ARTE TORREHERBEROS
RICHARD ESTES. "Water Taxi, Mount Desert". Óleo sobre lienzo. Kemper Museum of Contemporary Art, Kansas City (Missouri).


BIENVENIDOS A TODOS Y TODAS. Este blog nace con la única pretensión de complementar y facilitar las tareas a los alumnos/as de Historia del Arte de 2º de Bachillerato del IES Torre de los Herberos de Dos Hermanas (Sevilla), así como hacer pasar un rato agradable a todos los amantes del arte. No tiene ninguna otra pretensión intelectual. De los textos es responsable el administrador del Blog, no así de las opiniones expresadas en los comentarios. Las imágenes o fotografías, videos y presentaciones están tomadas de internet mayoritariamente, citando la autoría siempre que ha sido posible; si en alguna de ellas no aparece, es por error o descuido, y ruego que me lo hagan llegar para subsanarlo. Casi todo lo que aparece en estas páginas es libre y abierto, y se puede descargar para otros fines, pidíéndose únicamente que se cite la procedencia.





martes, 21 de mayo de 2013

COMENTARIO DE ALUMNOS. LIDIA BEJINES. EL ESCRIBA SENTADO DEL LOUVRE




Encuadre:


Título:   Escriba sentado Louvre.
Género: Escultura exenta. 53 cm. Museo del Louvre (París).
Cronología: 2600- 2000 a.C. V dinastía. Imperio Antiguo.
Estilo: arte egipcio.
Otras obras de la época: Estatua del faraón Mikerinos y su esposa, Kefren entronizado, la Tríada de MikerinosEscriba Morgan, Alcalde del pueblo...           

   

Análisis:


Nos encontramos ante la representación de una obra escultórica en la que podemos apreciar la figura de un hombre en actitud sedente escribiendo sobre un rollo (de papiro) que sostiene entre sus piernas cruzadas. Es un escriba, personaje que en la antigüedad suele identificarse como un amanuense o copista. Se trata de una figura exenta, pero no de bulto redondo, puesto que el contenido fundamental de la misma se nos presenta en su parte frontal. 
La obra está realizada en materiales propios de la época; en este caso, piedra caliza pintada de 53 centímetros de altura. Llama la atención la policromía que reúne: predominan los tonos oscuros para cabellos y pupilas y fundamentalmente el tono rosáceo de su piel, que se denota claramente por la razón de que la figura se nos presenta desnuda. Esta circunstancia dota a la representación de un mayor grado de naturalidad. En cuanto a la composición de la obra, se aprecia una clara disposición piramidal, con una base formada por las piernas, más anchas que el resto de las figuras, un tronco constituido por su torso y una cúspide formada por la cabeza. Se nos presenta en una disposición totalmente frontal, donde la desnudez del personaje permite realizar un estudio anatómico del mismo. 
Se observa la plasmación de un rostro marcado por su cabello geométrico, ojos almendrados (artificiales de pasta vítrea para acentuar la profundidad de su mirada), orejas prominentes y labios apretados, constituyendo un todo hierático e inexpresivo. El conjunto de características reseñadas nos haría deducir que nos encontramos ante una obra de la antigüedad, concretamente de la civilización egipcia, donde prima el hieratismo, la quietud y la ritualización de las acciones,  la ceremoniosidad y la solemnidad. Esta obra tienen un carácter utilitario, una finalidad no estética, la belleza es algo secundario en Egipto.


Comentario:

La escultura en Egipto está tan supeditada a la religión como la arquitectura y todas sus obras tienen un carácter utilitario. Las figuras humanas respetan las reglas de la etiqueta oficial. Los arcaísmos, como ojos almendrados y rostros sin expresión, la mirada tensa, la rigidez en la manera de doblar cualquier articulación, sirven a un lenguaje que no busca la representación de la vida, sino retratos-soportes del alma para la eternidad. Siempre se les representaba de frente por respeto (frontalismo para dignificar) si se trata de bulto redondo (con la cabeza de perfil si es relieve). 
Las esculturas de bulto redondo o exentas padecen rigidez, estatismo, idealización, sin movimiento, sin ningún sentimentalismo, sin pasión. Los brazos están pegados al cuerpo. Se realizan en caliza, madera polícromada y las más importantes en granito, obsidiana y basalto. En esculturas exentas los faraones proliferan con frecuencia y junto a él  figuras de funcionarios, como la obra que estamos comentando; escribas, cuyos rasgos transcriben cierto realismo, como ocurre con los oushebti, pequeñas figurillas de tierra cocida o madera, que representan escenas y oficios de la vida cotidiana. En palabras del experto Vandier, hablamos de “ el ejemplar más hermoso que se conoce, según parecer unánime”. Además añade el egiptólogo francés que basta mirarlo para saber que el modelo era inteligente, voluntarioso y poco propicio a la bondad.


En la evolución de la escultura egipcia podemos distinguir las siguientes etapas:

Etapa Tinita:

La plástica de este periodo ha dejado magníficos ejemplos de objetos de uso cotidiano, como los mangos de cuchillos  rituales o las paletas de tocador.

- Cuchillo Gebel -El-Arak                                                                                                                                                                                                              -Estela del Rey Narmer                                                                                                                                                                                         -Estela del Rey Serpiente (Uto)                                                                                                                                                                

Imperio Antiguo:

-Esfinge de Gizeh

- Estatua sedente del faraón Kefrén

- Conjunto del faraón Mikerinos, la diosa Hathor y la representación del nomo de Kynopolis

-Estatua del faraón Mikerinos y su mujer

-Escribas del Louvre y Morgan ( esta obra)

- Cheik-El-Beled o Alcalde de pueblo

- Rahotep y Nefret sedentes

- Enano Seneb con su mujer e hijos.

Imperio Medio:

Va a tomar mucha preponderancia el relieve; los bajorrelieves y relieves rehundidos. Su nota distintiva es el realismo  intenso, aunque la primera impresión es el hieratismo monótono , y solían estar acompañados de escritura jeroglífica.

-Barco funerario

Imperio Nuevo:

Se nota cierta tendencia hacia la idealización de las majestuosas representaciones de los faraones. Se distinguen 3 etapas:
       1)  Hasta el reinado de Amenofis IV:


-Colosos de Mennon
2)  Revolución de Tell-el-Amarna ( Amenofis IV= Akenatón):


-Retratos de Amenofis IV y escenas familiares con sus hijos en relieve.

- Retrato de Amenofis IV

- Relieves de Tell-El-Amarna

- Cabeza de Nefertiti

3) Periodo post-Amarna

-Máscara mortuoria de Tutankamon

-Estatuas del Speos de Ramsés II en Abu Simbel

- Relieves de Ramsés II

- Carneros de Amón en Karnak.



Bajo Imperio:

Surge un eclecticismo característico de la decadencia, tomándose como referencia los modelos del pasado.
-Cabeza verde

-Estatuas de animales y dioses saítas.



Contexto Histórico:



Egipto es un país que tiene unos condicionamientos naturales que se van a dejar notar en su arquitectura, tales como la vida alrededor del valle del Nilo y su clima seco desértico. La arquitectura es totalmente adintelada y no está pensada para el hombre sino para los dioses egipcios. El carácter geométrico está muy medido. Como material fundamental se usó la piedra labrada y como elemento sustentante la columna que variaba la forma de su capitel según qué parte del río Nilo estuviese más cerca.En cuanto a la sociedad egipcia, estaba muy jerarquizada. 
El faraón no solo era el jefe político sino también religioso, para el pueblo eran considerados como dioses. Eran los responsables de que el orden de la vida no fuese alterado. La sociedad estaba dividida en: el faraón, debajo de él se encontraban los altos funcionarios (administración y ejército) y los sacerdotes, después los funcionarios (escribas, mercaderes, artesanos y campesinos) y por último los esclavos.La religión egipcia era politeísta. Había dioses venerados en todo el país. Los egipcios tenían un concepto de vida la cual no se terminaba después de la muerte, creían que no solo el alma (ka) seguía viviendo sino también el cuerpo (ba).

 

domingo, 19 de mayo de 2013

LA ABSTRACCIÓN DESDE LA SEGUNDA MITAD DEL SIGLO XX


Mark Rothko. Nº 61 (Rust and blue). Óleo sobre lienzo. 1953. Museum of Contemporary Art. 
Los Ángeles.



El objeto había sido sometido en la pintura del s. XX a toda suerte de experimentos: reducido a color en el Fauvismo, geometrizado en el Cubismo, distorsionado en el expresionismo, vibrado dinámicamente en el Futurismo, soñado en el Surrealismo; tras la Premera Guerra Mundial, en el arte abstracto se procede definitivamente a su eliminación. El lienzo se transforma en un grito, en lago inarticulado e incomprensible que, para algunos, responde a la raíz destructiva de la sociedad moderna. Fran Marc afirmaba que la imagen visual de la naturaleza nos impide penetrar en la verdad íntima de la realidad, por tanto, había que quitarle a las cosas el envoltorio y la apariencia para penetrar en la esencia y en la verdad.
El propósito de los artistas abstractos es prescindir de todos los elementos figurativos para concentrar la fuerza expresiva en formas y colores que no ofrezcan relación con la realidad visual. La obra se convierte en una realidad autónoma, sin conexión con la naturaleza, y por tanto ya no representa hombres, paisajes, casas, flores, sino simplemente combinaciones de colores que intentan expresar con un lenguaje sin formas, como el de la música, la necesidad interior. El color se ordena libremente, a impulsos de la inspiración.

V. Kandinsky y P. Klee son considerados los padres de la pintura no figurativa, los iniciadores de lo abstracto en el siglo XX. La marcha de la abstracción  ha seguido dos caminos opuestos y diferentes:

1) la del gesto motor, improvisación infantil y velocidad de trazado: Kandinsky, Klee y el expresionismo abstracto americano (Pollock);
2) La de la trama geométrica y las formas regulares planas, con criterios reflexivos y racionales: Constructivismo, Neoplasticismo e Informalismo. 
En esta entrada nos centraremos en la abstracción de la segunda mitad del siglo XX, que está basada, mayoritariamente, en la pintura del gesto motor y velocidad de trazado.
Desde el final de la II Guerra Mundial Nueva York se manifiesta como la capital de las artes, como antes lo había sido Paris. La llegada de numerosos artistas europeos exiliados (Dali, Ernst, Chagall, Mondrian, Laurens, Lipchtz...), y la modernidad que ocupa el mundo del arte en esta ciudad, que le acerca a las vanguardias (creación del MOMA, y apertura y ayuda a los jóvenes valores de la galería de Peggy Giggemheim,) va a provocar el desplazamiento del centro de gravedad del mundo artístico de Europa a los Estados Unidos. A la vez se van conformando dos mundos artísticos diferentes, el arte americano, más pragmático y más centrado en la producción de objetos, y el arte europeo, más creativo y más atento al papel que el artista juega en el repertorio simbólico colectivo.

Además la sociedad ha cambiado: se ha incorporado al arte el mundo del diseño, de la publicidad y los medios de comunicación de masas, la vida se ha tecnificado y automatizado. No sólo se han transformado los espectadores, sino también los propios artistas y los mismos objetos artísticos, que al dejar de ser únicos, atacan la esencia misma del arte y abren un interrogante sobre su nueva función. La primera orientación del arte va a ser la acción abstracta.

 Jackson Pollock. Ritmo de otoño: Número 30. Óleo sobre lienzo. 1950. MOMA. Nueva York.
 


EXPRESIONISMO ABSTRACTO O INFORMALISMO





Surge a partir de la Segunda Guerra Mundial desarrollándose en la década de los años 50.  El término expresionismo abstracto se generaliza a partir de 1950 aunque fue empleado por primera vez en 1929 por el crítico Alfred Barr al referirse a las "improvisaciones" de Kandinsky, estando el punto de partida del expresionismo abstracto son Kandinsky y el Expresionismo. Algunos críticos utilizan el término “informalismo" como sinónimo del expresionismo abstracto"; con ello quieren señalar que se trata de una pintura en la que están ausentes las formas definidas. Al separarse de la racionalización y de lo figurativo o o conceptual, también se conoce este tipo de pintura como Informalismo, ya que trata de estudiar las calidades de la materia e integrar el objeto en el cuadro.

Se diferencia de la abstracción geométrico en que ésta emplea formas rígidas tomadas de la geometría, mientras que la abstracción expresiva emplea formas flexibles, es decir, formas que no pueden ser definidas. Es una pintura basada en la intuición y en la subjetividad, que intenta reproducir sobre el lienzo los efectos de un determinado estado emocional ya que para ellos el sentimiento debe prevalecer sobre la razón.

Existen varias tendencias pictóricas pero todas tienen unas características comunes, como el hecho de que todas son una pintura de acción, donde la obra es gestada en el mismo acto de pintar: el azar, más o menos controlado, es parte importante del proceso creador. Destacan las siguientes tendencias:



Action Painting (Pintura de acción)



Es el nombre con el que se conoce en EE.UU. al expresionismo abstracto y se lo dio el crítico Harold Rosenberg en 1952 para resaltar que se trata de una pintura en la que se valora el acto físico de pintar. Reaccionó contra el academicismo cubista y surrealista que había triunfado entre las dos guerras mundiales y lleva hasta sus últimas consecuencias técnicas del automatismo, valorando la espontaneidad del artista en el momento de ejecutar la obra; la acción" debe ser autónoma e incontrolada. Por tanto, es una pintura vigorosa. impetuosa, violenta, que emplea lienzos de gran tamaño y colores violentos, estridentes, agresivos. Algunos pintores practicaron la técnica del "dripping”, chorreando pintura sobre tela de manera que, al menos parcialmente, se extienda al azar. 

 Jackson Pollock. Yellow islands. Óleo sobre lienzo. 1952. Tate Modern. Londres.


Abarca a un grupo de pintores conocidos como la Escuela de Nueva York, aunque no forman grupo ni tienen un estilo común, ya que cada uno da una respuesta individual a la representación pictórica.

El pintor más importante es Jackson Pollock (1912-1956). Estuvo muy influido por Miró. Trata de integrar la dimensión tiempo, prestando más atención a la velocidad de ejecución, siendo el gran maestro del dripping, del automatismo gestual, cuyo resultado es una pintura abstracta, sin centro de atención y sin jerarquía de formas. Hace obras abiertas que podrían continuarse más allá de los límites del lienzo, y que reflejan la duraza y agresividad en el proceso de su realización. En sus obras no se expresa ninguna realidad, ni objetiva ni subjetiva, sólo descarga una tensión  que se ha acumulado en el artista. Sus obras más conocidas son Senderos ondulados, Composición nº 13, Eco, One, Yellow islands...

Otro pintor muy importante de este grupo es Willem de Kooning (1904-1997), de origen holandés, que hace series de figuras cada vez más deformadas: son figuras femeninas grotescas, monstruosas y perturbadoras que impresionaron bastante al público. A pesar de la figuración, le preocupa más la expresión de lo gestual. Sus series de Woman (I, II...) es de lo más interesante de su producción.

Otros pintores de la Escuela de Nueva York son Arshile Gorky (1904-1948), de origen ruso, Franz Kline (1910-1962),  el europeo Hans Hartung (1904-1989), quien concibe sus cuadros a través de enormes y violentos trazos gestuales.

 Willem de Kooning. Woman I. Óleo sobre lienzo. 1952. MOMA. Nueva York.



Abstracción Lírica o Pintura contemplativa



Se conoce así al tipo de pintura también abstracta e intuitiva que hacen los pintores de la Escuela del Pacífico, siguiendo la pintura caligráfica de Tobey, haciendo dentro de la abstracción, una representación más ordenada, clara y racional de lo que se quiere comunicar.

Mark Rothko (1903-1970), de origen ruso, es el autor más importante, se trata del reverso de la moneda de la pintura de Jackson Pollock. Lo que en éste es acción, gesto e intuición, en Rothko es color, reflexión y meditación. El hecho de vivir en San Francisco hizo posible que le llegase la doble influencia europea y oriental. Sus cuadros son relejados, construye grandes lienzos a base de enormes manchas de color que se superponen mediante amplias zonas de transición; de ellos emanan una atmósfera de silencio, serenidad y orden:  Homenaje a Matisse, Magenta, negro, verde sobre naranja, Rojo claro sobre negro...  Mark Tobey (1890-1976) (Ritmos de la tierra), procede también de la Escuela del Pacífico. Esta escuela se caracteriza por el abandono de todo componente gestual en aras a una tendencia al quietismo y a la contemplación, es especial al arte oriental y a la caligrafía china. En la misma línea  J. Albers (1886-1976) hace un arte bello y delicado, donde todo aparece muy ordenado, claro y tranquilo. Destacar también a Barnett Newman.

 Mark Rothko. Centro blanco. Óleo sobre lienzo. 1950. Colección particular.

Mark Tobey. Sin título. Témpera sobre papel. 1957. Willard Gallery. Nueva York.

           

Tachismo


El nombre procede del francés “tache", mancha, y fue utilizado en 1954 para designar a una pintura que emplea manchas y manchones de colores.  En Europa el informalismo surgió en torno a la llamada Escuela de París y al artista Michael Tapié. Algunos críticos le denominan "Art Autre" con el fin de designar a una pintura que debería diferenciarse de cualquier otro género preexistente. Valora la expresividad del artista y su proyección psicológica en la obra artística. Es una pintura en la, que se anula, todo tipo de estructura formal o conceptual y que no se somete a ningún principio teórico; no se encuentra en ella forma alguna que recuerde al mundo exterior ni objeto inventado.  Todos los artistas tratan de expresar soledad, ansiedad, crisis, en consonancia con el ambiente de posguerra. El francés Jean Fautrier (1897-1964) es su representante más estimado: La judía, cabeza de rehén, Testa d´Ostaggio...

 Jean Fautrier. Cabeza de rehén. Óleo sobre lienzo. 1944. Museum of Contemporary Art. 
Los Ángeles.



Pintura sígnica y gestual



Aunque sígnico y gestual no son exactamente lo mismo, los críticos suelen agrupar conjuntamente a los artistas de ambas tendencias. Sus raíces hay que buscarlas en el automatismo surrealista y en el descubrimiento de las grafías y pictografías del Extremo oriente. Corresponde a una pintura parecida a la Escuela del Pacífico, pero hecha en Europa.

°     Sígnica: utiliza un particular grafismo para crear "nuevos alfabetos”.

°     Gestual: basa la pintura en la ejecución rápida y no controlada racionalmente.

Los rasgos típicos son rapidez en la ejecución, impulso personal irreflexivo. Creación de signos abstractos: el cuadro es una especie de indescifrables caligrafías orientales. Uno de sus primeros representantes fue Alfred Otto Wolfgang Wols (1913-1951), alemán afincado en París (Composición V), también Georges Mathieu o Auguste Herbin (1882-1960), quién hace signos geométricos mezclados con otros signos y notas musicales, todo muy colorista e infantil. Pero el más refutado es el francés Jean Dubuffet (1901-1985). Fue el creador del concepto “Art Brut” para designar a las pinturas hechas como la harían los psicópatas y los niños, además de los graffitis. En su pintura el gesto expresivo domina la obra. Se trata de un arte hosco, feo, grotesco, insólito. Tiene una producción muy extensa, trabaja la materia (arenas, cal, cenizas, asfalto, carbón...) y no deja de experimentar en las décadas siguientes, en conexión con la música, arquitectura y escultura, en obras muy difíciles de clasificar, llenas de ironía y transgresión, donde quiere denunciar el carácter represivo de la cultura: Paisaje filosófico, Ser y parecer, vida en familia... 
Podríamos citar el Grupo Cobra (Karen Appel, Asger Jorn...) en la zona de los Países Bajos y nórdicos, quienes recuperan la violencia cromática de tradición expresionista y dadaísta, aunque resuelta con mayor crudeza visual.

 

 Alfred Otto Wolfang Wols. El fantasma azul. Óleo sobre lienzo. 1951. Museo Ludwig. Colonia.

 

Jean Dubuffet. Grand maestre de la outsider. Óleo sobre lienzo. 1947.





Pintura matérica



Los materiales empleados en la confección de la obra deben ser los que centren la atención del artista, la única motivación del cuadro. La materia ocupa el primer lugar en la escala de los valores artísticos; es el medio expresivo por excelencia, incluso es más importante que la forma. Los pintores matéricos se preocupan por el aspecto físico y técnico de la obra, desinteresándose del dibujo y la composición; la obra es confeccionada con los más diversos materiales: cortezas, trapos, arpilleras, telas metálicas, jirones de tejido cosidos sobre un armazón metálico, arena, serrín, barnices, incluso piedras, etc., unidos y pintados para conseguir efectos sorprendentes.

La utilización de materiales de este tipo y otros muchos de desecho se hace cada vez más frecuente (Pop Art, Arte Povera).

 Los primeros ejemplos de esta nueva importancia dada a la "materia" se encuentran ya en determinados trabajos de los primeros surrealistas y entre los dadaístas. Tuvo mayor desarrollo en Europa que en América. Su origen está en los cuadros de Jean Fautrier, quién usaba grumos de color superpuestos y coagulados mezclando pintura con cola y papelaes. Uno de sus grandes representantes es el italiano Alberto Burri (1915-1995) autor de varios cuadros con telas de sacos  (Saco nº 5). En España tuvo mucho importancia la pintura matérica, cuyo máximo representante es el catalán Antoni Tápies (1923-2012). Formó parte del grupo Dau al Set, estando muy influenciado por la pintura de Miró, la abstracción de Klee y el informalismo de Dubuffet. Empleó técnicas mixtas: óleos, acuarelas, tintas chinas, polvos de carbón y mármol, colas... y todo para conseguir calidades densas con aspecto rugosos y ásperos. Estos empastes se colocaban sobre diversos tipos de soporte: madera, lienzos, chaps, extendiendo color de manera arbitraria, colores afines a la tierra (ocres, blanco sucio, beige, negros), y utilizando collages al aplicar a veces hilos, periódicos, cartones y cuerdas, todo lo cual le da un aspecto de relieve, pero tratando siempre de humanizar la materia, con un inequívoco sello poético. Eliminará cualquier elemento figurativo, y evita también los símbolos porque son superación de la materia (Gran óvalo, Rosa sobre materia. Barrera secreta...). Con el tiempo evoluciona y se aproxima al arte conceptual y al arte Povera. 

 Alberto Burri.Tela de saco y rojo. Tela de saco, cola y pintura vinílica sobre lienzo. 1954. Tate Modern. Londres.

El canario Manolo Millares (1926-1972) profundiza en las culturas primitivas y el surrealismo. Fundador del grupo El Paso, lacera, mutila y perfora la tela, siendo sus arpilleras símbolos del quehacer humano y violento. Se especializó en la tela de saco rota y cosida, pintada de blanco o negro (cuadro nº 173, Pintura 86...). También podemos incluir aquí la pintura de Modesto Cuixart (1925-2007) aunque con un vocabulario sígnico y simbólico diferente (Linneus escriba).

 Antoni Tapies. Monócromo gris-ocre. Técnica mixta (tela de saco sobre lienzo). 1966. Galería Maeght. París.



El Informalismo en España



En España, donde la posguerra es extremadamente difícil por la situación política que se vive, la recuperación cultural y artística es lenta. Los jóvenes artistas se interesan por todo aquello que comportase innovación y supusiese relación con lo que entonces se hacía en Europa y Estados Unidos. En Barcelona, tras la vuelta de Miró a España, en 1948 se funda el Grupo Dau al Set, al que pertenecen pintores como Antoni Tápies y Modesto Cuixart y literatos como J. Brossa y E. Cirlot. Se interesan por textos e imágenes del arte infantil, del arte popular, por la música y el cine, teniendo influencias del surrealismo, dadaísmo y expresionismo alemán.

Entre 1957 y 1960 funciona en Madrid el Grupo El Paso, muy interesado en el Informalismo, y trata de conectar con el impuso europeo y americano del Expresionismo abstracto, gestualismo y abstracción en general. Cada uno de los artistas que participaron muestran, a lo largo del tiempo, creativas personalidades individuales que abrieron interesantes caminos: Antonio Saura, Rafael Canogar, Luis Feito, Manuel Viola, Martin Chiniro o Fernando Zobel. 
Antonio Saura, cultiva los temas informalistas, pero sin abandonar del todo lo figurativo, y ha conseguido sugerirnos la iconicidad con los procedimientos del machismo, es decir trazos gruesos y manchas de color (Brigitte Bardott, Crucifixión...). Su pintura se mueve entre lo gestual y el Machismo. Lucio Muñoz profundiza en la Pintura matérica, utilizando con preferencia la materia rota y claveteada formando superficies rugosas y matices cromáticos que continúan esa supuesta veta brava del arte español. Eusebio Sempere, que formó parte del Grupo El Paso, representó la aportación española más interesante de la corriente del Arte Cinético; en la misma línea se mueve el grupo Equipo 57.

  Antonio Saura. Brigitte Bardot. Óleo sobre lienzo. 1959. Museo de Arte Abstracto Español. Cuenca.

 

Eusebio Sempere. Las cuatro estaciones. Gouache sobre tabal. 1980. Fundación Juan March. Palma de Mallorca.

 

  ÚLTIMAS TENDENCIAS ABSTRACTAS



A partir de la década de los años 60, Norteamérica impone su primacía en el terreno artístico, tomando la iniciativa con la invención de nuevas técnicas y lenguajes artísticos. Este período se caracteriza por la búsqueda de nuevos caminos: los artistas utilizan toda clase de métodos naturales o no naturales (por ejemplo, las drogas), así como materiales no considerados como artísticos hasta ahora (plásticos, chatarras, objetos usados). A veces resulta difícil establecer si se trata de esculturas o pinturas ya que los cuadros introducen los elementos más variados: se concede gran importancia a la luz, al movimiento y al sonido en las nuevas experiencias plásticas.

Las corrientes o tendencias aparecen y desaparecen rápidamente, algunas incluso no han pasad de ser infructuosos intentos de nuevas experiencias. Pero lo que caracteriza las décadas de los 60 y 70 es un enfriamiento del arte, en el sentido de que se empieza a apreciar unas nuevas vanguardias (muy distintas entre si) basado en la reflexión intelectual, en un sustrato de racionalidad y no en el gesto intuitivo, que se mantendrá hasta finales del siglo.

Serán Barnett Newman (1905-1970) y Lucio Fontana (1899-1968) quienes manifiestan su total rechazo a la maraña cromática de la Escuela de Nueva York. Para ambos, el lienzo planteado como una gran superficie monocroma, se convierte en algo radicalmente abstracto, que posee sentido como tal objeto artístico y no como manifestación de un proceso creador individual. Con todo el Informalismo sigue influyendo en los dos: el color inunda los cuadros de Newman (¿Quién tiene miedo del rojo, amarillo y del azul?) o la monocromía en los de Fontana (Concepto espacial). Este pinta lienzos de un solo color, sin tonalidades para luego arañarlo o rasgarlo. La aportación de ambos fue extraordinaria en el proceso de racionalización de la pintura, y son el origen de otras tendencias posteriores como la Nueva Abstracción o el Arte Óptico. En la misma línea podríamos citar la pintura del español Fernando Zobel (1924-1984).


 Barnett Newman. Canto XVII. Óleo sobre lienzo. 1963-64. Tate Modern. Londres.

 Lucio Fontana. Concepto espacial. Óleo sobre lienzo. 1960. Galleria d´Arte del Naviglio. Milán.


_________________________

Insertamos, para terminar, dos videos sobre el expresionismo abstracto y Pollock pintando, donde se aprecia la técnica del dripping. 


 
Related Posts Plugin for WordPress, Blogger...