RESUMEN DE LA PINTURA VENECIANA DEL CINCUECENTO

 Paolo Verones. Las bodas de Canáa. Óleo sobre lienzo. 1563. Museo del Louvre. París.

La influencia de Venecia en el arte de la pintura es capital. En el siglo XV,  los Bellini y Carpaccio ponen las bases de una escuela que va a caracterizarse por el culto al color, siempre prevaleciente sobre el dibujo. En esta ciudad, la riqueza desbordante por el comercio con Oriente, hace que en la pintura destaquen las calidades de los objetos, así como la luminosidad y el color. Dentro de la dinastía de los Bellini, Giovanni Bellini se destaca por su estilo suave y delicado, tremendamente sensual, describiendo el escenario y el ambiente espacial cargado de orientalismo y bizantinismo, con vírgenes graves asomadas a la ventana ue dejan ver un paisaje de luz y color. Por su parte, Carpaccio destaca por su gusto por el pormenor cotidiano de influencia flamenca, con formas también delicadas y suaves. Otros pintores venecianos del Quatrocento son Antonello de Messina y Carlo Crivelli.
Ya en el siglo XVI, una serie de grandes maestros, como Tiziano, Tintoretto o Veronés, descubren para la pintura posibilidades que explotarán los artistas del barroco. 

Algunas características que confluyen en la rica pintura veneciana pueden ser históricas y sociales: la neblina de la ciudad de los canales desdibuja los contornos y sensibiliza la pupila de los pintores para otorgar más interés a la forma que a los contornos, es decir, al color que al dibujo. Por otro lado, la república veneciana es una metrópoli comercial y por sus calles pasean en el Renacimiento gentes procedentes de lejanos países, ataviadas con sus indumentarias de colores vivos. No menos influyente es la sociedad veneciana con su alegría  de vivir, el esplendor de sus procesiones, el lujo de sus fiestas y banquetes.

Giorgone. La tempestad. Óleo sobre lienzo. 1508. Galería de la Academia. Venecia.

Algunas notas de escuela pueden encontrarse en diferente grado en todos los artistas:

–  Culto al color. Se prefiere los tonos cálidos, más idóneos para plasmar la forma bella o el ambiente opulento.

–  Desarrollan las dos técnicas, óleo sobre lienzo y pintura mural al fresco. Las dos tienen las mismas características pictóricas.

–  Importancia de los temas secundarios. Se le concede la misma importancia que al tema principal a la anécdota, al detalle no fundamental. A veces llega hasta tal punto que los detalles esconden la escena principal que suele ser religiosa

– Exaltación de la riqueza. Los ambientes son definidos por palacios, telas, joyas, música... Es  la  expresión  del  alto  nivel  de  vida veneciano, algo de lo que estaban muy orgullosos y de lo que hacían gala siempre que podían.

–  Contemplación poética del paisaje, que se llena de luces y se siente con pasión. El paisaje es visto  con  una  visión  poética  y  romántica,  donde  el paisaje es la escena principal pero siempre vista a través de un prisma de luces tamizadas que la convierten en idílica.

También ella sufrirá la misma evolución hacia el manierismo pero con matices distintos. En su etapa final es el precedente de las escuelas barrocas por ejemplo en España. Sus obras fueron muy cotizadas y sus autores salieron a Europa. Así hoy su obra esta esparcida por todo el continente.

Giorgone

Giorgone (Giorgio Barbarelli da Castelfranco) nace en 1476 y muere en 1510.  Toda su obra se desarrolla en Venecia. Creó un taller donde Tiziano fue discípulo suyo y colaboró en algunas de sus obras. El hecho de no firmar muchas de sus obras y saberse de él muy pocos datos biográficos, lo han convertido en uno de los pintores más misteriosos de la historia del arte.
Es el pintor más comprometido con el paisaje veneciano. Giorgione marca los ideales de superación del clasicismo. Practica la pintura directa, sin boceto previo, ya que no le interesa la reflexión sobre el modelo, sino el mismo proceso pictórico. Así su pintura gana en espontaneidad, frescura y color. Su estilo es nuevo, ya que desaparece el tono cuatrocentista detallista, minucioso y se inicia la plenitud atmosférica con la técnica suelta, donde el paisaje tendrá tanta o más importancia que los personajes, captando el sentido nostálgico, melancólico y sentimental de la naturaleza. Utiliza una rica gama de colores, mucho más rica que la de los pintores del siglo XV, buscando siempre los efectos atmosféricos y ambientales del paisaje, con lienzos de tono profano (a pesar de pintar escenas religiosas, totalmente desprovistas de misticismo), destacando las escenas de género.

 Giorgone. Concierto campestre. Óleo sobre lienzo. 1510. Museo del Louvre. París.

En La  tempestad, el tema en sí es un enigma. No se sabe lo que representa.  Aparece una mujer amamantando a su niño y un caminante al otro lado. No se sabe siquiera si quiere decir algo o sólo es una escena anecdótica y sin importancia. Lo que está claro es que el protagonista es el paisaje, más propiamente la tempestad, ella es la que da el tono cromático a todo el conjunto, una gama de verdes azulados  en  tonos  oscuros. La  tormenta  es  también  la  que  crea  esa iluminación  irreal  producida  por  el  rayo  y  el  relámpago. Las  figuras  están ajenas  a  la  tempestad, iluminadas como el resto del paisaje pero de una forma independiente.  Recorta las casas y las siluetas de los árboles con una luz imaginaria, casi tenebrosa.

El Concierto  campestre parece un cuadro mitológico. Aparecen dos muchachas desnudas y dos hombres hablando entre sí  y tocando el laúd. De nuevo nos encontramos con un tema anecdótico, esta   vez   mucho   más   frecuente  y  clásico,  pero  lo  más importante es el paisaje. Hay en esta obra una mayor variedad cromática,  tonos  dorados  de  los  cuerpos  para  modelar  unos cuerpos   femeninos   que   siguen   el   canon   de   belleza   del Renacimiento,   rojos   aterciopelados   propios   de   la   escuela veneciana   y   los   densos   verdes.   Todos   ellos   crean   esa sensación  de  armonía,  de  atmósfera  densa,  cálida,  sensual  y muy clásica.
Otras obras conocidas suya son la Adoración de los Magos, la Venus de Dresde o los Tres filósofos. 

 Giorgone. Los tres filósofos. Óleo sobre lienzo. 1507-1508.
Kunsthistorisches Museum. Viena.

Tiziano

Tiziano Vecellio es el pintor más representativo y el maestro indiscutible de la escuela. Vivió 89 años de plena actividad pictórica (1487-1576). Se formó en el taller de los Bellini y fue discípulo de Giorgone, siendo un pintor de éxito y fama muy reconocida en su época. Fue solicitado por todas las cortes italianas: Padua, Venecia, donde fue pintor oficial de la República, Ferrara, en Roma al servicio del Papa, AIemania al servicio de Carlos V, etc. La última etapa de su vida la pasó en su Venecia natal.

Su pintura experimentó una evolución notable, preocupándose siempre por el efecto dramático de los contrastes, envolviendo sus obras en tonalidades calientes, cortadas por blancos y azules intensos. En cualquier caso, el conjunto de su obra se caracteriza por el uso del color, vívido y luminoso, con una pincelada suelta y una delicadeza en las modulaciones cromáticas sin precedentes en la Historia del Arte occidental.
Tiziano será el pintor de la grandeza cortesana y el lujo veneciano. Su pintura es colorista, solemne (aúna la gracia de Rafael con la terribilitá de Miguel Ángel) y lujosa. Trata tanto los temas religiosos con convincentes ideas como los temas mitológicos, de poderosa sensualidad, siendo uno de los más grandes interpretes del desnudo femenino. También fue uno de los mejores retratistas de la historia, creando un retrato de aparato solemne, de cuerpo entero y delante de cortinajes, con pertinaz estudio psicológico. Su paleta evolucionó hacia una factura cada vez más pastosa, más gruesa, en la que la mancha parece deshacer la forma. Su carrera artística es tremendamente dilatada, con una producción grandiosa y amplísima. La temática tizianesca es también amplia, retrató a la clase dirigente de su época, recibió encargos de comunidades religiosas y de la nobleza, pintó paisajes, reflejó el clasicismo renacentista y anticipó algunas cualidades del Barroco. En general, podemos dividir su producción pictórica en tres grandes temas: la pintura religiosa, las escenas mitológicas y los retratos. Estas categorías no son compartimentos estancos, debido a que se vieron entrelazadas en muchas ocasiones, como los casos de los retratos de personajes reconocibles dentro de escenas mitológicas o religiosas.

 Tiziano. Amor sacro y amor profano. Óleo sobre lienzo. 1514. Galería Borghese. Roma.

 Tiziano. Asunción de la Virgen. Óleo sobre lienzo. 1516-1518. Santa María Gloriosa dei Frari. Venecia.

La Alegoría  del  amor  sagrado  y  el  amor  profano es una obra de juventud. El amor sagrado se asocia con la figura desnuda y el amor profano  o  banal  con  la  figura  del vestido luminoso. El desnudo en esta época y desde la sociedad griega es el reflejo de la belleza ideal y de la franqueza,  de  la  pureza,  es  el  amor sublime de la razón.   En contra está el amor material, carnal y pasional, adornado para gustar más.  Las dos figuras están sentadas sobre un estanque y detrás hay un cupido agitando el agua como diciendo que lo que fecunda todo es el amor. El  paisaje  del  fondo  también  es  moralizante  y  alegórico: detrás  del  amor  profano  hay  un  paisaje campestre con un castillo que representa a la ciudad terrenal y detrás del amor divino hay un paisaje más bucólico con una iglesia al fondo. Esto nos muestra el nivel de cultura humanista que había en Venecia, un humanismo sensual representado por el lujo,  la calidad y el refinamiento.

Una de sus primeras obras magistrales es la Asunción del Virgen, donde el artista sorprende a la comunidad dotando a las figuras de un clasicismo colosal, fragmentando la composición en tres pisos y en volviendo a María en una nube dorada. Otra obra genial religiosa es el llamado Retablo Pésaro, en el mismo Convento de Santa María Gloriosa dei Frari, donde rompe la simetría frontal al introducir un punto de vista lateral. Otros cuadros religioso a lo largo de su larga y fecunda vida son el Noli me tangere, el Entierro de Cristo o la Magadalena penitente.

 Tiziano. La gran bacanal (Bacanal de los andrios). Óleo sobre lienzo. 1523-1526. Museo del Prado. Madrid.

 Tiziano. Dánae recibiendo la lluvia de oro. Óleo sobre lienzo. 1553. Museo del Prado. Madrid.

La gran Bacanal es el típico cuadro mitológico y pagano.  Representa la alegoría del vino con el dios Baco. Al autor le interesa destacar la belleza de este mito y la Bacanal le interesa por dos cosas:  representar  a  las  figuras  y  después  representar  un paisaje que se fusione con ellas.  El protagonista es el vino y por eso lo pone en el centro de esa composición triangular una composición subyacente no tan clara como en el cuadro anterior. Hay una gran visión de profundidad en el paisaje, escalonado tras el desnudo de Ariadna dormida en un primer plano. Por estas características Tiziano se sitúa paralelamente a la perfección clásica de Rafael.

El retrato que hace de Carlos V en Bolonia con ocasión de su coronación imperial en 1529, iniciaba una larga colaboración artística ala servicio de la monarquía española, que le recompensa con el nombramiento de pintor de corte. Y es que nadie como Tiziano sabe dar al personaje, además de parecido físico, una gallardía triunfal. En el Retrato ecuestre de Carlos V vencedor en Mühlberg representa el mito del poder, con una fuerte carga heroica. Son muchos los Retratos de Carlos V, así como los dedicados a Felipe II.

Esa fórmula áulica, de pose convencional, la simultanea con el pleno naturalismo como acredita el Retrato de Paulo III y sus sobrinos. Este cuadro está dominado por el rojo y revela los sentimientos de los tres personajes que participan en el debate: el afán de poder del pontífice y el servilismo y contención de sus sobrinos. Son importantes los Retratos del III Duque de Alba, Pietro Aretino o Ariosto.

 Tiziano. Carlos V vencedor en Mülhberg. Óleo sobre lienzo. 1548 . Museo del Prado. Madrid.

 Tiziano. Autorretrato. Óleo sobre lienzo. 1567. Museo del Prado. Madrid.

Para la nobleza veneciana realiza ardientes poesías : pinturas mitológicas y profanas en las que recrea a Venus, Diana y Dánae con fuertes dosis de erotismo. Destaca el magnífico desnudo de Dánae y la lluvia de oro, gracias a su cálido colorido y perfección formal. Dentro de este mismo grupo, es destacable la Venus de Urbino, así como Baco y Ariadna, Venus y Adonis o El rapto de Europa.

En la recta final de su vida desarrolla un estilo de trazo nervioso, que anticipa la técnica impresionista, pero en el que sigue presente su mágica paleta. La Crucifixión es un cuadro de la última etapa de su vida cuando su concepción de la pintura ha  variado  mucho. Concibe  los  cuadros  como  una  mancha  previa  de  color  para  acentuar  la expresividad.  Ya  no  le  interesa  el  clasicismo  de  su  primera  etapa.  Aparecen  las  figuras  recortadas sobre un  ambiente  oscuro.  Para  dar  la  sensación  de  pintura  grumosa,  con  mucho  cuerpo, Tiziano recurre a la técnica de pintar con los dedos.  Esta forma de aplicar el color,  junto con los tonos oscuros,  es lo que contribuye a crear este ambiente dolorido y sórdido. En la misma línea estaría su Autorretrato a los ochenta años.

 Tiziano. Venus, Eros  y el organista. Óleo sobre lienzo. 1555. Museo del Prado. Madrid.

Paolo Veronés

Paolo Caliari (llamado el Veronés) es el pintor más ilustrador del lujo y de la alegría venecianas, el gran decorador de la pintura veneciana. Veronés (1528-1588) aprendió de la pintura de Tiziano y Tintoretto, pero también de la de Parmigianino, además de ser muy amigo de Andrea Palladio. Hace sobre todo pintura decorativa de carácter mural y teatral. Gran colorista, prefiere la gama de colores fríos en vez de los cálidos de Tiziano. Decora palacios y casi todas las villas campestres  que  construyó  Palladio.  Opuesto  a  Tiziano,  es  mucho  más  veneciano  que  él. El concepto de la decoración mural lo traslada a los lienzos.  Sus temas son casi siempre religiosos, pero llegan a perderse por el volumen de objetos de lujo y por el marco monumental. Representa las escenas bíblicas al modo de las grandes fiestas venecianas, reflejando así la alegría de vivir y el esplendor de la república de los dogos. Los trajes son fastuosos y el ambiente, suntuoso. Puebla sus obras de multitud de personajes en grandilocuentes arquitecturas. Estos alardes creativos chocaban frontalmente con la fidelidad histórica de los hechos bíblicos, lo que motivó las fricciones entre el artista y la Iglesia. Concibe sus grandes composiciones (siempre lienzos de gran formato) en espacios arquitectónicos clásicos de gran amplitud, muy teatrales, cantando las glorias de Venecia, recreándose en las vestiduras, cortinas, vajillas y alimentos, concediendo gran importancia al fondo arquitectónico. 
Jesús comiendo en casa de Leví es una obra donde el marco arquitectónico llega a ocultar la escena.  La  comida  esta  ocultada  por  el  arco  de triunfo  de  Venecia  (símbolo  del triunfo de  la ciudad   y   de   su   economía). El   fondo   está compuesto  por  edificios  clásicos, símbolo  de  la armonía  que  reinaba  en  la  ciudad.  En  los  lados  están  las clases  altas  de Venecia. No  tiene  nada  de  religioso  y  en  algunos  casos  tuvo  problemas  con  la Inquisición. Muestra los vestidos y objetos de lujo, colores fuertes y composición numerosa. Del mismo estilo son sus obras Cristo entre los doctores y Las Bodas de Canaá, así como su Venus y Adonis o Moisés salvado de las aguas del Nilo.

 Verones. Cristo entre los doctores. Óleo sobre lienzo. 1560. Museo del Prado. Madrid.

 Verones. Venus y Adonis. Óleo sobre lienzo. 1580. Museo del Prado. Madrid.

Tintoretto

Jácopo Comin (1528-1594) era discípulo de Miguel Ángel y será  el pintor  que  más  evolucionó en  esta  escuela veneciana,  incorporándose plenamente al manierismo. Su estilo evoluciona desde las formas de Tiziano hasta el más puro manierismo. Es un pintor que pinta con pasión, alcanzando en su plenitud su característica audacia, el dinamismo incansable de su composición, su uso dramático de la luz y sus enfáticos efectos de perspectiva, que hacen que parezca un artista barroco adelantado a su tiempo. Interpreta temas ya bajo una óptica casi barroca. Por eso es el pintor más atípico de la escuela. 
De Miguel Ángel recoge el gusto por las anatomías plenas y las actitudes difíciles y lo coordina con el gusto por el color, el paisaje y la luz. Practica experimentos porque le interesa el dinamismo y la expresión tanto por el dibujo como por la luz.  u influjo más importante fue el del Greco. Hace enormes lienzos bíblicos o evangélicos, además de ser un gran retratista, gustando de presentar a hombres de letras, funcionarios, magistrados... y no grandes reyes o personajes como Tiziano.

 Tintoretto. El lavatorio de pies. Óleo sobre lienzo. 1548-1549. Museo del Prado. Madrid.

 

En El lavatorio de los pies, de la escena de la Última Cena, elige lo más trivial, cuando Cristo lava los pies a sus discípulos. Sitúa a Cristo a un lado para  hacerle  perder  importancia. Esto supone  un  cambio  iconográfico  muy  peligroso. En  el  centro  coloca  un  perro, que  es  un detalle manierista. Ocupa  el  espacio  de  una  manera desigual. Hay una gratuidad de movimientos y una movilidad muy manierista.   Frente al gran vacío, sitúa la mesa en perspectiva.

El  Traslado  del  cuerpo  de  San  Mateo  es  una  marco  irreal, imaginario  y  sorpresivo. Hay  un  cielo  de  tormenta  aborrascado, figuras que huyen de algo frente a las centrales. El colorido es manierista, el cuerpo de cara al espectador siguiendo el gusto manierista. Aparece un gran vacío en el cuadro, exagerando  la perspectiva. 
Otros cuadros suyos son Susana en el baño, Baco y Ariadna, la Glorificación de San Roque o la Huida a Egipto...

 Tintoretto. Traslado del cuerpo de San Mateo. Óleo sobre lienzo. 1562-1566. Galería de la Academia. Venecia.

 Tintoretto. Susana y los viejos. Óleo sobre lienzo. 1560-1565. Kunsthistorisches Museum. Viena.

Dentro de la línea manierista veneciana, habría que citarse a Jacopo Bassano (1515-1592), con una pintura lujosa y refinada, pero con muchos detalles realistas en sus lienzos religiosos, que lo anticipan al naturalismo barroco.

Terminamos con dos videos ilustrativos de esta etapa, uno sobre la pintura veneciana y otra sobre Tiziano, el más grande pintor veneciano: