LOS OTROS PINTORES BARROCOS ESPAÑOLES

 José Antolínez. El tránsito de la Magdalena. Óleo sobre lienzo. 1672. Museo del Prado. Madrid.

Es cierto que en el siglo XVII coinciden cuatro enormes pintores en nuestro país: Ribera, Zurbarán, Velázquez y Murillo. Y son cuatro de los más grandes maestros de la historia de la pintura universal. Pero al hilo de lo que publicaba hace poco el compañero extremeño Javier Ridruejo en su espacio Locus Amoenus (Desatinos del temario...), existen en esta época una gran nómina de excelentes artistas, pintores magníficos de no haber coincidido con aquellos monstruos de los pinceles, eclipsados totalmente por el genio del valenciano y los tres sevillanos (Zurbarán, por adopción) y que nunca se estudian y apenas nos suenan sus nombres. En este post queremos reflejar la existencia de tales pintores hispanos, así como una breve muestra de sus obras.

El siglo XVII es el llamado Siglo de Oro de la pintura española. En él se muestran las personalidades más fuertes del arte nacional, aunque como sucede en la escultura, puede subrayarse la limitación que supone la carencia casi total de pintura profana, mitológica especialmente, y de la sensualidad barroca italiana, al no existir otra clientela que la religiosa, y sobre todo la monástica. Salvo en la Corte, la actividad de nuestros pintores va ligada a lo devocional, y si en algunos casos es evidente la intensidad con que se acierta a expresar el apasionado fervor contrarreformista, apoyado en la realidad sensible, en otros puede reconocerse una cierta monotonía y el frecuente recurso de apoyarse en composiciones ajenas, aprovechando los modelos que suministran las estampas flamencas e italianas.

Como características generales destacan los contenidos religiosos y devocionales, con una clara tendencia hacia lo ascético y místico, con cuerpos en éxtasis o miradas perdidas hacia el cielo. Existe una gran  presión  de  la Inquisición: se prohíben los desnudos y lo pagano (Contrarreforma). 

 Vicente Carducho. Conversión de San Bruno. 1626-1632. Convento de Santa María de El Paular. Rascafría (Madrid). 

La pintura barroca hispana significa de modo general el triunfo de una tendencia que privilegia el realismo, incluso en sus aspectos dolorosos y patéticos. El realismo es el afán común y se intenta solucionar de varias formas. En este proceso el punto de partida es el Tenebrismo de Caravaggio y sus novedosas indagaciones sobre la luz. La casi totalidad e escuelas y maestros siguen ese nuevo sendero, quedando la técnica tenebrista incorporada de pleno derecho, siendo su aparición constante en las obras del momento.

Se podría dividir el siglo en tres grandes períodos: la primera mitad, los años centrales con los grandes maestros y la segunda mitad.   Es  un  siglo  pródigo  en  pintores  pero  este  siglo  termina  por  agotamiento a fines del XVII y habrá que esperar a la segunda mitad del XVIII para encontrar a otro gran maestro: Goya.

La primera mitad se caracteriza por el realismo y el tenebrismo, de influencia directamente italiana. Los focos más importantes son Castilla, con la corte de Madrid y Toledo como centros, Andalucía con Sevilla, y Valencia, destacando, especialmente, esta última zona (con Ribalta y Ribera). En los años centrales del siglo aparecen los más grandes pintores: es la época de Zurbarán, Alonso Cano y Velázquez.   En la segunda mitad o Barroco pleno, cambia  el  gusto pictórico. La difusión de los modelos flamencos rubenianos, y el nuevo sentido, más triunfal, opulento y colorista, que la iglesia difunde, cambia por completo el tono de la pintura española, que de realista y tenebrista pasa al colorismo luminoso y al optimismo teatral del pleno barroco. Pero falta en España casi por completo ese clasicismo que hemos visto en Italia y Francia. En este período, la importancia de Valencia casi desparece, y sólo Madrid (Velázquez) y Sevilla (Murillo y Valdés Leal) crean escuelas de primer orden.

 Eugenio Cajés. Adoración de la Virgen. Óleo sobre lienzo. 1603. Museo del Prado. Madrid.

Primera mitad de siglo: el naturalismo

Madrid:

En el ámbito castellano, la conexión con El Escorial es muy directa, ya que algunos de los más importantes pintores madrileños de comienzos de siglo son de origen italiano. Ellos introducen, junto a una técnica muy hábil, una especial sensibilidad religiosa que se aproxima a lo real, y humaniza las representaciones sin perder el decoro, es decir, la nobleza necesaria en las representaciones religiosas. En Madrid pueden citarse a Vicente Carducho, florentino de nacimiento, hombre culto, amigo de Lope de Vega y los escritores de su tiempo, cuyos lienzos principales son los que pintó para el Convento cartujo del Paular. Son obras importantes, muy bien compuestas y con un hábil sentido narrativo, aunque su ideal pictórico se basa en los principios del Renacimiento. Otros pintores de este círculo son Juan Van der Hamen, de familia flamenca, bodegonista excelente y tenebrista en los cuadrosreligiosos, Eugenio Cajés (hijo de italiano) y Juan Bautista Maino, fraile dominico que estuvo en Italia y conoció a Caravaggio y a Annibale Carracci, formando un estilo muy personal, de fuerte realismo y modelado escultórico, pero con colores claros y un gran interés por la calidad de las cosas.

 Juan Bautista Maino. Adoración de los pastores. Óleo sobre lienzo. 1611-1613. Museo del Prado. Madrid.

Toledo:

Los pintores toledanos más importantes son Luis Tristán, discípulo de El Greco, con figuras alargadas que avanzan hacia el tenebrismo y el naturalismo, Juan Sánchez Cotán, cartujo al final de su vida, aunque su estilo se basa en el de El Escorial (especialmente Luca Cambiaso); es uno de los grandes bodegonistas de la historia de la pintura, y el murciano Pedro Orrente, establecido en Toledo, que viajó a Italia y crea un estilo imitando a los Bassanos e incorporando formas e iluminación ya  caravaggiesca, como el el San Sebastián de la Catedral de Valencia.

 Juan Sánchez Cotán. Bodegón de caza, hortalizas y frutas. Óleo sobre lienzo. 1602. Museo del Prado. Madrid.

 Pedro Orrente. Martirio de San Sebastián. Óleo sobre lienzo.1616.  Catedral de Valencia.

Valencia:

La escuela valenciana es la más importante en España a principios de siglo. Francisco Ribalta inicia su andadura pictórica desde una influencia  de Navarrete el Mudo  y  otros pintores del  círculo  de El Escorial. Su estilo nuevo, colorista y realista,  va avanzando en la dirección naturalista, hasta desembocar en obras enteramente tenebristas con un magnifico conocimiento de lo real, una iluminación muy contrastada y una preferencia muy marcada por modelos feos, nada estilizados. En su Visión de San Francisco hace patente que  su  fin  principal  no  es  resaltar  la  belleza  de  sus  figuras  sino  el realismo  y  la  expresividad  de  las  mismas,  las  cuales  llegan  a impresionar  por  su  vigor. En su Crucificado abrazando a San Bernardo, la fuerza del dibujo, la sólida anatomía del cuerpo de Cristo, los espléndidos pliegues del hábito y la luz lateral son el fruto de la madurez artística del pintor.
También destacó en la ciudad del Turia Jerónimo Jacinto de Espinosa, que se mantuvo dentro de la tradición española muy cerca de Zurbarán. Parece que el color pardo-rojizo que domina hoy en sus cuadros es debido a su costumbre de imprimir la tela con cola, aceite de linaza y almagre, lo que les ha hecho perder su frescor original. Prolongó el naturalismo tenebrista con los fuertes contrastes luminosos hasta fecha muy tardía, cuando en el resto de España han triunfado ya las formas del barroco pleno.
El pintor más importante de esta generación es José Ribera, aunque la mayor parte de su producción la hizo en Nápoles. Su obra está estudiada en este post.

Francisco Ribalta. San Francisco confortado por un ángel músico. Óleo sobre lienzo. Hacia 1625. Museo del Prado. Madrid.

Jerónimo Jacinto de Espinosa. Comunión de la Magdalena. Óleo sobre lienzo. 1665. Museo de Bellas Artes. Valencia.

Andalucia:

Los pintores andaluces (sevillanos, especialmente) han sido ya estudiados, tanto los de la primera mitad de siglo como los del barroco pleno y puede consultarse aquí. También ha sido analizado aparte la figura de Bartolomé Esteban Murillo.

Segunda mitad de siglo: el pleno barroco

La segunda mitad del siglo, y especialmente el último tercio, bajo el reinado de Carlos II, vive una transformación completa en cuanto a la pintura. A la influencia italiana, naturalista y tenebrista de la primera mitad, sucede un predominio de lo flamenco, dinámico y colorista, con un sentimiento de brillo y riqueza que contrasta aparentemente con la realidad de la dura decadencia española. Pero en general, la influencia de lo flamenco, de Rubens y Van Dyck, fundida con la tradicional devoción de lo veneciano, produce obras de una belleza de color y de una ligereza de ejecución que cuentan entre lo más notable de la época en toda Europa. Se desarrolla también un tipo de pintura mural, y de bóvedas, nuevo por completo en España. En cuanto a escuelas, sólo destacan los núcleos de Madrid y Sevilla.

 Antonio de Pereda. Alegoría de la Vanidad. Óleo sobre lienzo. 1654. Kunsthistorisches Museum. Viena.

 Antonio de Pereda. El sueño del Caballero. Óleo sobre lienzo. 1655. Real Academia de Bellas Artes San Fernando. Madrid.

Madrid:

Los artistas que constituyen  la llamada escuela madrileña, de mediados y finales del siglo, pueden dividirse en dos grupos, en razón de su edad. Los mayores son los contemporáneos de Velázquez, donde se advierte en ellos el paso del realismo concreto, hacia un mayor decorativismo, y la paulatina sustitución del tenebrismo por el colorismo dinámico. Antonio de Pereda es quizá el más interesante por su extraordinario dominio de la técnica y la maestría en la representación de las calidades de las cosas, ya que es un sutil captador de finos matices y suaves efectos luminosos. Destacó por sus pinturas religiosas y por sus bodegones, que supone un gran avance respecto a sus precedentes, y es el más grande pintor de vanitas de toda la escuela madrileña (Bodegón de la calavera, El sueño del caballero). José Leonardo es un artista de refinado sentido colorista que recoge influencia de Velázquez y Van Dyck, en sus lienzos de batalles pintados para el Buen Retiro. Fray Juan Rizzi, de familia de origen italiano, aunque permanece fiel al tenebrismo de la primera mitad del siglo, supone por lo ligero de su pincelada y lo violento de sus expresiones, un considerable avance en dirección de pleno barroco. Citar también a Francisco Collantes, único cultivador del paisaje, José Antolínez, autor de numerosísimas Inmaculadas y a Mateo Cerezo. 

José Leonardo. Nacimiento de la Virgen. Óleo sobre lienzo. 1642. Museo del Prado. Madrid. 

Mateo Cerezo. La Asunción de la Virgen. Óleo sobre lienzo. 1660. Museo San Telmo. San Sebastián.

En la capital quedó, como sucesor de Velázquez, un pintor de segunda fila, su yerno Martínez del Mazo, que copió retratos pintados por su suegro y repitió sus asuntos. También debe destacarse al sevillano Francisco Herrera el Mozo (hijo de Herrera el viejo), que trae a Madrid el esplendor dinámico del barroco decorativo italiano (Apoteosis de San Hermenegildo), y a Francisco Rizzi (hermano menor de Fray Juan Rizzi) da el paso definitivo hacia el pleno barroco en sus composiciones religiosas llenas de dinamismo y color, tanto en retablos como altares y decoraciones murales.
Mucho más personales fueron Carreño de Miranda y Claudio Coello.

 Juan Carreño de Miranda. Bóveda de la Iglesia de San Antonio de los Alemanes. Madrid. Pintura al fresco.

 Juan Carreño de Miranda. La monstrua desnuda. Óleo sobre lienzo. 1680. Museo del Prado. Madrid.

Juan Carreño de Miranda (1614-1685) era de noble linaje, aunque se mostraba más orgulloso de su arte que de su estirpe. Pintó a menudo con gran nobleza muchos retratos de personajes ilustres y su obra principal es el Fresco de la bóveda de la iglesia de San Antonio de los Alemanes, en Madrid. Otras pinturas murales suyas, realizadas también en Madrid, han desaparecido. Pero Carreño es apreciado hoy como pintor de retratos. Sus modelos más frecuentes son el raquítico y enfermizo Carlos II y su madre, ya viuda, Mariana de Austria, que aparece siempre vestida de monja. Ambos tienen generalmente como fondo el tétrico Salón de los Espejos del Alcázar de Madrid. Fuera de este triste ambiente, los retratos de Carreño cobran vida y alegría como el del Retrato del Duque de Pastrana.
Claudio Coello (1642-1693) también se dio a conocer por sus retratos de la familia real. Pero sus mejores obras son dos lienzos muy distintos; uno de ellos la gran composición realista que representa a Carlos II adorando  la Sagrada Forma (en la sacristía de El Escorial); aparte del magnífico conjunto de retratos que esta obra constituye, sorprende por la maestría, propia de un Velázquez, con la que ha sido captado el aire de la estancia y la atmósfera creada por la ceremonia a la que asistimos. El otro es una obra de exaltado asunto religioso, la Apoteosis de San Agustín, en el Prado. Ambos demuestran que Coello es el mejor pintor del final del siglo XVII. 
(En esta entrada puede verse el comentario de Carlos II adorando la Sagrada Forma).

 Claudio Coello. El triunfo de San Agustín. Óleo sobre lienzo. 1664. Museo del Prado. Madrid.

Claudio Coello. Retrato de Carlos II. Óleo sobre lienzo. 1683. Museo Nacional de Arte de Cataluña. Barcelona.