APROXIMACIÓN AL IMPRESIONISMO

 Claude Monet. Impression, soleil levant. Óleo sobre lienzo. 1872. Museo Marmottan Monet. París.

Se desarrolla el Impresionismo como movimiento artístico en el último cuarto del siglo XIX. En la segunda mitad de este siglo es cuando nacen los “ismos”. Con su aparición se inicia el llamado "arte moderno": a partir de él las tendencias artísticas o "ismos", que duran muy poco y se suceden con una gran rapidez. Quizá una de las principales aportaciones del impresionismo radica en la dinámica de cambio y renovación que imprime en el arte occidental.  A partir de él se habla de "ismos" y no de estilos. La diferencia entre ambos estriba en que los estilos surgen como expresión de una cultura, mientras que el "ismo" es el resultado de una voluntad expresamente orientada hacia una finalidad. Será muy difícil adscribir a los pintores a un movimiento concreto, ya que al durar éstos tan poco,  los pintores van pasando por diferentes ismos.

Los “ismos” valoran el arte por el arte, el arte por sí mismo, criticándose el gusto burgués. Así el artista de finales de siglo será un ser decadente, automarginado y bohemio. También será un rebelde, hará una crítica social (Van Gogh, Gaugin, Munich...). Durante el siglo XIX el medio por el que los artistas conseguían su aceptación era a través de los Salones o Exposiciones Nacionales. Para un pintor el no ser aceptado en un Salón suponía su marginación y su fracaso. La decisión de incluir o excluir las obras competía a los jurados formados por autoridades académicas cuyos criterios se basan en las tradiciones más conservadoras y se rechazaban las obras originales que suponían una ruptura con el arte oficial. En 1863  se organizó una exposición con las obras que el jurado no había admitido. A esta exposición se la llamó "Salón de los rechazados", entre los que se encontraba Manet y algunos años más tarde, en 1874, organizan la primera exposición impresionista: Monet, Renoir y Pissarro, entre otros. Así surgirá el concepto de vanguardia en el arte, para significar los compromisos progresistas de los artistas y la ruptura con lo establecido por la tradición. Por tanto, la vanguardia siempre será minoritaria, ya que no aspira a dominar el mercado ni a satisfacer al gran público.

Al igual que el realismo se basaba en el positivismo de Comte, el impresionismo lo hace en la teoría de las sensaciones de Locke: la sensación es la fuente de nuestro conocimiento. La sensación alimenta la vista que es la puerta de nuestra experiencia. De ahí que se desdeñe la forma; todo debe partir de lo que el ojo ve y sin ningún tipo de prevención. Por tanto se desdeña el positivismo y el naturalismo que hacen hincapié en la realidad vulgar y en al vida cotidiana, estrecha y agobiante del mundo burgués. También hay que subrayar la relación del arte con la ciencia, es especial con las nuevas formas de reproducción y recreación de la realidad: la fotografía y el cine. Así se abole la ilusión del espacio tridimensional en pintura y se abomina la perspectiva renacentista.

 Auguste Renoir. El columpio. Óleo sobre lienzo. 1876. Museo Orsay. París.

La breve historia del Impresionismo surge en 1874 en la Exposición de Artistas Jóvenes de la Galería Nadar. Entre los cuadros expuestos había uno, debido a MONET, titulado "l'Impresión, sol naciente". El cuadro fue duramente criticado por el crítico LEROY  en la revista Charivari, e incluso, fue el mismo critico el que peyorativamente calificó con el nombre de "impresionistas" a estos pintores; "Esa pintura, a primera vista vaga y brutal, nos parece ser eal mismo tiempo la afirmación de la ignorancia y la negación de lo bello y lo verdadero", escribe en su crítica Leroy. El grupo rechazó en un primer momento el nombre de Impresionistas, porque preferían llamarse “independientes", pero acabó imponiéndose. En la exposición de 1877 las burlas se centran en el más avanzado, Cézanne, cuya geometrización de la realidad se apartaba de los planteamientos sensoriales de sus compañeros. La última exposición como "grupo impresionista" se celebra en el año 1886. La sensibilidad social fue reacia a este tipo de pintura que durante mucho tiempo tuvo que soportar las críticas más adversas, ya que surge como rechazo de la pintura academicista y de estudio de carácter clasicista.

Este movimiento pictórico no tuvo una gran cohesión como grupo. Compartían unos intereses pictóricos y estéticos pero les faltaban unos manifiestos teóricos e incluso una línea de acción unitaria, aunque todos los pintores se conocían, se admiraban y se reunían a hablar y divertirse en la Academia Suisse, el taller de Gleyre o el Café Guerbois.

No nos encontramos ante una escuela de artistas intiuitivos, que trabajen de prisa, antes bien cada uno de ellos dedica un largo período de tiempo a estudiar la técnica pictórica. Durante la guerra de 1870 Monet, Pisarro y Sisley se trasladan a Inglaterra y allí admiran la obra de Constable y Turner; a su regreso trabajan juntos a orillas del Sena y durante algún tiempo sus obras presentan rasgos evidentes de parentesco. A Manet se debe la abolición del claroscuro convencional. Cézanne aporta del sur un colorismo diferente, más claro. Renoir descubre la luz frágil y los efectos ondulantes. Monet aplica la teoría del color fragmentado y explora las posibilidades del divisionismo científico de las manchas.

 Camille Pisarro. Los castaños de Osny. Óleo sobre lienzo. 1873. Colección privada.

Antecedentes inmediatos, como estudio de la naturaleza, su devenir y fugacidad y la importancia de luz, pueden citarse a:

°     La tradición lumínica española: Velázquez y Goya.

°     Los paisajistas románticos ingleses: Constable y Turner.

°    Los paisajistas franceses del siglo XIX o pintores de la naturaleza: la escuela de Barbizón, Corot, Courbet y especialmente Manet.

Las características técnicas principales de este movimiento se pueden resumir en:

Se utiliza el óleo sobre lienzo principalmente, aunque también el pastel sobre papel.

Pasión por la pintura al aire libre: aquí se percibe la influencia de Barbizón y la escuela normanda (H. Rousseau, Jongkind, Boudin, Díaz de la Peña...). Los pintores huyen de los talleres al campo. “Cuando llego a mi taller creo entrar en una tumba”, declaraba Manet. Esta proyección hacia los lugares abiertos viene impuesta por la temática pero más todavía por el deseo de " limpiar de barro" los colores, de verlos y reproducirlos puros, y de hallar un correctivo a la composición demasiada mecánica, de pose, del estudio.

 

   Nuevos temas. Los impresionistas descubren que no existe el tema insignificante sino cuadros bien o mal resueltos. Hacen una recuperación de lo banal que favorece la atención a los problemas formales. Hay una marcada preferencia por los paisajes tanto rurales como urbanos; interesa la captación de lo fugaz- el agua, el humo, aire...-. Son paisajes reales, no compuestos, donde aparecen elementos considerados feos como el ferrocarril, las estaciones,... Aparecen los marinos, vistas fluviales, vistas urbanas, nocturnos, interiores con luz artificial, fiestas, personajes de la bohemia, velocidad y optimismo de los nuevos tiempos... También hay escenas intranscendentes, de ocio -bailes, tabernas-. Se renuncia los temas "importantes", con mensaje; son la negación del tema.

    Nueva valoración de la luz. El color no existe, ni tampoco la forma; sólo es real para el pintor la relación aire-luz. De este modo, la luz es el verdadero tema o motor del cuadro, y por esto repiten el mismo motivo a distintas horas del día (el cuadro es simplemente un efecto de luz). Según los escritos de Constable, afirman que los objetos sólo se ven en la medida que la la luz incide sobre ellos.  La calidad y la cantidad de luz (no la línea o el color) es la que nos ofrece una u otra configuración visual del objeto. Esto les obliga a pintar al aire libre y a emplear una factura rápida capaz de captar algo tan cambiante. Los cuadros son muy luminosos y claros. 

 Edgar Degas. La primera bailarina. Óleo sobre lienzo. 1878. Museo Orsay. París.

   El color está directamente relacionado con la luz. Utiliza colores claros y luminosos (blancos, azules, rosas, amarillos, verdes...), vivos y puros que se aplican de forma yuxtapuesta para que la mezcla se produzca en la retina: es lo que se llama mezcla óptica. Con este recurso se gana viveza cromática. Es decir, afirman que existen tres colores primarios (amarillo, rojo y azul) y tres complementarios (violeta, verde y naranja).Las sombras dejan de ser oscuras y se reducen a espacios coloreados con las tonalidades complementarias, ya que el color se hace más vigoroso acercándolo a su complementario (ej. el rojo y el verde se potencian mutuamente). El negro desaparece por considerar que no existe en la naturaleza por esto el sombreado no se realiza a la manera tradicional coloreando las sombras. Conocen la Ley de los contrastes simultáneos, propuesta por el físico Chevreul, que afirma que los colores difunden una orla de cromatismo complementario: así el blanco opuesto al rojo parece verdecer, lo que permite obtener efectos de contraste.

    Pincelada suelta, corta y rápida. Para traducir mejor las vibraciones de la atmósfera rehuyen cualquier retoque de las pinceladas y prefieren la mancha pastosa y gruesa, rápida y corta, debido a la inmediatez que exigía pintar al aire libre. Todos coinciden en una técnica de toques yuxtapuestos de colores claros, aunque cada uno se singularice por su pelculiar manera de alicar el pincel. La línea desaparece y son la pincelada y el color los valores dominantes. El modeladoal modo tradicional, con gradaciones de color y luz, no existe y con el tiempo se acabará disolviendo las formas y volúmenes en impactos luminosos y cromáticos.

    

     Nueva valoración del espacio ilusorio. No hay interés por el espacio que finja profundidad, desaparece la concepción tradicional del cuadro como escaparate o ventana. Se pretende que sea algo vivo, un trozo de naturaleza, por lo que se huye de la perspectiva y la composición tradicional, aunque sigue habiendo un espacio proyectivo. En muchos cuadros lo llamativo es el encuadre mucho más atrevido, que corta figuras y objetos como el objetivo de una cámara fotográfica. En esto influye la divulgación de las estampas japonesas, especialmente por su brillo y colorido y por la presentación de nuevos encuadres, desconocidos en Europa.

     Nueva relación con el público:  ahora el cuadro no se presenta como algo acabado, sino que es el que lo ve, el espectador, el que lo tiene que reconstruir a través de su retina. Los espectadores ahora no pueden ser pasivos, sino activos.

Edouard Manet. Le déjeuner sur l´herbe (El almuerzo en la hierba). Óleo sobre lienzo. 1863. Museo Orsay. París.

   La nómina de pintores impresionistas es muy amplia, pues algunos sólo compartieron algunas exposiciones y dejaron de interesarse por esta técnica. Los que se mantuvieron más fieles al movimiento fueron Claude Monet, Auguste Renoir, Camille Pisarro, Alfred Sisley, Edgar Degas, Paul Cézanne, Georges Seurat y la pintora Berthe Morisot. 

   Los pintores impresionistas consideraron a Edouard Manet como el precursor del movimiento, al que le correspondió la misión histórica de la ruptura; tras una etapa en que respeta los cánones académicos provoca el escándalo en el Salón de los Rechazados con su "Le déjeuner sur l´herbe" en 1863 y su Olimpia en el Salón de 1865. Formado en el academicismo, evolucionó desde el realismo hasta el impresionismo por lo que es considerado como un precedente de este movimiento. Se interesó por la pintura española, especialmente por Velázquez y Goya; también se interesó por la pintura japonesa y su sentido del color. Trató de unir la tradición clásica del Renacimiento con el Realismo: "El almuerzo en la hierba” , y "Olimpia" son interpretaciones del "Concierto campestre" de Giorgione y de "Venus" de Tiziano, respectivamente, pero con nuevos planteamientos estéticos. Tras su etapa en que respeta los cánones académicos provoca el escándalo en el “Salón de los rechazados” con su Almuerzo en la hierba en 1863, y con Olimpia, en el Salón de 1866. En ambas obras se aprecia el nuevo rumbo que toma el desnudo en la obra de arte, desnudo no justificado por ser héroes o dioses, sino jóvenes de la época (una muchacha junto a dos jóvenes con levita y una prostituta que mira al espectador). Esto la sociedad de la época no estaba dispuesta a tolerarlo.

 Edouard Manet. Olympia. Óleo sobre lienzo. 1863. Museo Orsay. París.

La figura humana, de dibujo preciso y plano, es sólo el pretexto para sus cuadros pues el verdadero protagonista es el color. Concibe las formas como masas de color: grandes manchas de colores puros y planos, con violenta oposición de tonos, aplicados con pinceladas sueltas. Los cuadros producen la impresión de abocetamiento. El empleo de colores puros yuxtapuestos y la total falta de idealización hace que Manet rompa con lo tradicional.

En el Almuerzo en la hierba. (1861), falta el acabado y sobresale los contrastes de luz y sombras, apreciándose ya la pincelada suelta y ligera. Su  Olimpia. (1865) también escandalizó mucho y destaca la piel blanquecina que forma armonías insólitas con los tonos claros del lecho y almohada. Otras obras son Pífano, donde rinde homenajea Velázquez y su su bufón Pablillos de Valladolid, En el bar de Folies-Bergere, Las majas del balcón, Fusilamiento del emperador Maximiliano, Retrato de Zola, Torero muerto...

 Edouard Manet. En el bar de Folies-Bergére. Óleo sobre lienzo. 1881-1882. Courtauld Institute of Art. Londres.

Para terminar, un video de Artehistoria sobre la figura de Edouard Manet: