JUAN DE VILLANUEVA Y EL MUSEO DEL PRADO

El Neoclasicismo representará la segunda oleada recuperadora del la antigüedad grecolatina (tras el Renacimiento) en la historia del Arte.

Junto al estilo cortesano, risueño y halagador del rococó de las cortes europeas, el siglo XVIII ve desarrollarse simultáneamente otro arte basado en el orden clásico y en los modelos de la antigüedad, sobre todo a finales de siglo. Este arte neoclásico nace por el cansancio de las formas decorativas del rococó, por los descubrimientos de la antigüedad clásica y las obras de estudios clásicos (Lesing, Winckelmann...), así como por el desarrollo del pensamiento revolucionario que ve en el neoclásico la derrota de la aristocracia y sus salones, así como el triunfo de la razón y el orden antiguo.

De esta manera surge el Neoclasicismo unido a una clase social, la burguesía, como su manifestación estética y como bandera de sus reivindicaciones. Este será el lenguaje plástico de los revolucionarios empezados en suprimir todo resto de Antiguo Régimen, con sus manifestaciones estéticas incluidas. El Rococó se supera porque era la prolongación del Barroco, y por tanto del absolutismo y de la sociedad estamental inamovible del Antiguo Régimen. Los representantes de la revolución ven en el Neoclasicismo la derrota de la aristocracia y sus salones. Así el arte Neoclásico se prolonga durante todo el periodo Napoleónico y se adapta a él con el "estilo imperio", el arte de los Césares y del Imperio Universal al que aspiraba Napoleón. El epicentro de este cambio es Francia pero sus consecuencias abarcan todo el mapa europeo y afecta a todas las artes, escultura y pintura también.

ARQUITECTURA NEOCLÁSICA

La arquitectura neoclásica se preocupa más por la adecuación entre funcionalidad pura y la forma, volcándose en arquitecturas de tipo práctico o industrial, al servicio de la colectividad o el estado (bolsas de comercio, bibliotecas, teatros, hospitales, cárceles...).

Grecia más que Roma es el origen de la arquitectura neoclásica. Se utiliza el orden dórico con fuste acanalado, la columna recobrará su antigua importancia, y vuelven los frontones poblados de estatuas. De Roma se recuerda su ciencia del espacio, y la cúpula se ha hecho insustituible, teniéndose ahora modelos modernos a los que imitar (San Pedro del Vaticano, San Pablo de Londres). En líneas generales, predomina la copia sobre la imaginación renovadora. Por otro lado, la arquitectura incorpora la escultura tanto en los interiores como en los exteriores. Los relieves ocupan espacios en los frontones, entablamentos, y las esculturas exentas se colocan en hornacinas y nichos.

Por otro lado hay que decir que una importante proyección de este neoclasicismo la vamos tener en el nuevo país de los Estados Unidos, país que ha conquistado su independencia y necesita levantar todos los edificios oficiales, tomando sus fuentes de inspiración en las formas palladianas, que perduraran durante todo el siglo XIX. Un buen ejemplo es el Capitolio de Washington, obra de Latrobe.

Benjamin Latrobe. Capitolio de Washington. 1830.
Jacques-Germain Soufflot. Panteón de París. 1757-1790.

Haremos una breve enumeración de edificios arquitectónicos en Europa para pasar a España. El ambiente clasicista había prevalecido en Francia durante el siglo XVII, por lo que las críticas ilustradas hacia el barroco ya contaban con un ambiente propicio, lo que conduce a que los arquitectos busque las formas más sencillas y absolutas. La importancia de Francia en el contexto político de esta época explican la difusión y el eco que sus modelos van a tener en toda Europa. Así Soufflot levanta el Panteón de París (antigua iglesia de Santa Genoveva), Vignon la iglesia de la Madeleine en la Plaza de la Concordia de París y Goudin y Lepere el Arco del Triunfo de la Estrella de París. En Gran Bretaña Smirke edifica el Museo Británico de Londres, mientras Wilkins levanta la National Gallery de Londres. En Alemania Von Klenze hace la famosa Gliptoteca de Munichs y Langhans la Puerta de Brandeburgo de Berlín y el Wallhalla en Ratisbona.

William Wilkins. National Gallery. Londres. 1832-38.
Carl Gotthard Langhans. Puerta de Brandeburgo. Berlín. 1788-91.

ARQUITECTURA NEOCLÁSICA EN ESPAÑA

El siglo XVIII empieza en España con un cambio dinástico, llega la casa de Borbón, y con ella una apertura a las corrientes de pensamiento y culturales que proceden de Francia, intentando los reyes modernizar el país. Desde el punto de vista artístico el cambio se hace perceptible en la segunda mitad del siglo, a partir del reinado de Carlos III. Los propósitos urbanísticos y estéticos del rey para Madrid se pueden concretar en cambiar su aspecto e imagen, canalizar el crecimiento urbano y cubrir las nuevas necesidades que plantean los ilustrados. Esto supone dotar a la ciudad de accesos dignos, trazar bulevares y paseos, mejorar sus condiciones de higiene (alcantarillas y empedrados), alumbrar sus calles. A su vez se proyectan nuevas tipologías de edificios como hospitales, museos, centros administrativos, gabinetes de ciencias, academias, etc. Todas estas nuevas construcciones se realizarán con la estética neoclásica.

En España, por el gran peso del barroco, el arte neoclásico tendrá que vencer una mayor resistencia; pero desde mediados del XVIII hay un esfuerzo de depuración de formas, tarea en la que las recientes Academias ponen sus mejores empeños. Se puede distinguir dos líneas arquitectónicas:

1) Una línea más apegada a la idea de exaltación del poder del barroco, que la forman un conjunto de artistas italianos que trabajan en la corte de los Borbones. Así, Sabatini se inspira en la arquitectura romana renacentista y hace la Puerta de Alcalá en Madrid, la Casa de Aduanas (actual Ministerio de Exteriores) y la remodelación de San Francisco el Grande.

Francesco Sabatini. Puerta de Alcalá. Madrid. 1778.

2) Una segunda línea llamada Aquitectura de la Razón, muy funcional y desnuda, con intención simbólica. Sus máximos representantes son Ventura Rodríguez (un consumado clasicista con influencias barrocas italianas del XVIII; hace la Fachada de la Catedral de Pamplona, la remodelación del Templo del Pilar de Zaragoza y la iglesia de San Marcos de Madrid) y Juan de Villanueva.

Ventura Rodríguez. Fachada de la Catedral de Pamplona. 1783.

JUAN DE VILLANUEVA

Nacido en una familia de arquitectos (hijo del arquitecto Juan de Villanueva y hermano de Diego de Villanueva), Juan de Villanueva (1739-1811) es, probablemente, el mejor arquitecto neoclásico español y tal vez el único que sigue los presupuestos de la arquitectura de la razón. Estudió siete años en Roma pensionado por la Academia de San Fernando, debido a sus brillantes estudios. Allí conoció el fascinante mundo romano y las ruinas de Pomeya y Herculano, que le cautivó y definió toda su obra, llegando a España (1765) empapado de neopalladianismo.

Con este bagaje, a su regreso a nuestro país, estuvo dibujando los monumentos árabes de Granada y Córdoba. Luego es nombrado, primero arquitecto del Príncipe y los Infantes y, más tarde,  arquitecto del Monasterio de El Escorial. En razón de su cargo, y tras otras obras menores, proyecta la Casita de Arriba y la Casita de Abajo en El Escorial para los hijos de Carlos III: son dos villas de recreo palladianas en la sierra madrileña que sirvieron a los infantes para celebrar reuniones tras la caza y coleccionar antigüedades. Tienen paracedio a la Rotonda de Palladio, con portada simple, flanqueada por dos sobrias columnas jónicas que sostienen el dintel. En 1784 edificaba también para el futuro Carlos IV, la Casita del Príncipe en el Real Sitio de El Pardo, en el que abandona la planta central optando por un diseño rectangular, compuesto por un cuerpo central rectangular tetrástilo y columnas dóricas, y dos alas laterales que terminan en pabellones rectangulares. De todo el conjunto emana un espíritu de sobriedad y elegancia. Fue un arquitecto prolífico, al que se deben también el edificio de la Real Academia de la Historia (con ladrillo en sus frentes y reforzada con pilares de granito en las esquinas), el Oratorio del Caballero de Gracia (tal vez el más bello templo neoclásico español,  de planta basilical con una amplia nave central y dos estrechas navees laterales y solemne bóveda de cañón con casetanes,  ajustado a un solar estrechísimo, rematado por un ábside semicircular y una cúpula oval sobre el crucero).

 Casita del Príncipe de El Pardo. 1777.

Estos encargos le valieron el favor real, siendo ascendido a la dirección general de la Academia de San Fernando y honrado con el título de Maestro Mayor del Ayuntamiento de Madrid, en un período en que Carlos III va a convertirse en el “mejor alcalde de Madrid”, y la arquitectura municipal en una de las principales ocupaciones del monarca. Villanueva realiza entonces tres obras prodigiosas en la capital, en el Buen Retiro: el Palacio de las Ciencias, hoy Museo del Prado, el Observatorio Astronómico (un edificio de planta central con un gran pórtico de acceso y un característico templete circular jónico como coronación, que evoca a los tholos griegos y a los templos romanos dedicados a Vesta) y el Jardín Botánico (adaptado a la orografía del terreno, son diez hectáreas rodeadas con una gran reja de hierro y con dos puertas de corte clásico, con columnas clásicas y frontón). Además proyectó el ya desaparecido Cementerio general del Norte, primer camposanto del la Península que responde a los fines ilustrados de salubridad pública. En todas estas obras se aprecian el sentido admirable de las proporciones y la elegancia clásica. En todas ellas repite los pórticos hexástilos, cuya solución toma de los edificios palladianos. Tambíen a él se debe la remodelación actual de la Plaza Mayor de Madrid, tras el incendio de 1790, cerrando el viejo recinto urbano a través de grandes arcadas. En 1810, un año antes de su muerte, fue excavada la Gruta del Campo del Moro, uno de sus últimos diseños. Se trata de un pasadizo subterráneo, que se conserva parcialmente, mediante el cual se comunicaba la fachada occidental del Palacio Real de Madrid con los jardines de la Casa de Campo.

Observatorio astronómico de Madrid. 1790.
Jardín Botánico de Madrid. 1778-81.

MUSEO DEL PRADO. EL EDIFICIO.

Tal vez toda su obra se sintetiza y culmina en el actual Museo del Prado, en el que consigue conciliar la monumentalidad clásica, la modernidad de su tiempo y la funcionalidad de la obra. Se proyectó, segun planos de Villanueva de 1785 y 1787, como Gabinete de Historia Natural y así funcionó hasta su conversión en Museo en 1814. Este edificio resume a la perfección el estilo de Villanueva: predominio de las líneas rectas y disposición rigurosamente simétrica de los elementos arquitectónicos. El primer proyecto incluía un paseo porticado con exedras en los extremos y centrado con una rotonda que corría paralela a la fachada del edificio. Pero este diseño tan complicado fue simplificado en 1787, suprimiendo el paso porticado. Se trataba de un edificio de trazas monumentales con un cuerpo central flanqueado por largas alas laterales que terminan en pabellones cuadrados en cuyo interior se albergan rotondas. Así, tiene un cuerpo central porticado hexástilo con columnas toscanas, con un riguroso entablamento y una pronunciada cornisa con ático. Los dos cuerpos alargados laterales son de doble piso, abierto el inferior y el superior es una galería con columnas  jónicas.

Museo del Prado. Puertas de Murillo y Goya.

El interior del museo es abovedado en sus amplias salas centrales, destacando el armonioso efecto de la rotonda norte, configurada por ocho columnas jónicas y cubierta de bóveda acasetonada. Los materiales que emplea son fundamentalmente el granito y la piedra combinadas con gran equilibrio. Los elementos constructivos son los clásicos: columnas, entablamentos, arcos de medio punto, bóvedas en las galerías interiores y cúpulas. Pero se distingue claramente el tratamiento que da a la fachada y cómo resuelve el espacio interior para adecuarlo a su función.

MUSEO DEL PRADO. HISTORIA DE LA INSTITUCIÓN.

Uno de los aspectos difrerenciadores del Museo del Prado, equiparable en esto al Museo del Louvre de París y a la Galería de los Uffizi de Florencia, lo constituye el hecho que , desde sus comienzos, el fondo de la colección tuviera su origen en las colecciones reales; así, el Prado debe su origen a la afición coleccionista de las dinastías gobernantes a lo largo de varios siglos. Refleja los gustos personales de los reyes españoles y su red de alianzas y enemistades políticas, por lo que es una colección asimétrica, insuperable en determinados artistas y estilos, y débil en otros. Sólo desde el siglo XX se procura, con resultados desiguales, solventar las ausencias más notorias.
El hecho de que el edificio proyectado por Villanueva tuviera un aspecto externo sólido, señorial y, lo que es más importante, obedeciese a un claro concepto de uniformidad estética, también contribuyó al afianzamiento del museo en tanto que tal. Es evidente que se tomó el Museo del Louvre como referencia, pero no es menos cierto que el Prado tiene un carácter específico propio, derivado de su ubicación en pleno centro de Madrid, cerca de esculturas y plazas significativas, como puede ser la Cibeles.

Fernando Brambila. Vista de entrada al Museo desde el lado de San Jerónimo (Puerta de Goya). 1830.

El Museo se construyó en en reinado de Carlos III, pro dicha construcción no iba a ser concebida como una pinacoteca, sino que se trataría de un gabinete y museo de ciencias, completando el conjunto compuesto por el Jardín Botánico y el Observatorio Astronómico, todos en los jardines del Retiro. Villanueva concibió el edificio de norte a sur del Paseo del Prado; para ello tuvo en cuenta los criterios urbanísticos de la zona, integrando perfectamente la nueva construcción. Se trataba de una de las zonas más bonitas de Madrid, donde se reunía la nobleza y burguesía y donde se concentraban hermosos carruajes. La zona estaba repleta de árboles y monumentales fuentes como las de Cibeles, Apolo o Neptuno. El monarca aprobó los planos y se iniciaron las obras de inmediato. Desafortunadamente, cuando se estaba concluyendo la construcción del museo, la obra quedó paralizada debido a la Guerra de la Independencia. El edificio sirvió de cuartel de caballería y la estancia de las tropas napoleónicas produjo daños deplorables, dejándolo inservible para su cometido.
Fue el nieto de Carlos III, el rey Fernando VII quién aprobó la reconstrucción del mismo en 1818. En realidad, la idea de crear un gran museo de pintura que albergara las colecciones reales a surgió durante el reinado de Carlos III, cuando su pintor de cámara Antón Rafael Mengs sugirió al monarca tal posibilidad. Hay que tener en cuenta que hacia finales del XVIII se crearon muchos museos en Europa, empezando por el Louvre en París, hecho que contribuyó a tomar esta misma iniciativa en España. El mismo deseo tuvo el rey José I. Pero fue con Fernando VII cuando cuajó la idea de erigir el museo en el edificio destinado para el Gabinete de ciencias, culminándose el proyecto de Villanueva. Parece que la creación del museo fue posible en parte gracias al interés mostrado por la segunda esposa del rey, María Isabel de Braganza, quién impulsó el proyeco de crear el museo que albergara las colecciones reales (el escultor Álvarez Cubero hizo una estatua de la reina y que se colocó en el vestíbulo de la Puerta de Velázquez, como si aquella estuviera recibiendo a los visitantes).

Edificio Villanueva

 El interior del museo se realizó casi por completo durante el reinado de Fernando VII, bajo la dirección del Marqués de Santa Cruz. Este se inaugura en 1819 con el nombre de Museo Real de Pinturas, y contaba con 1510 obras, qunque sólo se exponían 311. El día de la inauguración no hubo ningún acto oficial ni siquiera el monarca asistió, debido a la reciente muerte de la reina María Isabel. Desde entonces, el museo seguía recibiendo cuadros, no sólo de las colecciones reales, también de donaciones y compras (se sabe que la primera compra fue "La Trinidad" de Ribera, que le costó 20.000 reales al rey. En 1828 se abrieron nuevas salas, con lo que aumentó el número de cuadros expuestos, ya no sólo españoles, sino también de las escuelas italiana, francesa y alemana. Se adquirió el Cristo de Velázquez y se hicieron las estatuas y alegorías de la fachada principal de los grandes artistas españoles. En la Regencia de María Cristina se recogieron varias obras de las órdenes religiosas desamortizadas; así se creó el Museo Nacional de la Trinidad, que acabó incorporándose años después en el Prado. En 1843 ingresó el famoso "Tesoro del Delfín", magnífica colección de obras de orfebrería y cristalería con materiales preciosos, que perteneció a Luís de Francia, el Delfín (no llegó a reinar y estas obras fue heredada por su segundo hijo, Felipe V, rey de España desde 1700.

La revolución liberal de septiembre de 1868 significó un antes y un después en la historia del museo. Tras destronarse a Isabel II, se formó una junta que gestionaba el patrimonio de la corona, pasando a estar el Museo Real de Pintura y Escultura bajo la tutela del estado, convirtiéndose entonces en un museo de carácter nacional. En 1870 ingresaron los cartones para tapices de Goya, Bayeu y Castillo, ascendiendo las colecciones del prado a 2.200 cuadros. A principios del siglo XX se montó la primera exposición monográfica de El Greco y se dotó al museo de un Real Patronato, cuya misión era llevar la gestión del patrimonio artístico. En 1920 Alfonso XIII sancionó un Real Decreto por el cual el Museo Nacional de Pintura y Escultura pasaba a denominarse Museo Nacional del Prado. En la II República, debido a las constantes donaciones de obras, los almacenes del museo quedaron desbordados y el gobierno de la República decidió ceder obras del Prado a diversos museos provinciales.

Con la Guerra Civil el Museo del Prado cerró sus puertas y las obras fueron recogidas y guardadas en su planta baja para protegerlas de los bombardeos. La Dirección General de Bellas Artes optó por sacar de Madrid las piezas más importantes, las trasladó primero a Valencia, después a Gerona y finalmente a Ginebra. Tras finalizar la guerra, en 1939 las obras volvieron al Prado. En 1941 se produjo la donación del político catalán y gran coleccionista, Francesc Cambó, compuesta por maravillosas tablas del Quattrocento italiano (Botticelli, Gaddi...), un bodegón de Zurbarán...

Añadir que hasta principios del siglo XX era tradicional que la dirección del Museo la ocupase un reputado y afamado pintor; así, por la dirección del Prado han pasado artistas tales como Vicente López, José Madrazo, Antonio Gisbert, Federico de Madrazo, Francisco Pradilla, José Villegas, Aureliano de Beruete o Fernando Álvarez de Sotomayor. Incluso Pablo Ruíz Picasso fue nombrado director en plena Guerra Civil, aunque nunca llegó a tomar posesión del cargo.

Planta del Edificio Villanueva

Ya con la democracia, el Casón del Buen Retiro fue adscrito como dependencia del Museo del Prado (algunas salas de exposición, además de laboratorio fotográfico y gabinete de dibujos). En 1981 se consiguió que el Guernica de Picasso estuviera expuesto en el Prado. En 1984 se abrieron las salas 34 a 38, que contenían una parte importante de la obra de Goya. Pero la ampliación del museo, seguía siendo de vital importancia. Con la apertura del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, el Guernica se trasladaría a aquel, perdiendo el Prado una de sus obras más emblemáticas. En 1995 se decide ampliar el museo y se abre un concurso internacional para su ampliación: esta se haría utilizando el edificio correspondiente al Museo del Ejército, además de dos construcciones de nueva planta, una en el Claustro de los Jerónimos y otra en el solar que quedaba entre el edificio de Villanueva y el Claustro (40.000 m2 más). Destacar que en 1998 las compañías públicas que iban a ser privatizadas (Argentaria, Telefónica y Tabacalera) cedieron en depósito su patrimonio artístico (importante fue el legado de Argentaria, con más de 3000 piezas, destacando obras de Goya, Murillo, Van Dyck, Valdés Leal, Carreño de Miranda o Sorolla, entre otros).

El concurso de ampliación fue adjudicado a Rafael Moneo, quién tuvo problemas para llevar a cabo sus ideas, tanto con el Arzobispado de Madrid, como con el Gobierno autónomo de la Comunidad de Madrid.

En la actualidad, además del Edificio Villanueva (con sucesivas reformas de Pascual y Colomer, Jareño o Chueca y Goitia), hay que contar con otras sedes o edificios:
-- Edificio Jerónimos: Siguiendo el proyecto de Rafael Moneo, en 2007 se culminó la mayor ampliación del Museo en sus casi doscientos años de historia. Esta ampliación no supuso cambios sustanciales para el Edificio Villanueva, y se plasmó en una prolongación hacia el claustro de los Jerónimos (el llamado Cubo de Moneo) a fin de que el museo contase con espacio suficiente para sus crecientes necesidades. La conexión entre ambos edificios es subterránea, pues aprovecha y cubre el desnivel entre los Jerónimos (calle Ruiz de Alarcón) y el Paseo del Prado. El traslado de los almacenes y equipos científicos al Cubo de Moneo liberó 25 salas del edificio principal que serán acondicionadas gradualmente. Los responsables del museo estiman en un 50% el incremento de obras expuestas, es decir, unas 450-500, que se podrán contemplar en nuevas salas del edificio Villanueva. En octubre de 2009 se abrieron los nuevos espacios dedicados al arte del siglo XIX, desde los últimos neoclásicos hasta Sorolla, incorporando tales corrientes artísticas, a menudo subestimadas, al discurso expositivo del Museo.

-- Casón del Buen Retiro: el hoy conocido como Casón es una de las dependencias del antiguo Palacio del Buen Retiro que han llegado a nuestos días. Concebido como Salón de Bailes de dicho palacio, quedó muy malparado tras la Guerra de la Independencia, tras ser ocupado y parcialmente destruido por las tropas francesas. La parte subsistente, ya como edificio autónomo y separado de lo que fue el antiguo palacio, fue objeto de varias reformas a lo largo del siglo XIX. Quedó adscrito al Prado en 1971, albergando desde entonces la sección correspondiente al arte del siglo XIX. Tras la ampliación de Moneo, las pinturas del XIX y las exposiciones temporales pasaron al edificio de los Jerónimos, quedando el Casón, tras una gran remodelación a principios de la actual década, que incluía la bóveda pintada por Luca Giordano, a ser el Centro de Estudios de El Prado, albergando la Biblioteca y la Sala de lectura.

-- Salón de Reinos: Correspondiente al ala principal del antiguo Palacio del Buen Retiro, recibe su nombre por haber albergado originalmente el Salón de Reinos o de Embajadores, donde el rey recibía a los dignatarios extranjeros; dicho espacio se concibió como una escenográfica puesta en escena de la monarquía española, con grandes lienzos de Velázquez, Maíno o Zurbarán. Tras la casi total destrucción del palacio, esta parte del mismo fue destinada a albergar el Museo del Ejército, y muy modificada para dicho fin. En el concurso internacional para la ampliación del Museo del Prado, ya se preveía la adscripción al mismo de este edificio, para lo cual se ordenó el traslado del Museo del Ejército al Alcázar de Toledo. Se destinará tanto a exposiciones temporales como a exhibir obras de la propia colección permanente del Museo.

-- Edificio Aldeasa: Situado junto al Claustro de los Jerónimos, se trata de un edificio de oficinas de factura contemporánea. Perteneciente al Patrimonio del Estado, estuvo inicialmente asignado a la empresa de dicho nombre, entonces de propiedad estatal, hasta que fue privatizada en 1997. Fue entonces adscrito al Prado, para instalar en él las oficinas del Museo, hasta entonces ubicadas en la segunda planta del ala sur del edificio Villanueva.

-- Palacio de los Águila en Ávila: Este edificio abulense, conocido como Casa de Miguel del Águila, por quien mandó construirlo en 1546, o, más comúnmente, Palacio del Águila, pasó luego al Duque de Valencia, quién lo legó al Estado. Fue adscrito al Museo de Ávila, pero luego cambió la adscripción, pasando a estar asignado desde entonces al Museo del Prado. De este modo, este antiguo palacio de típica cantería abulense pasaba a ser la primera sede del Prado fuera de Madrid, siendo destinado a acoger el Centro de Gestión de Depósitos.

Las habituales limitaciones de espacio explican que el museo exhiba una selección de obras de máxima calidad (unas 900 pinturas), del total de más de 7.800 que tiene en su inventario, Gracias a la reciente ampliación de Rafael Moneo, se prevé que la selección expuesta crezca en un 50%, con unas 450 obras más.

Como es natural, la sección más importante es la de pinturas y dentro de esta, la escuela española, con más de 4.600 piezas, no sólo es la más nutrida del Museo, sino que constituye también la colección más importante numérica y cualitativamente que de esta escuela existe en el mundo.Cronológicamente abarca desde murales románicos del siglo XII hasta el final del siglo XIX. Destacan la sección de pintura gótica (Bermejo, Gallego...), el barroco ( destacando la amplia presencia de Velázquez, seguidos de Murillo, Ribera, Zurbarán, Alonso Cano, Maíno...), los Goyas y algunos pintores del XIX, como Vicente López, los Madrazo, Esquivel... 

Importantísima también es la escuela italiana, con alguna tabla gótica, importantisimos cuadros del Renacimiento (destacando especialmente los venecianos, como Tiziano, Veronés o Tintoretto, pero también Fra Angélico, Botticelli, Mantegna, Andrea del Sarto...), pintores barrocos (caravaggio, Carracci, Gentileschi, Reni, Giordano...) y algunos del XVIII (Giaquinto, Tiépolo y Canaletto). También está muy bien representada la escuela flamenca, destacando los primitivos flamencos (Robert Campin, Van der Weyden, Memling, El Bosco, Patinir...) y pintores del XVII, es especial Rubens, del que se conservan 90 pinturas, además de Van Dyck, Jordaens o Brueghel el Viejo.

La escuela francesa es la cuarta más representada, especialmente de pintores del XVII y XVIII, como Lorena, Poussin, Watteau, Rigaud o Boucher. De la escuela alemana destacan los Durero o Cranach, además de las obras del pintor neoclásico A. R. Mengs. Muy reducida es la presencia holandes, con un Rembrandt, un bodegón de Claesz y obras de Van Ostade, Ruysdael... De la escuela británica sólo tenemos algunas obras de los paisajistas de finales del XVIII y principios del XIX: Gainsgourough, Reynolds, Lawrence...
Además, el Museo dispone una sección de escultura, con algún ejemplo de obras grecorromanas, pero destacando obras de Juan de Bolonia, Ammannati, El Greco, León y Pompeyo Leoni, y escultores españoles del XIX, como Álvarez Cubero o Mariano Benlliure.

Otras secciones son las de Dibujos y Estampas y la de Artes Decorativas.

José Álvarez Cubero. La Reina María Isabel de Braganza. 1826.