ARTE TORREHERBEROS: mayo 2010
RICHARD ESTES. "Water Taxi, Mount Desert". Óleo sobre lienzo. Kemper Museum of Contemporary Art, Kansas City (Missouri).


BIENVENIDOS A TODOS Y TODAS. Este blog nace con la única pretensión de complementar y facilitar las tareas a los alumnos/as de Historia del Arte de 2º de Bachillerato del IES Torre de los Herberos de Dos Hermanas (Sevilla), así como hacer pasar un rato agradable a todos los amantes del arte. No tiene ninguna otra pretensión intelectual. De los textos es responsable el administrador del Blog, no así de las opiniones expresadas en los comentarios. Las imágenes o fotografías, videos y presentaciones están tomadas de internet mayoritariamente, citando la autoría siempre que ha sido posible; si en alguna de ellas no aparece, es por error o descuido, y ruego que me lo hagan llegar para subsanarlo. Casi todo lo que aparece en estas páginas es libre y abierto, y se puede descargar para otros fines, pidíéndose únicamente que se cite la procedencia.





lunes, 31 de mayo de 2010

ESTADÍSTICA DE TEMAS Y LÁMINAS DE ARTE EN LA SELECTIVIDAD ANDALUZA



Aunque las estadísticas no sirvan para nada a la hora de la verdad, quiero dejaros lo que más ha caído en la prueba de Historia del Arte en la Selectividad andaluza en los últimos diez años, desde 2001 hasta el curso pasado. Tenéis que tener en cuenta que cada año prepara los exámenes una de las nueve universidades andaluzas, y cada universidad prepara seis modelos de exámenes, de los cuales se escoge uno para junio y otro para septiembre. Estos resultados estadísticos están sacados del recuento de los seis exámenes de cada año, y no de lo que en verdad ha salido cada junio y cada septiembre.
Si queréis consultar todos los modelos de exámenes, así como los criterios de corrección, consultad el siguiente enlace de la Consejería de Innovación, Ciencia y Empresa, o este otro de la Universidad de Jaén. En ambos enlaces se pueden consultar también las orientaciones que da el Distrito Único Andaluz para la prueba de Historia del Arte.
Por último, es conveniente respasar los Consejos para hacer la prueba de Historia del Arte, que os dejé en otra entrada reciente.

PREGUNTAS TEÓRICAS


                                    TEMA                                                                                    Nº VECES

1)   Arte califal: la Mézquita de Córdoba                                                                       12
2)  La escultura y pintura románicas                                                                            10
3)  La arquitectura románica: la iglesia de peregrinación y el monasterio                9
     Francisco de Goya                                                                                                         9
     La escultura barroca: Bernini                                                                                      9
4) Arquitectura egipcia: la tumba y el templo                                                               8 
    La escultura romana: el retrato y el relieve histórico                                              8
5) La gran imaginería barroca: Castilla, Andalucía y Murcia                                      7
6) Los edificios bizantinos y la cúpula: Santa Sofía de Constantinopla                      6
    La escultura románica                                                                                                 6
    Los primitivos flamencos del siglo XV: los Van Eyck                                              6
    Escultura del Quattrocento italiano: Donatello y Ghiberti                                     6
    Postimpresionismo: Cezanne, Gaughin y Van Gogh                                               6
7) El templo griego: el Partenón                                                                                    5
    Arte Nazarí: la Alhambra y el Generalife                                                                 5
    Características generales de la arquitectura gótica: la Catedral                           5
    El Greco                                                                                                                        5
    La arquitectura barroca italiana: Bernini y Borromini                                          5
    La pintura flamenca en Flandes y Holanda: Rubens y Rembrandt                     5
    La pintura barroca española del realismo: Velázquez / Vel. Y Murillo               5




LÁMINAS PARA COMENTAR


En cuanto a las láminas, éstas son las que más han caído:


6 veces




Haram de la Mezquita de Córdoba y Ville Saboye, de Le Corbusier.


5 veces



Hermes con el niño Dionisos, de Praxíteles y Señoritas de Avignon, de Picasso


4 veces







El faraón Mikerinos, la diosa Hathor y la deidad de un nomo, y el Partenón de Atenas


 

La Piedad del Vaticano, de Miguel Ángel y la Escuela de Atenas, de Rafael



Apolo y Dafne, de Bernini y Las hilanderas, de Velázquez 




En el Moulin de la Gallette, de Renoir y Casa sobre la cascada, de Whright 


3 veces


Escriba sentado del Louvre y Grupo escultórico del Laooconte, de la Escuela de Rodas



Pórtico Catedral de Santiago de Compostela  y Maiestas Mariae de Santa María de Tahull 












Interior Santa Sofía de Constantinopla y Patio de Comares de la Alhambra de Granada



Patio de los Leones de la Alhambra de Granada e Interior de la Sainte Chapelle de París




La primavera, de Botticelli y Moisés, de Miguel Ángel









La Ronda de noche, de Rembrandt y Los jugadores de cartas, de Cézanne




 
Mucha suerte a todos y todas


jueves, 27 de mayo de 2010

LA ESCUELA DE PARÍS


Marc Chagall. París a través de mi ventana. Óleo sobre lienzo (136 x 141´5 cm.). 1913. Guggenheim Museum. Nueva York.

Hoy conocemos por el nombre de Escuela de París a un heterodoxo grupo de artistas, franceses y extranjeros, que  trabajaron en la ciudad de París en el período de entreguerras (1915-1940), contribuyendo estos artistas al nacimiento y desarrollo de la vanguardia. Estos artistas no formaban un grupo común, ni tenían un ideario artístico, perteneciendo y estando vinculados a diversos estilos artísticos, tales como el posimpresionismo, el expresionismo, el cubismo e, incluso, el surrealismo.  
A finales del siglo XIX, el creciente prestigio de las nuevas escuelas había empezado a atraer a París a los artistas extranjeros (Sisley, Van Gogh, De Vleaminck...), iniciando un proceso que se acelerará a principios del XX. Todos ellos se van a aglutinar o agrupar en dos barrios, Montmartre y Montparnasse. En Montmartre la mayoría se instalarán en el extraño edificio llamado "le Bauteau-Lavoir", en el que Picasso mostró a algunos amigos "Las señoritas de Avignon", dando origen al cubismo. En este barrio, la famosa colina de París, monte de Marte para los incrédulos y de los Mártires para los creyentes, es donde se concentran mayor número de artistas extranjeros, algunos hijos de buena familia pero que viven en condiciones de extrema miseria, atiborrados de alcohol y drogas, y muchos con tuberculosis. Es el barrio que contribuye a la fábula y la realidad de la bohemia, con gran número de cabarets, frecuentado por artistas, poetas y mujeres liberales que ejercen de modelos y amantes. El café más famoso será "le Lapin Agile", una de cuyas salas es decorada por Picasso, quién también pintó el lienzo "En el Lapin Agile. Muy frecuentado también en el barrio es el Circo Medrano. Aquí vivirán Picasso, Derain, Van Dongen, Dufy, Braque, Ramón Casas, Utrillo, Modigliani y Apllinaire.
 Em 1914 la mayoría de los artistas se trasladan al otro barrio, Montparnasse. Este es un barrio nuevo, que se pone de moda, en el que viven artistas de todo el mundo: Delauny, De Chirico, Modigliani, Marquet, Picasso, Gargallo, Gris, Chagall, Fujita, Léger y Brancusi, así como escritores (Stein, Apollinaire, Hemingway) y marchantes (Vollard o Kahnwailer). En Montparnasse se encuentran en los cafés del cruce rue Vavin-boulevard Raspail ("Dame", la "Rotonde", "Coupole"), en el restaurante "Rosalie", mientras los más pobres viven en una extraña construcción circular llamada "la Rouche". Son cafés más elegantes y cosmopolitas que los de Montmartre. Gracias a la diversidad de su población (rusos, italianos, españoles, escandinavos, japoneses, americanos...), Montparnasse se caracteriza por la gran libertad de costgumbres; las mujeres, que reivindican su igualdad con los hombres, visten pantalones, llevan el pelo corto, fuman, beben y son independientes. Conviven con grandes artistas y poetas, pero tratan de hacer un arte propio, como Marie Lurencin, Gertrude Stein o Marie Blanchard.





Marc Chagall. Yo y la aldea. Óleo sobre lienzo (192,1 x 151,5 cm.). 1911. Museo de Arte Moderno. Nueva York.
Marc Chagall. El cumpleaños. Óleo sobre lienzo. 1915. Museo de Arte Moderno. Nueva York.

La aparición del Fauvismo en 1905 y del Cubismo en 1907 y el paso fulgurante de los Ballets Rusos crean un clima excepcional de experiencias que se verá frenado por Gran Guerra de 1914, aunque sin sufrir una interrupción total. Al terminar el conflicto bélico, aquel clima artístico cobra nuevo vigor, con una turbulencia un tanto desordenada, con nuevas tentativas en búsqueda de nuevas expresiones. Son los primeros pasos del arte abstracto, la explotación del cubismo, del fauvismo y del expresionismo, que dejan de ser algo excepcional gracias a una difusión cada vez mayor, y cuya búsqueda de la originalidad se convierte en habitual.
Otros artistas procedentes de Europa Central o de Rusia, judíos en su mayor parte, aportan un acento más atormentado por su temor o huída de las persecuciones, y  atraídos por el espejismo de la independencia. Inquietos y melancólicos dan a sus pinturas un giro muy especial, una atmósfera de vida ardiente y de trágico dramatismo.
Chaim Soutine (1894-1943, natural de la actual Bielorrusia) era un libertino con ganas de autodestruirse, que además destrozaba constantemente sus obras o las rehacía, por lo cual es difícil seguir su trayectoria. Admiraba mucho a Rembrandt, Renoir, Bonnard, a Rouault y a Van Gogh, expresenado como éste su propio tormento interior. Su pintura resume por sí mismo y con un raro poder de expresión las acusadas características de este grupo: la manera de proyectar furiosamente el color sobre la tela, cercana al automatismo,  la pincelada descriptiva y aparentemente incontrolada y violenta, la manera de improvisar formas delirantes, y ello tanto en retratos (generalmente grotescos) como en paisajes muy apacibles en realidad, o en bodegones a base de carroña. Esta pintura expresa la desesperación o la cólera, cualquiera que sea el tema elegido, aunque en Soutine esta demencia alcanza una suntuosidad y un lirismo de visionario. Algunas de sus obras más famosas son "Aldea", "La loca", "El buey en canal" o el retrato de "Moïse Kisling".


Chaim Soutine. La loca. Óleo sobre lienzo (87 x 65 cm.). 1919. Colección particular.
Ch. Soutine. El buey en canal. Óleo sobre lienzo (140 x 107 cm.).1926. Museo del Louvre. París.

Otros pintores también rusos y que se expresan en la misma línea son Kremegne, Kikoine, Mané Katz o Eugene Zak, así como el polaco Moïse Kisling.
El paradigma de todos los artistas de la Escuela de París es el italiano Amadeo Modigliani (1884-1920). Hijo de padres acomadados de origen judío y cultos, se fue de su Livorno natal a París en 1906, tras viajar por el sur de Italia donde estudia el arte tardogótico y el manierismo, que tanta influencia tendrá en su obra,  donde residió varios años perturbado por la tuberculosis, el alcohol y las drogas, cosechando fama de pintor maldito. Modigliani encarna el romanticismo del artista maldito, de la miseria y del alcoholismo, con su vida de joven y agraciado descubridor de mujeres de cuerpos lisos y miradas perdidas. Aunque fundamentalmente pintor, realizó bastantes esculturas influencidadas por Constantin Brancusi. Su estilo arranca de los Nabis y de Cézanne, pero a partir de su experiencia escultórica se interesó por la figura fuertemente modelada, inspirada en los Kouroi del aracaísmo griego y en las máscaras africanas. Cuando Modigliani llegó a París no tardó en comprender que todo el arte moderno nacía de Cézanne. En un principio dirigió su interés hacia la escultura, pero posteriormente se dió cuenta de que no podía prescindir del color en su búsqueda plastica. Se dedicó fundamentalmente al retrato, de aspecto alargado y estilizado, derivado del primitivismo de los Nabis, pero realizado con una especial sensibilidad para captar al retratado. Los rasgos fundamentales de sus retratos son una sensualidad afectada, contornos muy marcados, que unen en un sola superficie planos de distinta profundidad, el predominio de la línea, a veces muy gruesa, como un surco negro y otras sutil y filiforme, el colorido rico pero de gama limitada y las formas sinuosas transformadas en cilindros y óvalos. La galería de sus retratos abarca sus amistades a las que supo caractrizar dentro de su peculiar estilo: "Retrato de Jeanne Hébuterne", "Retrato de Chaim Soutine sentado", "Jacques Lipchitz y su esposa"... En estos retratos se observa una elegante estilización y el uso de formas que derevan claramente del arte primitivo, como los ojos vacíos, a los que se suma un juego de masas claras y oscuras, que no responden tanto a la concepción cromática de los fauves, como a la descomposición que posterioremente preconizaría el cubismo, una concepción que Modigliani no llevó a sus últimas consecuencias porque para él la pintura debía ser, sobre todo, poesía.




















A. Modigliani. Retrato de Chaim Soutine. Óleo sobre lienzo (100x 65 cm.). 1916. colección particular. París.
A. Modigliani. Retrato de jeanne Hébuterne. Óleo sobre lienzo. 1917. Colección particular. Washington.

Su estilo, emparentado con las elegancias del más tradicional manierismo italiano, aporta al expresionismo una nota muy diferente del patetismo un tanto declamatorio que caracterizaba a los artistas procedentes de la Europa central y oriental. Sus desnudos femeninos son también muy famosos y cuentan entre los más sensuales de la historia del arte, cercanos a la perversidad. Suelen cerrarse en un espacio agobiante, presentados en un plano corto imposible de evitar, con cierta carga de insolencia. La belleza y elegancia de los torsos desnudos, alargados hasta la exageración, quedan matizados por una suave gradación de color que le otroga calidades táctiles. ("Desnudo echado con los brazos abiertos", "El gran desnudo"). La tuberculosis acabó con él en 1920; al día sigueinte, su amante y modelo, Jeanne Hébuterne, que esperaba su segundo hijo, se suicidó.


A. Modigliani. Desnudo recostado. Óleo sobre lienzo. 1917. Colección Gianni Mattioli, Mailand.
A. Modigliani. El gran desnudo. Óleo sobre lienzo (72´4 x 116 cm.). 1919. Museo de Arte Moderno. Nueva York.

Jules Pascin (1885-1830) es un pintor búlgaro que estudió en Alemania y Austria, asentándose en París en 1905; en 1914 se traslada a Estados Unidos, volviendo a París en 1922, ciudad en la que se suicidó en 1930. Es sin duda alguna uno de los artistas que mejor puede ilustrar la personalidad del judío errante, en la que el alcohol, la droga y el erotismo ocupan un importante papel. En sus cuadros  el tema preferido es el desnudo femenino, o semidesnudo, de prostitutas y jovencitas en posiciones lascivas, impersonales por completo, que ponene de relieve la sensibilidad del pintor, como puede observarse en la obra "La camisa azul".
Tsuguharu Fujita (1886-1968) procede de una familia acomodada y estudio pintura occidental en la Escuala de Arte de Tokio. En París (desde 1913) le atrae extraordinariamente la obra de Rousseau, quién le influye en sus primeros paisajes parisinos. Pronto se le reconoce su obra por su delicadeza, especialmente en retratos y desnudos. Evolucionó hacia un manierismo virulento y con más riqueza cromática. Obras suyas son "La diosa de la nieve" y "Retrato del artista por él mismo".

Jules Pascin. Dos desnudos. 1919. Colección particular.
T. Fujita. Café. 1913.

Marc Chagall (1887-1985) es un artista ruso cuya personalidad se impuso muy pronto, gracias a sus cualidades de colorista y de narrador maravilloso. Procedía de una modesta familia judía rusa y en 1910 se traslada a París, donde descubre la luz y el color. Del fauvismo adoptó el color puro y alegre y del cubismo la descomposición del objeto, que se hace patente en sus primeras obras parisinas como "Yo y la aldea", "El cumpleaños" o "El soldado bebido". En la obra "Autorretrato con siete dedos" aparecen ya los temas de la ventana y el cuadro dentro del cuadro, que luego repetiría en "París a través de mi ventana". En 1914 pasa de nuevo a Rusia, donde se casará con Bella, que será la musa de toda su producción. Permanecerá en Rusia hasta 1922, a causa de la guerra y la revolución, donde lleva a cabo una obra sorprendentemente realista. Sin embargo, hay una serie de cuadros en los que parece huir de la realidad para sumergirse en el mundo de la fantasía y de la ficción, como en "El violinista en verde".  En la obra de 1917 "Doble retrato del vaso del vino", el pintor aparece subido a los hombros de su esposa Bella con un fondo de paisaje ruso; cubre con la mano el ojo derecho de ella, más ebrio de alegría que de vino. El otro ojo de Bella, bien abierto, muestra una radiante felicidad. En 1922 abandona Rusia y regresa a París: Francia se convertirá en su nueva patria, que sólo abandonará durante la ocupación nazi, período en el que residió en Estados Unidos. Durante el resto de su vida Chagall continúa siendo un artista original y solitario que nunca se adhiere a ninguna escuela o movimiento en particular, pero que tampoco es impermeable a sus influencias, exceptuando las de la abstracción total. El deseo de Chagall era crear grandes obras y cumple a lo largo de su vida con esa exigencia de diferentes maneras: pinturas murales monumentales, vitrales, tapices, mosaicos, ilustración de libros...























Marc Chagall. Autorretrato con siete dedos. Óleo sobre lienzo (128 x 107 cm.). 1912-13. Stadelijik Museum. Amsterdam.
Marc Chagall. Doble retrato con vaso de vino. Óleo sobre lienzo. 1917-18. Centre Georges Pompidou. París.

Chagall se sirve de los colores como músico y como pintor, complaciéndose en crear una armonía con dominantes, variaciones y contrastes, aunque sin dejarse encerrar en los límites de una mera imitación de la realidad; pero sin prescindir de ésta de modo sistemático y obedeciendo únicamente a las fantasías de su propia imaginación (en una carta a Apollinaire escribió: "El impresionismo y el cubismo me son extraños. El arte me parece ser sobre todo un estado del alma"). Su inquietud y su dramatismo se expesan por una sonrisa y una gran ternura que concilian seres y cosas, gracias a una forma muy personal de moverse entre lo real y lo irreal, y de utilizar sus virtuosismo de soñador despierto, libre de coacciones. Con desenvoltura de poeta inspirado, ha eliminado todas las leyes físicas de nuestro mundo material; ignora los principios elementales de la pesadez para que personas y animales floten en el espacio, rehúsa admintir las estructuras de los seres vivientes, chocando cabezas de pájaros o de peces en los cuerpos de otras especies, y todo ello sin presentar la menor afectación. A veces, su juego adquiere un acento más patético y la fantasía da paso a una emoción más profunda.
Su arte de imaginero oriental, después de haber pasado por las corrientes expresionistas y cubistas, incluso surrealistas, le ha permitido abordar todo tipo de temas, técnicas y dimensiones; ilustrar libros y decorar amplios muros, hacer cuadros de caballete y vidrieras; representar a enamorados entre flores y evocar a personajes religiosos. La aparente simplicidad de que ha dado muestras le ha hecho accesible a todos los públicos, y le ha deparado los éxitos más resonantes, sin que haya tenido que defeenderse de los rápidos cambios de la moda ni someterse a ésta.

Marc Chagall. El violinista en verde. 1923-24. Guggenheim Museum. Nueva York.

Un pintor que se sale un poco del modelo de vida bohemia y mísera de la Escuela de París es la de Maurice Utrillo (1885-1955), hijo ilegítimo de la pintora Suzanne Valadon, modelo de Renoir, Dégas y Toulouse-Lautrec, que recibió el nombre prestado del pintor y crítico barcelonés, Miguel Utrillo. Expulsado de la escuela y luego del banco en que trabajaba por causa del alcohol, a los 18 años se le internó en un sanatorio. Con un estilo muy ligado a lo tradicional pinta vistas de Montmartre y de París, que recuerdan ciertas tarjetas postales, con calles solitarias y paleta dominada por el blanco. En estos cuadros de calles, plazas e iglesias, el barrio es el sujeto principal junto al color, con ausencia de toda referencia literaria. En los años treinta recompuso su vida, adquirió profunda devoción religiosa y acabó rico y homenajeado, y siempre bien relacionado con los numerosos artistas que dieron vida a la Escuela de París.

Maurice Utrillo. La belle Gabriela Montmartre. 1917. Colección particular.


Para conocer esta época, Mick Davis dirigió una interesante película sobre la vida de Modigliani (Andy García), "Modigliani", donde queda muy bien retratada la Escuela de París y las relaciones de todos estos pintores en el café "Rotonde" (Soutine, Rivera, Picasso, Stein...), además de la rivalidad entre Picasso y Modigliani, así como la vida tortuosa de éste último y sus relaciones con Jeanne Hébeturne.

miércoles, 26 de mayo de 2010

CONSEJOS BÁSICOS PARA LA PRUEBA DE SELECTIVIDAD




Esta entrada va destinada para mis alumnos de 2º de Bachillerato, que en breve tendrán que enfrentarse a la prueba de Selectividad. Pero también podría ser de utilidad para todo el alumnado que se presente en el distrito único andaluz.

 
Es básico tener a mano y manejar durante el curso un buen Diccionario de arte. Uno sencillo y muy recomendable es “Diccionario de Términos de Arte y elementos de Arqueología, Heráldica y Numismática”, de GUILLERMO FATÁS y GONZALO M. BORRÁS, Alianza Editorial, varias ediciones. Además de bueno, es barato, su precio ronda los 9-12 €. Pero existen otros, que también son muy buenos; lo más importante es que tenga buenos esquemas (dibujos) de los diferentes términos.
Se recomienda ‘empaparse’ bien de láminas. Mirar muchas, muchas. En el libro, en enciclopedias, en el Diccionario de Arte, donde sea. La vista es la que trabaja. Para la teórica, ideas, características y conceptos claros de cada período; saber aplicarlos a la obra a comentar y al tema en cuestión. Interesante ver y guardar láminas de arte por Internet: recomendable para la pintura: www.artehistoria.com/pintores, así como http://pintura.aut.org (Ciudad de la pintura), y para consultar obras de arquitectura y escultura, aunque también para la pintura: www.elpoderdelapalabra.com/arquitectura/escultura. Muy interesante es consultar la página web http://www.clasesdehistoria.com/, y dentro de ella en “Historia del arte”, con una completa colección de diapositivas de selectividad del profesor Guillermo Méndez. Si lo que quieres es repasar rápidamente las obras más comunes y que se han visto en clase, visita los álbumes de fotos de tu profesor: http://picasaweb.google.es/pacohidalgo63. También se puede consultar artículos en los siguientes blogs, que siguen el temario de historia del arte de 2º de Bachillerato:


- Artetorreherberos                   - Línea Serpentinata
- Enseñ-arte                                - Historia del arte
- Locus Amoenus                        - Algargos


Es conveniente que consultéis los exámenes de años anteriores, ya que en ellos puedes encontrar el tipo de preguntas teóricas más frecuentes y las láminas que más se repiten. Tanto las orientaciones como los exámenes anteriores están colgados en Internet en dos páginas. Una de ellas es la Universidad de Jaén: www.ujaen.es/serv/acceso/selectividad/orientaciones.htm. Allí  encontraréis los exámenes de los últimos años (desde el 2001 al 2009, y no sólo los de junio y septiembre, sino seis, quedando cuatro como reservas). También se pueden consultar en la página de la Consejería de Innovación, Ciencia y Empresa, de la Junta de Andalucía: www.juntadeandalucia.es/innovacioncienciayempresa/cocoon/index.html. Aquí, además podéis consultar el calendario, la normativa general, la sedes de examen…

Es necesario estar muy tranquilo en el examen. Se os entregará un examen con dos opciones (A y B). Cada opción está compuesta por dos preguntas teóricas y dos comentarios de imágenes, que valen cada una 2,5 puntos.
LA OPCIÓN A: contiene dos cuestiones teóricas y dos comentarios prácticos de imágenes comprendidos entre los temas 1 y 11 (desde la Prehistoria al arte Barroco incluido).
LA OPCIÓN B: Contiene dos cuestiones teóricas y dos comentarios prácticos de imágenes comprendidos entre los temas 6 y 14 (desde el arte de Al-Andalus al arte del siglo XX).
Hay que escoger la opción que más probabilidades tenga cada uno de hacerla bien, y elegir aquella que se está más seguro de haber reconocido las láminas y de hacer bien los dos temas teóricos. Valorad bien las distintas opciones antes de elegir. Una vez seleccionada la opción, no hay que cambiarla, salvo que sea absolutamente necesario. Tened en cuenta toda la opción y no elegir o rechazar sólo por una lámina o por una cuestión, sino por toda la opción. Medid bien el tiempo, ya
que hay que contestar a cuatro cuestiones (dos láminas y dos preguntas teóricas); el reparto del tiempo debe ser lo más equilibrado posible (sobre veinte-veintidós minutos por cuestión). Tomaos el tiempo que queráis para elegir, pero no demasiado, ya que luego podéis necesitarlo para el examen.


PREGUNTAS TEÓRICAS: DESARROLLO DE LOS TEMAS


Antes de desarrollar el tema, leed atentamente su enunciado, asegurándoos de una total comprensión, organizando las ideas en un esquema mental previo para facilitar su enfoque dentro de los conocimientos correspondientes y ciñéndose estrictamente a lo que se pregunta, es decir, no divagar por divagar ni dejéis algo difuso. Da mejor impresión un folio bien escrito y presentable: respetad los márgenes, espaciad los párrafos, resaltad las divisiones o enumeraciones que hagáis, cuidad los signos de puntación y la ortografía, emplead una caligrafía legible y evitar las tachaduras. Es conveniente hacer frases cortas y bien estructuradas y, finalmente, recordad que lo bueno, si breve, dos veces bueno, prescindiendo de palabras poco precisas, como cosa, esto, aquello... Tened en cuenta que todo esto durante la corrección siempre es un elemento que, consciente o inconscientemente, se tiene en cuenta.
Tratad de ser ordenado y estructurado, estableced una estructura lógica, simple, pero respetadla y seguidla. No deis nada por sabido, si es necesario se explica, aunque parezca muy obvio o elemental (tened en cuenta que quien corrija no os conoce y no sabe hasta dónde podéis llegar). Si se puede, citad obras y autores concretos, especialmente significativos para ilustrar las cuestiones generales; los datos deben ir contextualizados, es decir, acompañados de comentarios generales y de época que lo expliquen.
Se debe empezar siempre con una breve introducción, que haga referencia expresa al tema que se propone (interés del tema, rasgos generales, etc.) Luego se expondrán cada apartado del tema, se redactarán las ideas principales con orden y coherencia, de modo que presenten una ordenación lógica y una adecuada jerarquización (diferencia claramente los aspectos fundamentales de los secundarios). Para ello es conveniente subrayar los apartados y subapartados fundamentales.
Al final, terminad con alguna conclusión y/o aportando brevemente otros enfoques al tema, incluso una opinión o idea personal es de agradecer; no olvidéis repasar la ortografía y la puntuación antes de entregarlo, y en general de todo lo que habéis escrito, ya todavía podéis descubrir pequeños o grandes errores.

COMENTARIO DE UNA OBRA DE ARTE

Examen de Historia del Arte en Andalucía. Junio 2009

Antes de nada tener claro un pequeño esquema de los diferentes tipos de Arte:
A). Arquitectura:
a.1 - civil
a.2 - religiosa
a.3 - pública o privada
(Claro que hay arquitectura civil privada o religiosa pública, claro. Así, que ¡ojo! con las definiciones)
B). Escultura:
b.1 por material. SI NO SE ESTÁ SEGURO, NI MENCIONARLO.
b.2 por tipología:
b.2.1 - de bulto o exenta (no pegada a nada. Que se puede rodear). Tipos:
- de rodillas
- de pie
- sedente (sentado. No decir sentado. Decir sedente)
- yacente (estirado. No decir estirado. Decir yacente)
b.2.2 - de relieve:
- altorrelieve (sobresale mucho)
- relieve medio
- bajorrelieve (sobresale poco)
C). Pintura. Por el tipo de soporte:
a) Mural (fresco) - Cuidado con el término fresco, por la cronología.
b) Madera
c) Lienzo (soporte tela. Pero más acorde en Arte decir lienzo)
d) Ilustración de manuscritos (soporte papel)


Antes de comenzar, se debe tener en cuenta dos cosas:


1. No se trata únicamente de la descripción de un objeto, aunque es imprescindible observarlo detenidamente.
2. No existe un modelo único de comentario. Con este esquema solo se pretende dejar constancia de todos aquellos aspectos que son susceptibles de ser citados. Conviene evitar un error muy común, que consiste en realizar una mera descripción visual, carente de interpretación iconográfica y técnica. Es fundamental también, utilizar la terminología correcta y precisa que denote una asimilación de los contenidos conceptuales. Se valoran especialmente las deducciones estilísticas sobre las obras escogidas (innovaciones, aportaciones, diferencias, relaciones con otras, etc.). Es necesario identificar la obra y situarla en su contexto histórico. No olvidaros de la cronología, aunque no sea exacta, pero sí los siglos o partes de ellos. No es fundamental recordar el autor, aunque se valora positivamente el saberlos y citar otras obras.
Los aspectos que son imprescindibles que aparezcan en un comentario de una obra de arte son:

a) Precisar qué tipo de obra: arquitectura, escultura, pintura, mosaico, etc. Y dentro de esto, profundizar más en el carácter de la pieza en concreto. Por ejemplo: escultura exenta de carácter funerario, pintura mural religiosa, arquitectura civil para espectáculos, etc.
b) Inscribir el objeto en un estilo o período artístico, aplicando las características del estilo a la obra, o bien, explicando las características de la obra como representativas del estilo del que pertenece.
c) Centrarse en el autor, si se conoce: quién es, que otras obras realizó, con qué finalidad realizó la obra en cuestión, qué anécdota o situación encierra la realización de dicha obra; también sería interesante diferenciar el estilo del autor con otros de su época o inscribirlo dentro de una escuela o región.

NOTA: EL PUNTO b) ES FUNDAMENTAL. DEBE SER EN EL QUE EL ESFUERZO SEA MAYOR, TANTO EN LA DESCRIPCION COMO EN LA DEFINICION DE LAS CARACTERISTICAS, TANTO DE LA OBRA COMO DEL ESTILO O ÉPOCA A LA QUE LA INSCRIBIMOS.


d) Al incluirlo en un estilo en concreto, es posible que permita identificar la obra. Esta identificación debe ser tan completa como se pueda: nombre, autor, fecha, lugar donde se encuentra, etc.
e) Ubicar la obra en su contexto histórico:
d.1 - como la historia del momento influye en el hecho de que se den este tipo de obras (ejemplo: Egipto = sociedad teocrática = pirámides)
d.2 - como se reflejan en la pieza los hechos históricos (ejemplo: conquistas romanas = relieves de la columna Trajana)
d.3 - quién y para qué se encargan las obras (ejemplo: mecenas, comitentes, coleccionistas, nobleza, clero, etc.)
f) Comentario iconográfico. Se aplica principalmente a las artes figurativas (escultura y pintura). Se trata de ver cuál es el tema representado y el significado de las diferentes
escenas. Si es posible, en base a qué textos o fuentes se narra un episodio de una manera u otra.
g) Precedentes. Aquellas realizaciones anteriores cronológicamente a la obra en cuestión que pueden haber influido en que ésta haya sido creada de una manera determinada. También es
importante establecer paralelismos entre diferentes realizaciones más o menos contemporáneas. Este punto debe ser citado con sumo cuidado, para evitar confusiones o distorsiones en el tiempo (ejemplo: las pirámides egipcias y los ziggurat mesopotámicos)
h) Influencias: como la pieza comentada ha influido en obras posteriores
i) Por último, hay que tener en cuenta cierta norma no escrita a la hora de comentar una obra de arte: la pintura se comentan de arriba a abajo y la arquitectura, de abajo a arriba, en lo que se conoce como división de la obra de arte en registros superiores, medios e inferiores.



Examen de Historia del Arte en Andalucía. Septiembre 2009.

Por último, desearos mucha suerte. Recordad que aunque parezca una prueba muy dura, luego no es para tanto. Hay que tener presente que la prueba de Selectividad la supera el 90 % aproximadamente de alumnos/as presentados cada año; tú no puedes ser uno de ese 10%, ni lo imagines. Así que Ánimo valiente, y al toro.

domingo, 23 de mayo de 2010

PANORAMA DE LA ESCULTURA EN EL SIGLO XX


Pablo Gargallo. El gran profeta. 1933. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Madrid.

Es posible que la escultura sea el arte que experimenta una revolución más radical en el siglo XX, que levemente se apuntaba ya en algunos escultores desde mediados del siglo anterior. La historia de la escultura siempre estuvo presidida por la figura humana y su afán expresivo, dominada por el deseo de belleza y armonía. Hoy la escultura ya no es eso. La escultura cobra valor en sí misma, se independiza fuera de un conjunto o ambiente determinado y tiende, igual que la pintura, a la abstracción y al uso de nuevos materiales. La figura humana pierde su omnipresencia para dejar paso a las formas geométricas, y todo ello se inició con el Cubismo y continuó con el resto de vanguardias artísticas.

Las innovaciones plásticas escultóricas del siglo XX son de una audacia innegable. Podríamos sintetizarlas en estos principios:


El hueco: crea formas como el silencio en la obra musical (Gargallo).
La Deformación: constituye un recurso tradicional del artista, en el que descubren nuevas posibilidades (Moore).
La incorporación del espacio: la escultura se funde con su contorno (Hermanos Pevsner).
La abstracción: las formas sin apoyo en la realidad han renovado el léxico escultórico (Chillida).
El movimiento: unión de la energía y la forma en esculturas-máquinas (Calder).

Max Klinger. Busto de Nietzsche. 1901. Museo de Leipzig.

Tras la revisión escultórica de Auguste Rodin y los demás escultores impresionistas de finales del siglo XX (Arístide Maillol y Medardo Rosso), se puede afirmar que el primer gran escultor del siglo XX es el austriaco Max Klinger (1857-1920), considerado como escultor simbolista, pero también participa del Modernismo y de las primeras vanguardias del siglo XX. Le interesa la exuberancia matérica, y en algunas obras combina mármol griego de tres colores, marfil, bronce y piedra (Estatua Homenaje a Beethoven), estando su escultura a mitad de camino entre Fidias y Rodin (Busto de Nietzsche).

Los inicios Cubistas

Las repercusiones del cubismo en la escultura no fueron menos importante que en la pintura. Por lo pronto desaparecen los últimos restos realistas y de modo paralelo al collage en dos dimensiones, surge la escultura construida, a veces, con materiales de desecho. Como la obra no procede de un bloque homogéneo de piedra o mármol, el resultado presenta huecos y vacíos entre las superficies, dando lugar a una nueva estética de la ausencia de masa. El escultor no define ya volúmenes sino espacios, y su método de trabajo tiende idealmente a parecerse cada vez más al de los arquitectos.Pablo Picasso rompe con la tradición formal e introduce la descomposición geométrica como un nuevo lenguaje en la escultura, que apuntala el desarrollo de la abstracción, e introduce concavidades que sirven para incorporar el vacío como elemento escultórico. Entre 1904 y 1914 realiza esculturas introduciendo nuevos materiales (chapa, alambre, cordeles), que cobra vida propia con su manipulación: Cabeza de Fernande, Guitarra... Más tarde hará obras como Mujer con cochecito, La cabra...
Alexander Archipenko es el introductor del hueco o del vacío en la masa escultórica, al mismo tiempo que aplica los experimentos cubistas, progresando en la concepción de la escultura como collage: Mujer andando; Mujer peinándose; Médrano II.

 






















Pablo Picasso. Cabeza de Fernande. 1906. Fundación Vollard. París.
Alexander Archipenko. Mujer andando. 1912. Museo de Denver.

También cubistas pueden citarse a Henry Laurens, interesado en un cubismo curvilíneo (Mujer del pájaro, La gran música), J. Lipchitz, que inventa sus "trnasparentes" donde invierte la relación de sólido y hueco (El tocador de guitarra, Mujer reclinada), o Duchamp-Villón (El caballo).
En España destaca la labor de Pablo Gargallo, gran artesano que trabaja con chapas de hierro dándoles formas cubistas, aprovechando los espacios vacíos, dotándolos de fuerza, al igual que las aristas. El cubismo le suminstra la metodología para una interpretación amable de la escultura, próxima a la estética del Art Decó. El Profeta es su obra más conocida; otras son Pequeña bailarina, Pequeño arlequín con flauta o Greta Garbo.
Julio González, de familia de orfebres del hierro, es el primero en utilizar las chapas de hierro de forma sistemática, es decir, el hierro soldado. Parte de formas cubistas para llegar a la abstracción, modelando poliedros abruptos y eruptivos de picos: Mujer ante el espejo, Don Quijote, Montserrat, Hombre cactus....
























Pablo Gargallo. Pequeño arlequín con flauta. 1931. Museos Reales Bellas Artes. Bruselas.
Julio González. Mujer ante el espejo. 1936. Instituto valenciano de Arte Moderno. Valencia.

Las vanguardias escultóricas


Dentro del movimiento futurista podemos incluir las esculturas del italiano Umberto Boccioni, que trata de dotarlas de fuerza, dinamismo, audacia y energía, dándonos una de las mejores versiones dinámicas de los planos cubistas en obras como Desarrollo de una botella en el espacioÚnicas formas de continuidad en el espacio.
Henri Matisse también hizo esculturas dentro de la estética fauvista, como sus Desnudos reclinados.
El movimiento expresionista trata de presentar en sus esculturas figuras deformadas, esquemáticas, corroídas y arrugadas, tal y como debe ser el alma del hombre que vive en soledad y en total incomunicación. Los artistas descubren pronto la intensidad expresiva de las deformaciones y el vitalismo de los gestos crispados. Uno de sus mejores representantes es Wilhelm Lehmbruck, autor de figuras lánguidas y adelgazadas, postradas y abatidas física y mentalmente (Mujer arrodillándose, Hombre abatido). En esta línea se mueve el suizo Alberto Giacometti, con figuras que no son cuerpos sino la mínima expresión humana, almas que caminan, rugosas y deformadas. Su obra avanza hacia el surrealismo, ya que la mayoría de sus obras buscan la representación de un universo onírico, algunas con enigmáticos objetos suspendidos, que recuerdan a los universos de De Chirico(Hombre andando, 7 figuras y una cabeza, El palacio a las cuatro de la madrugada, Diego). En la misma línea se mueve G. Richier (La tempestad). La intensificación expresiva del realismo mediante deformaciones ofrece a principios de siglo una tendencia dramática en las esculturas de Ernst Barlach, el cual consigue convertir sus mensajes en muecas punzantes (La cantante, El terror...).








Alberto Giacometti. El palacio a las cuatro de la mañana. 1932-33. Museo de Arte
 Moderno. Nueva York.
Wilhelm Lehmbruck. Hombre abatido. 1915-16. Pinakothek der Moderne. Munich.

Surrealismo y Organicismo. Constantino Brancusi es otra de las grandes personalidades de la escultura del siglo XX. De espíritu independiente, este rumano experimenta con inquietud cómo penetrar más allá de la apariencia, hasta llegar a la esencia y alcanzar la belleza eliminando detalles y simplificando formas. A pesar de llegar a una extraordinaria estilización no a cepta el arte no-figurativo; el punto de partida es siempre algo real. A diferencia de la mayoría de los maestros del siglo XX, le atrae el volumen cerrado, tradicional, aunque da vida de forma diferente a los objetos con gran simbolismo y estilización. Sus mejores obras han ido en una línea de depuración formal hasta alcanzar lo absoluto en cuanto a perfección y despojamiento anecdóticoInvestiga en todas las vanguardias, así El beso es un anticipo de la escultura cubista. Otras obras suyas se han considerado como organicistas o surrealistas: Pájaro en el espacio, Pez, Foca, Madame Pogarny.
Henry Moore es un escultor inglés, para muchos surrealista. Para él es más importante la fuerza que la belleza convencional. La figura es tratada como si fuera arquitectura, adquiere un aire monumental, incluso cuando es de pequeño tamaño. Su profundización en los secretos de la forma-expresión se mueve entre la abstracción, la figuración y la semifiguración. Uno de sus temas preferidos es la figura femenina reclinada, consiguiendo crear una sugerente mujer, muy vital y madre. Otro tema común es la mujer asociada a la fertilidad, de inspiración prehistórica. Disfruta trabajando el material y descubriendo el camino que este le indica, antes que alterar deliberadamente la forma natural de una pieza de piedra, bella por sí misma. Representa, por tanto, una línea más amable y más clásica, con tendencia a las formas orgánicas y humanísticas: Figura recostada, Grupo de familia y Madre reclinada e hijo.






C. Brancusi. El beso. 1912. Museo de Arte de Filadelfia.
Henry Moore. Grupo familiar. 1950. Museo de Arte Moderno (MOMA). Nueva York.

En España, el surrealismo escultórico está representado por Alberto Sánchez, hombre de pueblo formado a sí mismo en contacto con las formas naturales. Abandona los ecos realistas para hacer figuras erguidas y misteriosas con curvas sinuosas e incisiones enigmáticas. Su organicismo abstracto posee una fuerza casi geológica que no tiene la obra, mas refinada, de los coetáneos europeos. Su escultura más conocida es la que hizo para el Pabellón de la II República en la Exposición de París de 1937: El pueblo español tiene un camino que conduce a una estrella. Otras obras suyas son Maternidad o Mujer castellana. Joan Miró también alterna algunas creaciones escultóricas con la pintura, que pueden catalogarse como surrealistas: (Dona i Ocell, Dos personajes fantásticos...).
También podríamos hablar de una escultura dadaísta, basado en lo absurdo e inútil. Ya Hans Arp ensaya en un arte de tres dimensiones las formas de sus pinturas. Man Ray hace New York y Raoul Hausmann hace la inexplicable El espíritu de nuestro tiempo.


Alberto Sánchez. El pueblo español tiene un sueño que conduce a una estrella. 1937.
Raoul Hausmann. El espíritu de nuestro tiempo. 1920.


La segunda mitad del siglo hasta la actualidad


La espantosa tragedia de la II Guerra Mundial, con toda la lacra de horrores que llevó consigo, provocó de nuevo una vuelta al Expresionismo o Neoexpresionismo, ahondando los escultores en las deformaciones y en los gestos de angustia y en formas geométricas gesticulantes, como nuevas obras de Lipchitz (Hagar), o en el ruso Ossip Zadkine (ambos parte de la estética cubista, movimiento al que habían pertenecido anteriormente), cuya obra El Grito es un monumento conmemorativo a la destrucción de la ciudad holandesa de Rótterdam, a la vez que un testimonio de la capacidad de destrucción del hombre.

O. Zadkine. El grito. 1953. Rotterdam.

El origen de la escultura abstracta habría que buscarlo en los experimentos de los artistas del Constructivismo del período de entreguerras, que persiguen la forma al margen de la masa, prefiriendo un desarrollo de las superficies en el espacio. Los máximos representantes son los hermanos Pevsner. Naum Gabo Pevsner aplica teoremas matemáticos de ingeniería a sus superficies alabeadas (Construcción nº 2), siendo el primero en hacer la primera escultura cinética del mundo, consistente en una lámina que vibra por el impulso de un motor, y que demuestra como una superficie se convierte virtualmente en un volumen. Antón Pevsner se distingue por los desarrollos helicoidales de superficies curvas formadas por varillas de bronce (anillos envolventes): Columna desarrollada, La Columna de la paz.



















Anton Pevsner. Proyección en el espacio. 1924. Museo de Baltimore.
Naum Gabo. Columna desarrollada. 1923.

Alexander Calder es una figura singular, inventor de la escultura móvil o escultura cinética, para la cual estaba muy preparado gracias a sus estudios de ingeniería. El ha sentado las bases de la moderna desobjetualización de la escultura. Sus "objetos libres" o "móviles", apoyados o colgantes, hechos con láminas de metal, se mueven casi siempre con las mínimas corrientes de aire. Los más originales son los móviles aéreos, hechos de materiales ligeros y unidos por varillas de alambre, suspendidos del techo, que giran, se mueven, suben y bajan y emiten sonidos metálicos. Los más apreciados están en la Terminal Internacional del Aeropuerto Kennedy de Nueva York y el Móvil gigantesco para la UNESCO. Muchos de sus móviles se exponen en los mejores museos del mundo. Además, el equilibrio inestable que genera movimientos prolongados de las formas será el objetivo de la escultura cinética, que se desarrollará tras la obra de Calder, donde destacarán los escultores húngaros Nicolás Schöffer y Vasarély.

Alexander Calder. Móviles en el Aula Magna de la Universidad Central de Venezuela.
Alexander Calder. Móvil en la Fundación Beyeler. Basilea.

Eduardo Chillida es el escultor donde se aprecia ya la plena abstracción. Abandonó sus estudios de arquitectura para esculpir enormes bloques de hierro, en los ue parece haber señalado el punto de encuentro de arquitectura y escultura. Trabaja el hierro, el acero, la madera, el hormigón, el alabastro. Se observa gran elegancia en sus estructuras de corte arquitectónico y majestuosa presencia, estableciendo el punto de encuentro entre arquitectura y escultura: Abesti Gogora, Yunque de sueños, Lugar de encuentro, El peine de los sueños. La misma preocupación se aprecia en las esculturas de otros escultores españoles como Jorge Oteiza, Pablo Serrano o Ángel Ferrant (Tres mujeres), representantes españoles del Informalismo escultórico.


















Eduardo Chillida. Yunque de sueños VII. 1959. Städel Museum Frankfurt.
Eudardo Chillida. El peine de los vientos. 1979. San Sebastián.

También podríamos hablar de las últimas tendencias en la escultura, como la escultura pop, cuyo mejor representante es George Segal, que hace vaciados en yeso del natural y es lo que expone, de modo que el espectador no puede percibir los rasgos naturales (Habitación de un motel, mujer esperando el autobús). Otros como Spoerri o Arman (Asociación de jarros) colocan objetos reales, restos de comidas, plásticos, etc. Cesar Baldaccini expone automóviles triturados, pintados con brillantes colores. Este autor revolucionó el mundo del arte cuando empezó a experimentar con sus composiciones, que el llamó Compresiones, que consistían en esculturas cubistas obtenidas a partir de la comprensión de una carrocería de automóvil por medios mecánicos. Mediante la utilización de la chatarra y la soldadura, consiguió composiciones nada convencionales que eliminan la realidad objetiva de los fragmentos para obtener una única composición de sus ensamblados.Un pionero del arte pop fue el escultor norteamericano Claes Oldenburg, autor de objetos cotidianos a escala gigantesca, de aspecto blando, ya que estaban hecho de vinilo, relleno de espuma de caucho (Pinza de ropa, Mistos...). Allen Jones también hace Mujer mueble.























George Segal. Bus Riders. 1964. Hirshhorn Museum. Washington.
Claes Oldenburg. Clothespin. 1976. Centre Square Plaza. Filadelfia.

La escultura hiperrealista se tradujo en la utilización de moldes de cuerpo humano a gran escala, en fibra de vidrio resina de poliéster, que luego serían vestidos con ropas reales. De Andrea, Hanson y John Davies fueron sus principales exponentes. John De Andrea trabajó especialmente las figuras humanas desnudas en resina de color carne, con cabello y vello reales, dotándolas de un potente erotismo y morbosidad (Pareja). Duane Hanson estuvo más preocupado por el tema de la muerte, pero tiene temas habituales como la mujer en el supermercado, o turistas, de un realismo alucinante, auténticos arquetipos de la sociedad norteamericana de los años 70 y 80 (Mujer en el supermercado, Turistas....)

Duane Hanson. Mujer en el hipermercado. 1970.

A finales de los sesenta y en los setenta surge con intensidad otra moda de entender la actividad artística. Se basa en la idea de cansancio del objeto artístico habitual (pintura, cerámica, escultura...) con su vergonzante utilización comercial. Esta tendencia trata de vulnerar los límites del arte, extendiendo la creatividad a intervenciones sobre la naturaleza, el propio cuerpo humano, o sobre actos cotidianos, buscando siempre la provocación y la participación del espectador.
El arte Conceptual es un vasto movimiento que tiene como denominador común la supremacía de la idea, del concepto sobre el objeto. Aquí el artista solo elabora propuestas y es el espectador el que tiene que materializar o intervenir sobre ellas, por tanto responde a una preocupación por los problemas de comunicación. La materia sobe la que trabaja el artista es la realidad misma (construye con ella, agrega, rebaja, excava...), considerándose potencialmente estético todas las intervenciones operativas que sobre la realidad se efectúen (enriquecimiento de nuestros actos cotidianos); precisamente lo que pretende el arte conceptual es romper las barreras entre el arte y la vida (nuevo dadaísmo o Neodadaísmo).
El arte conceptual es una contestación al sistema de la sociedad de consumo, por la vía de evadir los circuitos del mercado estético, las galerías y los marchantes, que convierten a la obra de arte en una mercancía: el arte no es mercancía, sólo creatividad y ésta es necesaria para nuestra vida.





Joseph Kosuth. Una y tres sillas. 1965.
Joseph Beuys. Cómo explicar cuadros a una liebre muerta.

Los desarrollos o direcciones del arte conceptual son variados:
El Happening o arte de acción sería el origen de esta nueva forma de hacer arte. El objeto artístico en el happening es la propia acción realizada en muy diversos medios cotidianos no necesariamente elaborados dentro de una estructura artística como galerías o museos. Los Happenigs son acontecimientos- espectáculos, cuyo origen está en el dadaísmo (provocación, agitación, escándalo) y en la action painting de Pollock, pero aquí el espectador se puede integrar como participante en la acción. Joseph Kosuth presenta en 1965 su obra Una y tres sillas, donde hay una silla en la realidad, su fotografía y un texto del diccionario donde se define la palabra silla. Juntos configuran el concepto de silla, lo que es mucho más completa que la representación de la imagen de la silla. Jannis Kuonnellis expone Doce caballos vivos en 1969, convirtiendo la galería en una cuadra. Hermann Nitsch en su obra Colonia, pintó el cuerpo de un colaborador suyo con la sangre de una oveja destripada que estaba al lado en 1974. Joseph Beuys fue un gran provocador y hace obras como presentarse él mismo con el cadáver de una liebre (Cómo explicar cuadros a una liebre muerta), Coyote o El Jefe. Aunque los artistas como Beuys no tenían como objetivo producir objetos artísticos, fue tal la expectación que crearon con sus acciones que se buscaban fotografías y restos de los montajes que adquirieron precios astronómicos en el mercado, con lo que se lograron objetivos totalmente opuestos a sus propósitos.
Al final del siglo nos encontramos con un eclecticismo que lleva a los artistas a buscar y experimentar nuevas soluciones. Así, algunos se exponen a sí mismos en galerías, buscando un arte provocativo, son los Body-Art, es el caso de Gilbert and George, que utilizan su propio cuerpo como materia escultórico (Performance, Frío). Bruce Neuman se fotografía escupiendo agua por la boca(Autorretrato como fuente).














Gilbert and George. Performance.
Bruce Neumann. Autorretrato como fuente.

Otros buscando evadirse de las galerías y los museos y el mundo mercantilista del arte, encuentran en el contexto de la naturaleza nuevos espacios para la intervención artística. Esta tendencia de los años 70 es conocida como Land Art (arte de la tierra) y se da en Estados Unidos, y busca en glaciares, desiertos y acantilados nuevos soportes para la expresión artística. En plena sociedad industrializada, el artista modifica el espacio, amontonando tierra,, haciendo espirales y trazando surcos sobre el hielo..., o bien cuelga cintas o paraguas de colores. Pero en el fondo es un arte efímero, tan efímero como la vida misma. Destaca Dennis Oppenheim y sus círculos de hielo, y los surcos o las Espirales del Lago Salado en Utah de Smithson. En otra línea el búlgaro Christo Javecheff embala edificios (Reichstag de Berlín, Pont Neuf de París...) y espacios naturales, o expone objetos cotidianos embalados en tela o papel.



Dennis Oppenheim. Annual rings. 1960.
Christo Javecheff. El Reichstag de Berlín empaquetado.

Otro movimiento de los años setenta, típicamente norteamericano, fue el Minimal Art o Arte minimal. Los artistas de este movimiento rechazan la artisticidad de los objetos expuestos, así como toda imposición naturalista o figurativa, heredando la tradición geométrica abstracta de Malevich y Mondrian. Todos tienden a concretar su trabajo en unidades modulares geométricas y tridimensionales que juegan con la escala y el tamaño. Además hay un vínculo directo entre escultura y espacio, de manera que la obra está acabada cuando participa de un ambiente preciso y concreto, que ha sido previamente y largamente estudiado y planificado. Todo ello provocaba un gran interés en el público, y ese era su objetivo. Los artistas más importantes de este movimiento fueron Donald Judd, Dan Flavin, y Robert Morris. Por su parte, Anthony Caro (Promanade) y Richard Serra (también participa del arte Póvera), hacen grandes obras de hierro y otros metales, en espacios públicos, pero también de manera ordenada y racionalizada, donde el material sigue siendo el protagonista.


Anthony Caro. Promenade.  //  Donald Judd. Sin título.

El Arte Povera (arte pobre) nació en Italia a finales de los sesenta, y buscaba un lenguaje emotivo, íntimo, alejado del enfoque comercial del arte, siendo efímero, antiformal y trivial, dando todo el protagonismo a los materiales y a sus cualidades físicas y a su mutabilidad o transformación. Estuvo muy influido por la pintura metérica de Tapiés, desarrollándose al mismo tiempo que le Minimal Art, con el que coincide por la sencillez de los medios y materiales utilizados, materiales orgánicos, pobres en un mundo tecnológicamente rico. (plantas e hierbas, sacos, cuerdas, trapos viejos, grasas, tierras, leña, minerales...) siendo una crítica a la sociedad consumista del momento. De este grupo destacan autores como Michelangelo Pistoletto (Venus de los trapos), Mario Merz (autor de varios iglus) o Jannis Kuonellis (quién colocó en 1969 doce caballos vivos en la galeria L´Attico de Roma).


M. Pistoletto. Venus de los trapos.
Richard Serra. Fulcrum. Londres.


Quisiera advertirles que por problemas informáticos (problema de fuente o ventilador o no sé) tendré que llevar el ordenador al técnico, con lo cual estaré unos días sin maquinaria de trabajo. De esta manera, no podré publicar ni contestar a los comentarios, ni comentar en otros blogs amigos. Espero que sea poca cosa y poco tiempo.
Related Posts Plugin for WordPress, Blogger...