COMENTARIOS DE ALUMNOS. MANUEL J. GALLARDO HIERRO. LA MUERTE DE LA VIRGEN DE CARAVAGGIO

ENCUADRE:

TITULO: La muerte de la Virgen.

AUTOR: Caravaggio (1573-1606)

GÉNERO: Pintura religiosa.

ESTILO: Arte Barroco. Italia.

TÉCNICA Y SOPORTE: Óleo sobre lienzo (3,65 M x 2,45 M).

LOCALIZACIÓN: Museo del Louvre. París.

OTRAS OBRAS: Baco, Virgen de Loreto, Vocación de San Mateo,…

ANÁLISIS:

Con respecto a la temática de la composición, destacamos como la virgen (figura central) acaba de morir. Magdalena, la cual se haya sentada, llora junto a ella y los apóstoles, los cuales se encuentran dispersos por todo el cuadro, agachan la cabeza como símbolo de dolor y de respeto. La muerte de la virgen es un claro exponente del tenebrismo de Caravaggio. En este último cuadro de su etapa romana ya es capaz de plantear la escena sin matices ni gradaciones lumínicas: juega abiertamente con el CLAROSCURO, es decir, el contraste de luces y sombras que, a voluntad del artista, ilumina bruscamente aquello que este desea y sumerge en la penumbra lo que considera menos importante. Así, el rayo de luz (símbolo de gracia divina) se convierte en el verdadero estructurador del cuadro, cruza la escena creando una explícita diagonal e ilumina de forma simbólica y en absoluto causal las cabezas inclinadas por el dolor mientras mantiene los mundanos cuerpos en la oscuridad.
Caravaggio utilizó, junto al claroscuro, un segundo componente para acentuar el dramatismo de la escena: El color. El pintor se decantó por una paleta de color saturado y usó una gama sorda que son las que mejor casaban con su temperamento. Estos colores eran: El rojo que se aprecia de forma fogosa y a su vez virginal en la figura céntrica de la virgen y en la tela que se aprecia en la parte superior de la obra, El naranja, el cual se refleja en el vestido de la magdalena y El verde que encontramos en las túnicas de los apóstoles que se ubican al lado de la fallecida. También es digno de destacar la Sensación de fluidez que transmite dicho cuadro, siendo esta posible gracias a la postura horizontal de la virgen, la cual parece que está levitando. Con respecto a su contexto, enmarcamos a este dentro del fenómeno denominado NATURALISMO, en donde la realidad se plasma en la obras de la misma manera en la que aquella se percibe. Esta realidad, la cual es el patrón que Caravaggio usa en sus obras se presenta sin idealismos ni retoques, por lo que a muchas personas de la época les resultó violento, no obstante, ignoraban que estaban ante un perfecto artista. También es digno de resaltar, que Caravaggio llevo a cabo numerosos retratos de personajes paupérrimos y poco celebres, con la intención, de resaltar la realidad de su época. Entre estos retratos destacan: El Narciso o David con la cabeza de Golliat, en donde este ultimo posee los mismos rasgos que el autor.

COMENTARIO:

El cuadro se estructura a partir del Rayo de luz que llega desde lo alto de la ventana colocada en la parte superior izquierda. Este mantiene una trayectoria oblicua que atraviesa toda la tela, destaca las cabezas de los apóstoles e ilumina el cuerpo tendido en diagonal de la virgen. El haz de luz también revela la existencia de una cortina de color rojo intenso que domina la escena, el único elemento decorativo (si no arquitectónico) que puede apreciarse. Esta cortina refleja el interés del pintor de querer huir de lo superfluo para dar a cada uno de los componentes del cuadro una connotación simbólica; la cortina, pues, remite al telón de un teatro y confiere al momento reflejado un carácter de grandiosidad y un sentido dramatúrgico en su concepción más elevada.
Los destinatarios del cuadro, los monjes de la Iglesia de Sta. María de la Scalla, rechazaron dicha composición aunque su comitente, un influyente jurista ya lo había aceptado con anterioridad. Dichos monjes criticaban al cuadro por desencadenar un motivo demasiado fúnebre y por reflejar de forma indigna el tema de la muerte y de la muerte de la virgen, cosa que incluso para ellos, fue desagradable. Todo esto tuvo mas tarde una aclaración, y es que al parecer, Caravaggio uso como modelo para la cara de la virgen, a una mujer que encontró ahogada en el río Tíber cuyo cuerpo, plasmado con un detallado realismo, muestra la rigidez de la muerte, el vientre hinchado y los pies enmorecidos. Aquellos religiosos no fueron capaces de penetrar en el autentico sentimiento que desprendía la escena. No captaron el profundo Sentido religioso, desnudo de convencionalismos, que, junto a la mujer que yacía en un simple banco de madera, desprendían aquellos hombres, los cuales eran vulgares, desaliñados y estaban descalzos. En la cara de estos, se aprecia el Dolor y el Sufrimiento que les ha provocado la pérdida de la virgen.
Gracias a la genialidad de Caravaggio, se veían inmersos en un contexto emotivo lo suficientemente dramático como para proyectar al espectador hacia un mundo trascendente. La incomprensión ante sus obras no era una novedad para Caravaggio en un momento en la que la pintura italiana religiosa seguía los estrictos preceptos de la Contrarreforma. La mirada austera y directa del pintor no cumplía con la función persuasiva y de estímulo de sentimiento religioso que exigía la iglesia. Se podría pensar que los personajes humildes de Caravaggio llegarían a la gente sencilla; sin embargo, incluso ésta prefería las representaciones idealizadas basadas en los modelos clásicos de belleza a la cruda realidad que exhibía el pintor.


Con respecto a su personalidad, se ha desvelado por medio de muchas fuentes que era un joven agresivo, solitario, inmundo, y además homosexual. Tanta era su ira y violencia que tuvo que huir de su ciudad natal por haber asesinado a un hombre. Muchos califican al presente autor como innovador o revolucionario en el arte barroco, ya que mientras todos los de su época seguían el patrón de belleza plasmado por Carracci, el creó el suyo propio dotándolo de cualidades fúnebres y grotescas. Entre sus obras mas famosas se hayan: Niño con cesto de frutas (1593), La crucifixión de San Pedro (1601), Los jugadores de cartas (1594), (1600), La vocación de San MateoLa flagelación de cristo (1607), San Jerónimo escribiendo (1608),....
Haciendo referencia a las corrientes que toman dichas influencias, encontramos como, por un lado, se da el denominado Tenebrismo, que triunfa en España y Francia con autores tan célebres como Georges La Tour, Zurbarán, Velázquez o Ribera, con Rembrandt en Holanda, y finalmente en el Clasicismo academicista de los Carracci en Italia, en lugares como Flandes (Rubens).

CONTEXTO HISTÓRICO:

En el siglo XVII, España (y toda Europa) sufrió una grave crisis demográfica, consecuencia de la expulsión de casi 300.000 moriscos y de la mortalidad provocada por las continuas guerras, (Guerra de los treinta años) el hambre y la peste. España pierde el liderzgo como gran potencia hegemónica euopea frente a Francia. En este momento tiene lugar una postura contrarreformista de la Iglesia Católica, que renace cada vez con mas fuerza por toda Europa, todo ello con el fin de luchar contra las reformas protestantes instauradas por el régimen del momento (Concilio de Trento). En esta época, era común usar el arte para motivos propagandísticos de la realeza, por lo que se llevaron a cabo la elaboración de muchos cuadros que hacían alusión a las monarquías de reyes famosos del momento como Luis XIV (conocido como el rey sol). El barroco es todo eso: propaganda, artificio, enmascaramiento de la realidad, lo artificioso, lo teatral y lo pomposo.