnicas del automatismo, valorando la espontaneidad
del artista en el momento de ejecutar la obra; la acción" debe ser
autónoma e incontrolada. Por tanto, es una pintura vigorosa. impetuosa,
violenta, que emplea lienzos de gran tamaño y colores violentos, estridentes,
agresivos. Algunos pintores practicaron la técnica del "dripping”,
chorreando pintura sobre tela de manera que, al menos parcialmente, se extienda
al azar.
Jackson Pollock. Yellow islands. Óleo sobre lienzo. 1952. Tate Modern. Londres.
Abarca a un
grupo de pintores conocidos como la
Escuela de Nueva York, aunque no forman grupo ni tienen un
estilo común, ya que cada uno da una respuesta individual a la representación
pictórica.
El pintor más
importante es Jackson Pollock (1912-1956).
Estuvo muy influido por Miró. Trata de integrar la dimensión tiempo, prestando
más atención a la velocidad de ejecución, siendo el gran maestro del dripping,
del automatismo gestual, cuyo resultado es una pintura abstracta, sin centro de
atención y sin jerarquía de formas. Hace obras abiertas que podrían continuarse
más allá de los límites del lienzo, y que reflejan la duraza y agresividad en
el proceso de su realización. En sus obras no se expresa ninguna realidad, ni
objetiva ni subjetiva, sólo descarga una tensión que se ha acumulado en el artista. Sus obras
más conocidas son Senderos ondulados,
Composición nº 13, Eco, One, Yellow islands...
Otro pintor muy
importante de este grupo es Willem de
Kooning (1904-1997), de origen holandés, que hace series de figuras cada vez
más deformadas: son figuras femeninas grotescas, monstruosas y perturbadoras
que impresionaron bastante al público. A pesar de la figuración, le preocupa
más la expresión de lo gestual. Sus series de Woman (I, II...) es de lo más interesante de su producción.
Otros pintores
de la Escuela
de Nueva York son Arshile Gorky (1904-1948),
de origen ruso, Franz Kline (1910-1962), el europeo Hans Hartung (1904-1989), quien concibe sus cuadros a través de
enormes y violentos trazos gestuales.
Willem de Kooning. Woman I. Óleo sobre lienzo. 1952. MOMA. Nueva York.
Abstracción Lírica o Pintura contemplativa
Se conoce así al tipo de pintura también abstracta e intuitiva que
hacen los pintores de la
Escuela del Pacífico, siguiendo la pintura caligráfica de
Tobey, haciendo dentro de la abstracción, una representación más ordenada,
clara y racional de lo que se quiere comunicar.
Mark
Rothko (1903-1970), de origen ruso, es el autor más
importante, se trata del reverso de la moneda de la pintura de Jackson Pollock.
Lo que en éste es acción, gesto e intuición, en Rothko es color, reflexión y meditación.
El hecho de vivir en San Francisco hizo posible que le llegase la doble
influencia europea y oriental. Sus cuadros son relejados, construye grandes
lienzos a base de enormes manchas de color que se superponen mediante amplias
zonas de transición; de ellos emanan una atmósfera de silencio, serenidad y
orden: Homenaje a Matisse, Magenta, negro, verde sobre naranja, Rojo claro
sobre negro... Mark Tobey (1890-1976) (Ritmos
de la tierra), procede también de la Escuela del Pacífico. Esta escuela se caracteriza
por el abandono de todo componente gestual en aras a una tendencia al quietismo
y a la contemplación, es especial al arte oriental y a la caligrafía china. En
la misma línea J. Albers (1886-1976) hace un arte bello y delicado, donde todo
aparece muy ordenado, claro y tranquilo. Destacar también a Barnett Newman.
Mark Rothko. Centro blanco. Óleo sobre lienzo. 1950. Colección particular.
Mark Tobey. Sin título. Témpera sobre papel. 1957. Willard Gallery. Nueva York.
Tachismo
El nombre
procede del francés “tache", mancha, y fue utilizado en 1954 para designar
a una pintura que emplea manchas y manchones de colores. En Europa el informalismo surgió en torno a la
llamada Escuela de París y al artista Michael Tapié. Algunos críticos le
denominan "Art Autre" con el fin de designar a una pintura que
debería diferenciarse de cualquier otro género preexistente. Valora la
expresividad del artista y su proyección psicológica en la obra artística. Es
una pintura en la, que se anula, todo tipo de estructura formal o conceptual y
que no se somete a ningún principio teórico; no se encuentra en ella forma
alguna que recuerde al mundo exterior ni objeto inventado. Todos los artistas tratan de expresar soledad,
ansiedad, crisis, en consonancia con el ambiente de posguerra. El francés Jean Fautrier (1897-1964) es su
representante más estimado: La judía, cabeza de rehén, Testa d´Ostaggio...
Jean Fautrier. Cabeza de rehén. Óleo sobre lienzo. 1944. Museum of Contemporary Art.
Los Ángeles.
Pintura sígnica y gestual
Aunque sígnico y
gestual no son exactamente lo mismo, los críticos suelen agrupar conjuntamente
a los artistas de ambas tendencias. Sus raíces hay que buscarlas en el
automatismo surrealista y en el descubrimiento de las grafías y pictografías
del Extremo oriente. Corresponde a una pintura parecida a la Escuela del Pacífico, pero
hecha en Europa.
° Sígnica:
utiliza un particular grafismo para crear "nuevos alfabetos”.
° Gestual:
basa la pintura en la ejecución rápida y no controlada racionalmente.
Los rasgos
típicos son rapidez en la ejecución, impulso personal irreflexivo. Creación de
signos abstractos: el cuadro es una especie de indescifrables caligrafías
orientales. Uno de sus primeros representantes fue Alfred Otto Wolfgang Wols (1913-1951), alemán afincado
en París (Composición V), también
Georges Mathieu o Auguste Herbin (1882-1960), quién hace
signos geométricos mezclados con otros signos y notas musicales, todo muy
colorista e infantil. Pero el más refutado es el francés Jean Dubuffet (1901-1985). Fue el creador del concepto “Art Brut”
para designar a las pinturas hechas como la harían los psicópatas y los niños,
además de los graffitis. En su pintura el gesto expresivo domina la obra. Se
trata de un arte hosco, feo, grotesco, insólito. Tiene una producción muy
extensa, trabaja la materia (arenas, cal, cenizas, asfalto, carbón...) y no
deja de experimentar en las décadas siguientes, en conexión con la música,
arquitectura y escultura, en obras muy difíciles de clasificar, llenas de
ironía y transgresión, donde quiere denunciar el carácter represivo de la
cultura: Paisaje filosófico, Ser y
parecer, vida en familia...
Podríamos citar el Grupo Cobra (Karen Appel, Asger Jorn...) en la zona de los Países Bajos y nórdicos, quienes recuperan la violencia cromática de tradición expresionista y dadaísta, aunque resuelta con mayor crudeza visual.
Podríamos citar el Grupo Cobra (Karen Appel, Asger Jorn...) en la zona de los Países Bajos y nórdicos, quienes recuperan la violencia cromática de tradición expresionista y dadaísta, aunque resuelta con mayor crudeza visual.
Alfred Otto Wolfang Wols. El fantasma azul. Óleo sobre lienzo. 1951. Museo Ludwig. Colonia.
Jean Dubuffet. Grand maestre de la outsider. Óleo sobre lienzo. 1947.
Pintura matérica
Los materiales
empleados en la confección de la obra deben ser los que centren la atención del
artista, la única motivación del cuadro. La materia ocupa el primer lugar en la
escala de los valores artísticos; es el medio expresivo por excelencia, incluso
es más importante que la forma. Los pintores matéricos se preocupan por el
aspecto físico y técnico de la obra, desinteresándose del dibujo y la
composición; la obra es confeccionada con los más diversos materiales:
cortezas, trapos, arpilleras, telas metálicas, jirones de tejido cosidos sobre
un armazón metálico, arena, serrín, barnices, incluso piedras, etc., unidos y
pintados para conseguir efectos sorprendentes.
La utilización
de materiales de este tipo y otros muchos de desecho se hace cada vez más
frecuente (Pop Art, Arte Povera).
Los primeros ejemplos de esta nueva
importancia dada a la "materia" se encuentran ya en determinados
trabajos de los primeros surrealistas y entre los dadaístas. Tuvo mayor
desarrollo en Europa que en América. Su origen está en los cuadros de Jean Fautrier, quién usaba grumos de
color superpuestos y coagulados mezclando pintura con cola y papelaes. Uno de
sus grandes representantes es el italiano Alberto
Burri (1915-1995) autor de varios cuadros con telas de sacos (Saco
nº 5). En España tuvo mucho importancia la pintura matérica, cuyo máximo
representante es el catalán Antoni
Tápies (1923-2012). Formó parte del grupo Dau al Set, estando muy influenciado
por la pintura de Miró, la abstracción de Klee y el informalismo de Dubuffet.
Empleó técnicas mixtas: óleos, acuarelas, tintas chinas, polvos de carbón y
mármol, colas... y todo para conseguir calidades densas con aspecto rugosos y
ásperos. Estos empastes se colocaban sobre diversos tipos de soporte: madera,
lienzos, chaps, extendiendo color de manera arbitraria, colores afines a la
tierra (ocres, blanco sucio, beige, negros), y utilizando collages al aplicar a
veces hilos, periódicos, cartones y cuerdas, todo lo cual le da un aspecto de
relieve, pero tratando siempre de humanizar la materia, con un inequívoco sello
poético. Eliminará cualquier elemento figurativo, y evita también los símbolos
porque son superación de la materia (Gran
óvalo, Rosa sobre materia. Barrera secreta...). Con el tiempo evoluciona y
se aproxima al arte conceptual y al arte Povera.
Alberto Burri.Tela de saco y rojo. Tela de saco, cola y pintura vinílica sobre lienzo. 1954. Tate Modern. Londres.
El canario Manolo Millares (1926-1972) profundiza en las culturas
primitivas y el surrealismo. Fundador del grupo El Paso, lacera, mutila y
perfora la tela, siendo sus arpilleras símbolos del quehacer humano y violento.
Se especializó en la tela de saco rota y cosida, pintada de blanco o negro (cuadro nº 173, Pintura 86...). También
podemos incluir aquí la pintura de Modesto
Cuixart (1925-2007) aunque con un vocabulario sígnico y simbólico diferente (Linneus escriba).
Antoni Tapies. Monócromo gris-ocre. Técnica mixta (tela de saco sobre lienzo). 1966. Galería Maeght. París.
El Informalismo en
España
En
España, donde la posguerra es extremadamente difícil por la situación política
que se vive, la recuperación cultural y artística es lenta. Los jóvenes
artistas se interesan por todo aquello que comportase innovación y supusiese
relación con lo que entonces se hacía en Europa y Estados Unidos. En Barcelona,
tras la vuelta de Miró a España, en 1948 se funda el Grupo Dau al Set, al que pertenecen pintores como Antoni Tápies y
Modesto Cuixart y literatos como J. Brossa y E. Cirlot. Se interesan por textos
e imágenes del arte infantil, del arte popular, por la música y el cine,
teniendo influencias del surrealismo, dadaísmo y expresionismo alemán.
Entre
1957 y 1960 funciona en Madrid el Grupo
El Paso, muy interesado en el Informalismo, y trata de conectar con el
impuso europeo y americano del Expresionismo abstracto, gestualismo y
abstracción en general. Cada uno de los artistas que participaron muestran, a
lo largo del tiempo, creativas personalidades individuales que abrieron
interesantes caminos: Antonio Saura, Rafael Canogar, Luis Feito, Manuel Viola,
Martin Chiniro o Fernando Zobel.
Antonio Saura, cultiva los temas informalistas, pero sin abandonar del todo lo figurativo, y ha conseguido sugerirnos la iconicidad con los procedimientos del machismo, es decir trazos gruesos y manchas de color (Brigitte Bardott, Crucifixión...). Su pintura se mueve entre lo gestual y el Machismo. Lucio Muñoz profundiza en la Pintura matérica, utilizando con preferencia la materia rota y claveteada formando superficies rugosas y matices cromáticos que continúan esa supuesta veta brava del arte español. Eusebio Sempere, que formó parte del Grupo El Paso, representó la aportación española más interesante de la corriente del Arte Cinético; en la misma línea se mueve el grupo Equipo 57.
Antonio Saura, cultiva los temas informalistas, pero sin abandonar del todo lo figurativo, y ha conseguido sugerirnos la iconicidad con los procedimientos del machismo, es decir trazos gruesos y manchas de color (Brigitte Bardott, Crucifixión...). Su pintura se mueve entre lo gestual y el Machismo. Lucio Muñoz profundiza en la Pintura matérica, utilizando con preferencia la materia rota y claveteada formando superficies rugosas y matices cromáticos que continúan esa supuesta veta brava del arte español. Eusebio Sempere, que formó parte del Grupo El Paso, representó la aportación española más interesante de la corriente del Arte Cinético; en la misma línea se mueve el grupo Equipo 57.
Antonio Saura. Brigitte Bardot. Óleo sobre lienzo. 1959. Museo de Arte Abstracto Español. Cuenca.
Eusebio Sempere. Las cuatro estaciones. Gouache sobre tabal. 1980. Fundación Juan March. Palma de Mallorca.
ÚLTIMAS TENDENCIAS ABSTRACTAS
A partir de la
década de los años 60, Norteamérica impone su primacía en el terreno artístico,
tomando la iniciativa con la invención de nuevas técnicas y lenguajes
artísticos. Este período se caracteriza por la búsqueda de nuevos caminos: los
artistas utilizan toda clase de métodos naturales o no naturales (por ejemplo,
las drogas), así como materiales no considerados como artísticos hasta ahora
(plásticos, chatarras, objetos usados). A veces resulta difícil establecer si
se trata de esculturas o pinturas ya que los cuadros introducen los elementos
más variados: se concede gran importancia a la luz, al movimiento y al sonido
en las nuevas experiencias plásticas.
Las corrientes o
tendencias aparecen y desaparecen rápidamente, algunas incluso no han pasad de
ser infructuosos intentos de nuevas experiencias. Pero lo que caracteriza las
décadas de los 60 y 70 es un enfriamiento del arte, en el sentido de que se
empieza a apreciar unas nuevas vanguardias (muy distintas entre si) basado en
la reflexión intelectual, en un sustrato de racionalidad y no en el gesto
intuitivo, que se mantendrá hasta finales del siglo.
Serán Barnett Newman (1905-1970) y Lucio Fontana (1899-1968) quienes
manifiestan su total rechazo a la maraña cromática de la Escuela de Nueva York.
Para ambos, el lienzo planteado como una gran superficie monocroma, se
convierte en algo radicalmente abstracto, que posee sentido como tal objeto artístico
y no como manifestación de un proceso creador individual. Con todo el
Informalismo sigue influyendo en los dos: el color inunda los cuadros de Newman
(¿Quién tiene miedo del rojo, amarillo y
del azul?) o la monocromía en los de Fontana (Concepto espacial). Este pinta lienzos de un solo color, sin
tonalidades para luego arañarlo o rasgarlo. La aportación de ambos fue
extraordinaria en el proceso de racionalización de la pintura, y son el origen
de otras tendencias posteriores como la Nueva Abstracción o el Arte
Óptico. En la misma línea podríamos citar la pintura del español Fernando Zobel (1924-1984).
Barnett Newman. Canto XVII. Óleo sobre lienzo. 1963-64. Tate Modern. Londres.
Lucio Fontana. Concepto espacial. Óleo sobre lienzo. 1960. Galleria d´Arte del Naviglio. Milán.
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