LA ESTÉTICA ROCOCÓ Y LA TRANSICIÓN AL NEOCLASICISMO

THE BEAUTY AND THE TRANSITION TO ROCOCO NEOCLASSICISM

Jacques Gabriel. Hotel Biron (actual Museo Rodin). París.1728-31.

Cuando va acabando el siglo XVIII, el arte Barroco va languidenciendo también y empiezan a aparecer reacciones más clasicas frente al abigarramiento del último barroco.

Podemos catalogar el siglo XVIII como un siglo convulso y a la vez preludio de muchas cosas. Convulso, ya que se va a producir el cambio del Antiguo Régimen por la nueva sociedad liberal. Es el siglo de las Revoluciones (la independencia de EEUU y la primera constitución de la historia; la Revolución francesa de 1789). Preludio ya que muchas de las nuevas ideas que aporta la Ilustración germinarán y se desarrollarán en el siglo siguiente: la igualdad entre los seres humanos, la libertad y el poder de decisión del pueblo nace en las mentes de los grandes filósofos ilustrados del XVIII: Voltaire, Montesquieu o Rousseau.

En el terreno del arte, el siglo XVIII se mueve entre dos estilos: convive un arte aristocrático y cortesano, el Rococó, con el estilo Neoclásico, más expresivo de la burguesía, que encontrará en él la plasmación artística de sus ideales renacentistas. En este siglo, y sobre todo en Francia, el arte aristocrático fue asociado con el Rococó, por eso, a medida que transcurre el siglo, y cuando la clase media se dispone a arrebatar el poder a la nobleza y al rey, no duda tampoco en acabar con un arte que simbolizaba el poder y el lujo de las clases privilegiadas. Por eso, ya desde mediados de siglo, Diderot atacaba este estilo y recomendaba la serenidad del arte antiguo.

ARTE ROCOCÓ

Durante mucho tiempo el Rococó venía estudiándose como la culminación del Barroco, como el epílogo de tal estilo. Sin embargo en la actualidad ha ganado autonomía, realizando un progreso equiparable al efectuado por el Manierismo. El Rococó es en buena parte creación francesa, surgido en el ambiente refinado y frívolo de la Regencia del Duque de Orleáns, durante la minoría de edad de Luis XV, y mantenido en el reinado de éste. El Rococó dejará de ser un arte regio para ser preferido por la aristocracia y la alta clase media, amantes de un estilo mundano, atractivo, íntimo y delicado. El nuevo gusto, a mitad de camino entre aquel barroco cortesano y el prerromanticismo burgués, encontrará en el Rococó el necesario estilo puente que conduzca a una posición alejada de los lenguajes formales barrocos y en mayor grado del Renacimiento. Al sentido mayestático y heroico de la época versallesca de Luis XIV, sucede una ligereza, fragilidad y gracia cortesana con gusto refinado, frívolo y juguetón, enormemente decorativo, que gusta de temas como las fiestas galantes, las aventuras amorosas, fiestas campestres y temas mitológicos de Venus y el Amor.

Dos ejemplos de rocalla (rocaille)

Desde el punto de vista formal, lo más característico es la utilización de un tipo de decoración con forma mixta de palmeta y de concha (rocaille y coquille que darán origen al término rococó), la Rocalla, de gran aceptación para ornamentar interiores y grandes lienzos de paredes. La rocalla es un elemento asimétrico de aspecto cartilaginoso, mitad vegetal, mitad calcáreo, cuyo bordo se enrolla o enrosca en torno a una escena bucólica o un espejo. En sus motivos ornamentales llama la atención la asimetría, el uso de curvas y contracurvas, elementos de rica policromía y abundantes dorados. Esta estética recargada está presente en iglesias y conventos, en esculturas y pinturas, pero será en las artes decorativas donde llegue a su máxima expresividad. El gusto rococó, que se manifiesta en los encargos de corte, príncipes, reyes y alta aristocracia y burguesía, llega a las clases populares que prefieren recargamientos y ricos dorados.

En España el rococó tiene importancia porque es el momento en que se realizan los interiores de los palacios reales. Se crean incluso manufacturas regias para atender la demanda de objetos decorativos: las porcelanas del Buen Retiro, los vidrios de la Granja y la Real Fábrica de Tapices de Santa Bárbara.

ARQUITECTURA

Se impone la acumulación de elementos decorativos barrocos (líneas ondulantes, elementos irregulares...), pero con un nuevo sentido galante y refinado, centrados en cosas y objetos pequeños. En el exterior los edificios tendrán una estructura simple, mientras en el interior se desborda la decoración. Ahora, el palacio urbano será cómodo e íntimo, en contra del palacio mayestático y de esplendor barroco. También es perceptible el gusto por los chineros o estética china (porcelanas, telas...). Por otro lado, se sustituyen los edificios solemnes por saloncitos y gabinetes pequeños, así como los mármoles son sustituidos por estucos, tallas y porcelanas.

FRANCIA. A pesar de ser el punto de origen del Rococó no son tan numerosos los edificios como en el sur de Alemania.

-- J. Gabriel es el arquitecto francés que mejor encarna este estilo.  En los exteriores es un arquitecto neoclásico, mientras en los interiores desborda por su gracia y delicadeza inventiva. Obras suyas son el Petit Trianon deVersalles y el Hotel Biron de Paris.

-- Una obra maestra del urbanismo rococó es la Plaza Stanislas de Nancy, con verjas, fuentes y bancos de complicada traza.

Enmanuel Heré de Corny. Plaza Stanislas de Nancy (Francia) - Detalle. 1752-55.

ALEMANIA. En los países germánicos tuvo un gran desarrollo la arquitectura rococó dieciochesca. Ahora se construyen palacios, invernaderos y caballerizas rodeadas de grandes jardines que siguen el modelo de Versalles. El Rococó se volcará en escaleras de palacios o conventos, en balaustradas esplendidas y en los vestíbulos de salones.

--François Cuvilles decora palacetes, salones y jardines en el Palacio de Nymphenburg de Munich, con elegancia femenina y delicada decoración.

-- Baltasr Neuman hace una arquitectura esencialmente alemana, donde la arquitectura, la escultura y la decoración se funden armoniosamente creando unos luminosos y sugestivos espacios, amplios y ordenados, llenos de riqueza pero dentro de la más delicada exquisitez. Utilizará estructuras apoyadas en los modelos fantásticos de un Guarino Guarini, pero decoradas con toda la fantasía del nuevo estilo. Destaca su Iglesia de los catorce Santos en la Alta Franconia y el Palacio de la Residencia del Obispo de Wüzburgo (con los frescos pintados por Tiepolo).

-- Johan Michel Fischer realiza la más alta y bella obra del rococó alemán, como es la remodelación de la Abadía benedictina de Ottobeuren en Suabia.

François de Cuvilliés. Palacio de Nymphenburg. Munich. 1664.75.

Baltasar Neumann. Iglesia de los catorce santos en Vierzehnheiligen (Alemania). 1743-53.

ESPAÑA. Tras el advenimiento de la dinastía borbónica, sustituye la tradicional manera barroca por la adopción del gusto refinado francés. El Rococó español encontró un terreno abonado por la herencia de los Churriguera, y su influjo se reflejó especialmente en los interiores de los palacios barrocos que se construyen en esta época, como los de la Granja o Aranjuez.

 Así, a la vez que se desarrolla la arquitectura barroca en la primera mitad del siglo, surge un arte muy vinculado a modelos extranjeros. El incendio del Viejo Alcázar de Madrid en 1734 facilitó a Felipe V la realización deun Palacio Real nuevo. Se hizo venir a Filippo Juvara, que hizo un eneorme proyecto inspirado en motivos berninescos y versallescos. La obra la realizó su discípulo Sachetti, pero el largo proceso de su construcción permitió qu la decoración recibiese claros influjos del rococó francés (Salón de porcelanas, por ejemplo). Juvara proyectó también el Palacio de la Granja (Segovia), de tono más íntimo y refinado, con maravillosos jardines, donde se unen el  trazado geométrico francés on el parque natural a la inglesa.

Fuera del ambiente cortesano, el rococó español es muy pobre y no admite comparación con el francés o el alemán, aunque algunos motivos decorativos de ese carácter, pueden señalarse en arquitectos como Jaime Bort o Narciso Tomé.

-- Es destacable el Salón Gasparini del Palacio Real de Madrid.

ESCULTURA

Pocas son las esculturas que pueden calificarse de Rococó, ya que son una evolución del Barroco o una mezcla de Neoclasicismo y Barroco. En el terreno escultórico, el gusto por los objetos pequeños, refinados, expresan mejor que las obras monumentales el gusto rococó, que tiene una gran valoración de las llamadas artes menores (porcelanas, espejos, vidrio, cerámicas, muebles...).

FRANCIA. En este país perdura el deseo de magnificencia en los elementos sepulcrales y estatuas conmemorativas, auque el retrato es íntimo y profundo.

-- Edmé Bouchardon es autor de grandes monumentos funerarios con alegorías macabras, a pesar de ser un escultor de severa gracia clásica.

-- Étienne Falconet fue director de las Manufacturas reales de porcelana en Sevres y protegido de la Marquesa de Pompadour. Su estilo es dulce, algo tímido y elegantemente erótico (influenciado por Boucher. Es autor de la delicada Muchacha bañándose.

-- Jean-Antoine Houdon es el retratista genial de las sociedad prerrevolucionaria, profundizando en el interior de sus personajes. Es el autor de los retratos de Voltaire, Rousseau, Lafayette...

Étienne Falconet. Muchacha bañándose. 1765. Museo del Louvre. París.

j.A. Houdon. Retrato de Voltaire. 1778. National Gallery de Washington.

ITALIA. Podría considerarse rococó la Fontana de Trevi (Bracci, Della Valle y Schaffino).

ALEMANIA.  Destaca por la riqueza inventiva y el carácter de nervioso dramatismo, utilizando la madera decorativa para obras exquisitas y frágiles.

-- Egidio Asam es el mejor escultor, autor del Retablo mayor del Convento de Rhor.

ESPAÑA. Nuestra nación está copada por artistas italianos y franceses, sólo puede destacarse a Juan Pascual de Mena (autor de la Fuente de Neptuno de Madrid, así como estatuas de reyes hispanos en el Retiro madrileño), Álvarez el Griego y Francisco Gutiérrez.

 Juan Pascual de Mena. Fuente de Neptuno. Madrid. 1785.

PINTURA

Se abandonan los grandes temas y los grandes formatos, prefiriéndose lo íntimo y lo pequeño. Abundan los temas que aluden a la vida cotidiana, a lo placentero y lo galante(redescubrimiento de la naturaleza, de la vida campestre y amable...).

FRANCIA. Un ambiente refinado, galante, picaresco y sensual invade la pintura de caballete, con una temática basada en la realidad cortesana, interpretando la mitología de modo sugerente y con una fuerte carga erótica.

-- Antoine Watteau es el representante más exquisito, cantor de la vida alegre de la corte francesa, con escenas de cortejo amoroso y diversiones, en un ambiente idílico y bucólico. Es el creador de las fiestas galantes, inspirándose en la comedia italiana. Por otro lado, busca  el contacto con la naturaleza (paisajes) y personajes con ricas telas, donde todo es muy colorista. Su obra más representativa es Embarque para Citerea. Otras son Gilles, Los placeres del baile...

-- François Boucher es el pintor de la sensualidad femenina. Realizó abundantes lienzos mitológicos, llenos de desnudos de dioses, delicados e incitantes, voluptuosos y de amorcillos juguetones, de lo más característico del Rococó, con una técnica muy detallista y cuidada. Obras suyas son Nacimiento de Venus y Baño de Diana.

A. Watteau. Embarque para Citerea. Óleo sobre lienzo. 130 x 192 cm. 1718. Schloss Charlottenburg. Berlín.

F. Boucher. Diana en el baño. Óleo sobre lienzo. 57 x 73 cm. 1742. Museo del Louvre. París.

-- Jean-Honoré Fragonard es ya un precursor del Romanticismo, simultaneando los temas galantes con otros de temática sentimental y amorosa. Su técnica, extraordinariamente libre, resulta de las más modernas y personales. Una obra interesante es El columpio.

-- Maurice Quentín La Tour fue un gran retratista, buscando en sus cuadros la expresión psicológica. Era un pintor muy detallista. Destaca su Autorretrato.

-- Pintores como Chardin o Greuze reflejan la vida doméstica de las clases medias y humildes, cultivando el sentimentalismo. De Greuze es digno de mencionar El Cántaro roto.

J.H. Fragonard. El columpio. Óleo sobre lienzo. 82 x 65 cm. 1768. Colección Wallace. Londres.

M. Quentín Latour. Autorretrato. Pastel. 64 x 53 cm. 1750. Museo de la Picardía de Amiens (Francia).

ITALIA. Se produce un movimiento de reacción frente al desaforado barroquismo de fines del sligos XVII, perdiendo Italia la absoluta primacía artística que gozaba desde el Renacimiento. En Venecia es donde están los mejores pintores de la época.

-- Giambatista Tiépolo es el más grande decorador del siglo, que sabe resucitar la opulencia y el colorismo de Veronés y reinterpretarlo en tono barroco rococó. Su pintura se caracteriza por su gran colorido y su exhuberancia decoradora, recibiendo encargos de varias cortes europeas. Tenía una gran facilidad para el dibujo. Sus composiciones son etéreas, llenas de gracia. Sus techos pintados, de efecto ilusionista, engañan a la vista y parecen abiertos al cielo. Su colorido es más claro y ligero que el de Tiziano o Rubens, con tonos nacarados, si bien maneja el pincel con soltura, sin buscar un efecto liso como Mengs y otros pintores neoclásicos posteriores. Es el pintor de frescos en palacios e iglesias con un estilo majestuosos enmarcando en espacios fantásticos y cielos coloreados. Las bóvedas de las salas de la Residencia de Wüzburg (Alemania) suponen la apoteosis de cielos con nubes y carros. En España destaca la Bóveda del Salón de Reinos del Palacio Real de Madrid.

-- Canaletto (Giovanni Canal) es el pintor que desarrolla las vistas urbanas de Venecia, descritas con minuciosidad y gracia (se llevaba horas observando y tomando apuntes), rebosantes de vitalidad. Insiste sobre todo en los aspectos descriptivos y arquitectónicos con prodigioso dibujo. Tiene una concepción barroca del paisaje, con la profundidad, conseguida al colocar conjuntos urbanos al fondo y el canal en medio o primer plano, y los efectos de luces sobre los palacios, con una técnica suelta y ligera. La luz tiene gran importancia y sus cielos son en general nubosos y plomizos. Entre sus muchas vistas, destacan La Aduana de Venecia y La plaza de San Marcos.

-- Francesco Guardi es un pintor más disolvente en la factura y más agitado en las formas. Estudia la luz con una técnica ligera, casi impresionista.

-- En Nápoles destaca el pintor Corrado Giaquinto

G. Tiépolo. Apoteosis de la familia real española. Pintura al fresco. 1762-66. Palacio Real. Madrid.

Canaletto. El Gran Canal de Venecia. Óleo sobre lienzo. 1730-31. Galeria degli Uffizi. Florencia

INGLATERRA.  En este país continúa la tradicional atención prestada al retrato desde el siglo XVI. Las obras son de temática profana, rehuyendo incluso las representaciones bíblicas. El retrato inglés es lo que predomina, caracterizado por su elegancia, buen porte y distinción.

-- William Hogarth es el gran maestro de la sátira política y social. Criticó en sus cuadros los vicios de las sociedad del momento, incluida la política, con ilustraciones de gran viveza y colorido al estilo de los comics. Se opone a la pintura italiana de Vírgenes, Sagradas Familias, etc. Entre sus obras destacan Muchacha vendedora, La mañana o Matrimonio a la moda.

-- Josuah Reynolds es el prototipo del artista culto, que viaja por Europa y funda la Academia inglesa. Sus obras son de Excepcional perfección, preocupándose por la belleza, un tanto idealizada, de sus modelos (en especial la belleza femenina). Obra suya es Retrato del niño Hare.

-- Thomas Gainsborough es el pintor inglés más intuitivo y genial. Fue un excelente retratista, en especial de niños y también pintor real, además de tener una selecta clientela. A sus retratos les infundía un movimiento y una vibración psicológica que los separaba de cualquier pose académica. Junto al retrato, cultiva el paisaje, de fuerte influencia flamenca, y antecesor de los grandes paisajistas ingleses del XIX (Turner, Constable). Prefirió siempre situar a sus personajes en ambientes naturales, a los que representa con una encantadora visión poética. Se caracterizan por la noble y refinada elegancia de las figuras, el encanto poético y los colores fríos, principalmente verdes y azules, de pincelada suelta, delgada y larga en su trazo. Sus obras están imbuidas de melancolía poética, efecto logrado a través de una luz muy tenue. Obras suyas son Lady Howe o El paseo matinal.

W. Hogarth. Matrimonio a la moda II. La cita. Óleo sobre lienzo. 70 x 91cm. 1745. National Gallery. Londres.

T. Gainsbourough. El paseo matinal Óleo sobre lienzo. 236 x 179 cm. 1785. National Gallery. Londres.

ALEMANIA. Destaca la pintura decorativa de bóvedas con refinamientos rococó y exuberancia decorativa, en pintores como Cosme Asam y Zimmermann.

-- Rafael Mengs es el mejor pintor de caballete. Como retratista se mueve dentro del refinamiento rococó, pero en sus composiciones mitológicas y religiosas es un pintor neoclásico.

ESPAÑA. La venida de la nueva dinastía borbónica significó un gran cambio en los gustos y en las actividades artísticas. El papel monopolístico de la iglesia como único cliente, cede un tanto. Aparecen nuevos temas como el retrato burgués y aparecen temas clásicos, mitológicos e históricos, a la par que los motivos de género y de asuntos populares van a tener un amplio desarrollo en el último tercio del siglo.

-- Los extranjeros en la corte. La carencia de artistas de gran porte capaces de satisfacer los gustos de los reyes de la nueva dinastía, propició desde muy pronto la venida de pintores franceses e italianos para servicio de la corte. Es el caso de Louis-Michel Van Loo, que introduce el retrato cortesano elegante y recargado. Fue pintor real de Felipe V y hace La familia de Felipe V, obra aparatosa y teatral. M.A. Housse es un artista singular; cultivó el paisaje con modernidad y en sus cuadros de costumbres anticipó a Goya. El italiano Giaquinto trabajó para Fernando VI. Gran decorador al fresco, inclinado hacia un delicado rococó.

L.M. Van Loo. La familia de Felipe V. Óleo sobre lienzo. 408 x 520 cm. 1743. Museo del Prado. Madrid.

-- Los pintores españoles de la 2ª ½ del siglo. Destacan muchos pintores que hacen bellos cartones para la Real Fábrica de Tapices Santa Bárbara, como José del Castillo, Francisco Bayeu o Salvador Maella. Pero, sin duda, los dos más destacados son:

-- Luis Paret fue un exquisito pintor de lienzos pequeños chispeantes de gracia, de observación y de refinadísima técnica, que constituyen la principal aportación española al rococó, y un documento de primer orden sobre la vida española de su tiempo; cultiva el paisaje con figuras y escenas de género. Algunas obras suyas son La fiesta de las parejas reales en Aranjuez o El baile de máscaras.
-- Luis Meléndez comienza haciendo estupendos retratos y luego se especializa en naturalezas muertas, siendo tal vez el mejor bodegonista de nuestra historia, con una sobriedad e intensidad que parecen heredadas del siglo XVII.

Luis Paret. Las parejas reales. Óleo sobre lienzo. 232 x 367 cm. 1770. Museo del Prado. Madrid.

Luis Meléndez. Naturaleza muerta con melón y peras. Óleos sobre lienzo. 1772. Museo de Bellas Artes de Boston.