COMENTARIO DE ALUMNOS. RAQUEL POZA. COMENTARIO NOCHE ESTRELLADA DE VAN GOGH . VICTOR FERNÁNDEZ COMENTARIO SAGRADA FAMILIA DE GAUDÍ

ENCUADRE:

Obra: Noche estrellada. Museo de Arte Moderno de Nueva York (MOMA).

Cronología: 1.889 

Autor: Vincent Van Gogh

Género artístico: Pintura, óleo sobre lienzo (74 x 92 cm.).

Estilo artístico: Arte de Vanguardia, Postimpresionismo

Otras obras: Los girasoles, Campo de trigo con cuervos, Los comedores de patata, La habitación del pintor...

ANÁLISIS:

Esta es una obra realizada en 1889 por Vincent Van Gogh, un pintor holandés posterior al impresionismo. Podemos observar en esta obra una pincelada muy retorcida, curva, sinuosa y a base de pegotes de color. Se impone totalmente el color sobre el dibujo. No mezcla el color y su paleta se fundamenta en el azul y el amarillo, pero sin mezclar. Son colores puros y simbólicos. Hablando de simbolismo, vemos la aparición de cipreses que junto con los cuervos simbolizan la muerte del autor. Vemos como el autor utiliza líneas curvas y cortans dispuestas en círculo alrededor de los cuerpos celestes para crear la luz. 

En este paisaje  (que es la vista exterior desde la ventana del sanatorio mental de Saint-Rémy), podemos diferenciar diferentes planos: el primer plano se lo llevan los cipreses, que según le dijo en una carta a su hermano “son como un obelisco gigante”, el segundo plano corresponde a la ciudad, donde es muy llamativa la terminación de la iglesia del pueblo francés. El tercer plano es una notable línea diagonal encontramos las montañas. Por último está el cielo estrellado que ocupa más de la mitad del cuadro, con unas estrellas muy luminosas y una especie de remolino de estrellas con una pincelada corta y muy retorcida. De esta obra se puede decir incluso que algunos estudiosos del arte han descubierto que  Van Gogh realizó este cuadro en tiempo real poniendo velas en un sombrero de paja para iluminarse.

Es muy típico en Van Gogh poner la línea del horizonte muy baja, con lo que queda mucho espacio para esos cielos tormentosos, eléctricos y sinuosos.

Todo lo dinámico, agitado, curvilíneo, sinuoso e inestable de la pincelada del pintor es un transfondo de su personalidad, de su mente cercana a la locura, al desequilibrio y a la angustia y depresión interior.

COMENTARIO:

Esta obra pictórica está realizada por el pintor impresionista Van Gogh, persona que vivió muy poco, solo 37 años (1853-1890). Nació en Holanda el 30 de marzo de 1853, de familia protestante, en su carrera profesional, después de dejar los estudios, se hace pastor protestante al igual que su padre, pero por su fuerte carácter y su violencia tuvo que abandonar ese trabajo, a partir de aquí comenzó a pintar. Vincent se escribía cartas con su hermano menor Theo, con el que tenía una preciada relación filial, que le convence para ir a París, ya que Theo se dedicaba al comercio de obras de arte y París en ese momento es la cuna del arte. 

En 1888 se traslada a Arles, donde pinta con Gauguin, pero  tras una pelea con navaja se va de allí; en este desencuentro su situación mental empeora y se corta la oreja izquierda, poco después está al cuidado del Dr.Gatchet y es recluido en el sanatorio de Saint-Rémy y tras salir de allí,  se dispara en el pecho en un campo de trigo, el 27 de julio de 1890 con 37 años. Poco después muere su hermano Theo el 25 de enero de 1891.

Vista la vida tan arbitraria del artista podemos diferencias tres grandes cambios en su pintura: 1) Antes de partir a París, cuando aún vivía en Holanda, su pintura se caracterizaba por su realismo, pesimismo, un mundo con fatiga, el mundo del trabajo, con colores oscuros y pincelada pastosa. Obra: Los comedores de patatas. 2) Cuando llega a París, convencido por Theo, su pintura da un giro volviendose luminosa, exagerada y sentimental. No hay dibujo, solo color, anticipa el expresionismo del S.XX. Su pincelada sigue siendo corta, y se curva aún más, además usa colores arbitrarios y simbólicos. Obra: Los girasoles, autorretratos... 3) Esta etapa situada en la Provenza francesa, en Arles y  podemos dividirlas en dos acontecimientos muy importantes; a) viviendo con Gauguin tienen una discursión donde Vincent amenaza a Gauiguin con una navaja, Gauguin huye y Vincent de la rabia se corta la oreja izquierda (que envió a una cortesana que él visitaba); aquí su pintura sufre un cambio donde se ondula y retuerce aún más y pinta escenas de noche, oscuras y horripilantes. b) justo antes de suicidarse, Vincent comenzó a introducir en sus obras cipreses y cuervos, símbolos de su muerte. En su estapa final en Arles le encontramos obras como la protagonista de este comentario “La noche estrella”, "El campo de trigo con cuervos"...

Esta obra pertenece a su etapa final, cuando estuvo ingresado en el sanatorio de Saint-Remy, muy cercana a su muerte (solo trece meses antes), que ya se vislumbra en sus últimas pinturas, donde cada vez aparece más el ciprés (símbolo del silencio) y los cuervos negros revoloteando. Cada vez el cuadro va siendo más ancho que alto, la tierra se mete en el cielo, y éste cada vez se agita más y aparece más convulso y revuelto (Campo de siega). A pesar de ser una visión nocturna, Van Gogh la pintó de día, de memoria.

Van Gogh  se dedicó a la pintura en los últimos diez años de su vida, sirviéndole como desahogo a un espíritu atormentado y a su desequilibrio psíquico que terminará conduciéndole al suicidio. Para muchos su pintura es la obra de un loco, de un desequilibrado mental y emocional y queda dentro de lo patológico. Pertenece al grupo de pintores postimpresionistas, a pesar de que se inició en el Impresionismo y expuso con ellos. Él se plantea pronto la necesidad de buscar nuevos planteamientos formales ante las insatisfacción que les provoca la visión impresionista del arte, indagando una salida en la recuperación de la forma; quiere captar no solamente la luz sino también la expresividad de las cosas y personas iluminadas: buscan el análisis de aquello sobre lo que la luz incide.

Como el resto de pintores postimpresionistas (Toulouse-Lautrec, Cezanne y Gauguin),  sus aportaciones pictóricas prepara el camino para los movimientos pictóricos del siglo XX: ellos son el verdadero puente ente la pintura de los siglos XIX y XX. Toulouse Lautrec anuncia el arte-comunicación y el mundo de los carteles y la publicidad; Cezánne es el pionero del Cubismo; Gaugin anuncia el primitivismo y el ingenuismo (arte naif y pintura nabi) de las culturas no occidentales; Van Gogh con su expresividad y dramatismo exacerbado preludia el Expresionismo.

CONTEXTO HISTÓRICO:

El S.XIX fue un siglo rápido y agitado donde se produjeron muchos cambios: entra el liberalismo político, el parlamentarismo y constitucionalismo, se pasa del Antiguo Régimen al Nuevo Régimen (Edad Moderna a Edad Contemporánea), las clases sociales se miden por el dinero. La economía, el capitalismo y las revoluciones industriales transforman la vida tradicional. Siglo de grandes cambios en todos los aspectos, ideológicos, sociales, económicos, políticos...

El impresionismo fue seguido de un postimpresionismo que nos insinúa las nuevas tendencias vanguardistas que nos llegarán en el S.XX, por ejemplo Van Gogh abrirá las puertas al expresionismo.

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ENCUADRE:

 

Titulo. Templo expiatorio de la Sagrada Familia de Barcelona.

Autor. Antoni Gaudí

Genero:  Arquitectura religiosa. 
Cronología. S. XIX (1883-1926). Barcelona.

Estilo. Modernismo

Otras obras: La Pedrera o Casa Milá, Casa Batlló,  Parque Güell...

ANÁLISIS:

 

Se trata de una catedral magnifica, colosal y asombrosa al igual que su proyecto,  donde aquí el autor muestra el surrealismo, la irrealidad, la imaginación e incluso un mundo de sueños. Por lo que podemos observar del templo, vemos a priori se podría ubicarse en un estilo gótico innovador (neogótico),  pero el autor le dio un estilo más naturalista típico del modernismo, sus capiteles tienen motivos vegetales (anteriormente eran corintios), también esas columnas, con forma helicoidal, poseen como unas especies de ramas para sustentar las estructuras de bóvedas  inspirada en los arboles, con eso suprimió la necesidad de añadir contrafuertes exteriores. Por fuera observamos la elevación de las altas torres cónicas que sobresalen apuntadas sobre los portales, proyectadas con una torsión parabólica dando una tendencia ascendente a toda la fachada, favorecida por multitud de ventanas dispone de numerosas vidrieras por dentro  que perforan la torre siguiendo formas espirales.

El proyecto principal constaba de cinco naves y tres fachadas, su planta es de cruz latina (110 x 80) con un altar mayor sobre una cripta rodeada de siete capillas absidiales y frente al altar un crucero. El ábside es lobulado, con deambulatorio y ocupa la cabecera del templo, entre las fachadas del Nacimiento y la Pasión; en su centro se situará la capilla de la Asunción, y tendrá dos sacristías en los laterales, intercomunicadas por el claustro, que rodeará todo el recinto. El ábside contiene una profusa decoración escultórica, donde destacan las estatuas dedicadas a santos fundadores de órdenes religiosas y elementos de la naturaleza como animales o hierbas. 

En cuanto al número de fachadas, vemos como hay una principal denominada fachada de la gloria, la portada principal, que es a su vez la más grande y monumental que da paso a la nave central y contiene los pórticos de la caridad, de la esperanza y de la fe. Las otras dos fachadas son denominadas fachada de la pasión, en la derecha, y la fachada del nacimiento, la única que dejó terminada, en la izquierda. En cuanto a las torres están dedicadas a los apóstoles, evangelistas y arcángeles y el cimborrio dedicado a Jesús y la Virgen María. En el exterior del templo posee un claustro, una casa del capellán y una escuela con el mismo nombre que el templo.

COMENTARIO:

Actualmente es una fantástica catedral emblema de la pujante y  cosmopolita ciudad condal, es un proyecto que ocupo prácticamente la vida del autor que al final dejo inacabado el templo, pero dejo los diseños fundamentales para su posterior construcción. Actualmente también se encuentra en construcción como se puede ver en las grúas que tiene detrás el edificio. Se puede considerar que es la obra maestra del autor ya que las anteriores le sirvieron como laboratorio experimental. Se cuenta que Gaudí incluso llego a vivir dentro del edificio y que al salir de él fue atropellado por un tranvía. Desde hace poco es visitable por dentro, y el templo sufrió el pasado abril un incendio provocado por un individuo, donde la cripta fue gravemente dañada y se prohibió su visita por el momento.

Gaudí nació en el seno de una familia de artesanos y perteneció a la Lliga Regionalista además de servir al empresario Eusebio Güell, ya que era conservador. Fue un genio modernista, singular, es decir no se parecía a ningún otro autor,  tenía una gran personalidad artística e imaginativa, utiliza materiales pobres como el ladrillo o el cristal y predomina la función sobre la forma. Su estilo se basaba en lo orgánico (naturaleza) donde utiliza formas onduladas y sinuosas además del nuevo arco parabólico. En sus edificios predomina lo movido y lo inclinado y parece que las obras van a cobrar vida, Algunas de las características del modernismo fue  las formas de línea en tallos vegetales, la cola de pavo real y la ondulación de la melena rizada femenina. 

El lugar donde nace y tuvo sus primeras manifestaciones el Modernismo fue en Bélgica ,denominado art nouveau, donde destaco Víctor Horta, y de ahí pasó a Francia y España (especialmente Cataluña). En otros lugares como fue Gran Bretaña el arte  fue denominado Liberty, pero tiene un aspecto más geométrico y menos orgánico. El modernismo se desarrolló entre finales del XIX y principios del XX (1890-1910)

Gaudí comenzó practicando una arquitectura de carácter medievalista, primero al mudejarismo, como se ve la Casa Vicens (1883) o la Casa Quijano (actual Restaurante El Capricho) en Comillas, utilizando el ladrillo, policromía en los azulejos y motivos escalonados, y luego al estilo gótico, sirviendo de ejemplo el Palacio arzobispal de Astorga (1887) o la Casa Botines en León (1891). La dinámica constructiva del gótico le obsesiona y lo mezcla con la línea curva.

Más tarde su arquitectura evoluciona y abandona los ecos historicistas, haciendo una arquitectura más funcional y valorando la integración en la misma de la escultura, pintura y artes aplicadas. El amor a la naturaleza y lo orgánico siempre estarán presentes en su obra. Sus trazados son de una gran originalidad; prodiga las superficies ondulantes y los arcos parabólicos, las columnas inclinadas, etc. Todo parece cobrar vida. Vivo e intenso cromatismo. También es el arquitecto que ha creado formas esculturales más atrevidas para remates de torres, chimeneas, etc. En sus temas decorativos destaca el amor a la naturaleza: formas vegetales, animales, etc. Utiliza todo tipo de materiales: cemento, piedra, hierro, mosaicos.

Gaudí encontró un mecenas en el industrial Eusebio Güell. Para él construyó dos de sus mejores obras: la Iglesia de la Colonia Güell (1898), de planta absolutamente original: estrellada pero orgánica que se adapta al terreno, utilizando todo tipo de materiales (ladrillo, basalto, cerámica, hierro, vidrio). El Parque Güell de Barcelona (1900-1914) es un trabajo de imaginación aplicada al urbanismo, pues en principio era el proyecto de una ciudad-jardín. Trazó caminos sinuosos, estructuras con materiales del lugar que se integran armónicamente en la naturaleza, bancos corridos ondulantes cubiertos de cerámica vidriada, una especie de sala hipóstila con columnas movidas... 

 En el barcelonés Paseo de Gracia construyó primero la Casa Batlló (1905-1907), obra que manifiesta originalidad y fantasía. Alterna en el exterior la piedra y la cerámica, la fachada parece moverse suavemente como un mar ligeramente rizado o como una piel de reptil de azulejos y placas veteadas. La luz que ondea en huecos de ventanas y balcones de hierro que dan la impresión de calaveras o máscaras macabras. En el mismo paseo construyó la Casa Milá (La pedrera) entre 1905 y 1910). Fiel a la idea de que la línea recta no existe en la naturaleza, abandona en la planta la ortogonalidad de las habitaciones, dotándola de un diseño biológico a base de pasillos curvos y superficies trapezoidales. La fachada es un colosal acantilado arquitectónico agujereado, lleno de cuevas (de ahí el nombre de la pedrera), reflejo de un embravecido mar de piedra. Remata el edificio una cubierta insólita de desvanes construidos sobre arcos parabólicos, chimeneas de cerámica blanca ondulantes como gelatinas, y tubos de ventilación a modo de personajes antropomórficos (todo parece una pesadilla surrealista). 

CONTEXTO HISTÓRICO:

El siglo XIX fue un siglo agitado y veloz, en el que se producen muchos cambios: se introduce el liberalismo político y el parlamentarismo y el constitucionalismo. Se cambia la clásica sociedad estamental y con privilegios a una nueva sociedad de clases sociales, donde la capacidad y el dinero son el baremo del estatus social. En el terreno económico, el capitalismo y las revoluciones industriales transforman las formas de vida tradicionales y el maquinismo y el urbanismo diseñan las nuevas sociedades.

Un aspecto fundamental de este siglo es la gran fuerza que presentan los cambios políticos, ideológicos, económicos y sociales y su enorme repercusión en el mundo artístico. Se desarrollan un gran número de movimientos artísticos que responden a la rápida evolución de la situación política, económica y social. En todos estos movimientos se aprecia una rebeldía contra la razón y el academicismo del siglo anterior.