EL MANIERISMO

Mannerism

Tintoretto. Traslado del cuerpo de San Mateo. Óleo sobre lienzo. Galeria de la Academia. Venecia.

1562-66. 421 x326 cm.

Iniciamos el estudio del Manierismo con este video explicativo:

El espíritu triunfante del clasicismo en la Roma de los Papas sufre una gravísima crisis en 1527. El saqueo de Roma, el creciente dominio español en Italia y los alarmantes avances de la Reforma protestante siembran de dudas a los artistas. Por si fuera poco, éstos caen en la exagerada imitación de los grandes genios, Rafael, Leonardo o Miguel Ángel. La copia a la maniera de personal de los grandes maestros, pero vaciándola de contenido y deformándola, es lo que se ha llamado Manierismo. El ambiente de optimismo, equilibrio y confianza del humanismo se ve amenazado y empieza a tambalearse, produciéndose una reacción anteclásica y una nueva actitud espiritual de desasosiego y desesperación. Podemos decir que el Manierismo es un arte refinado, cortesano, racionalista y con un alto grado de reflexión e intelectualismo, con un alto grado de virtuosismo en las obras. Florece en un ambiente aristocrático, vuelto sobre sí mismo en actitud defensiva frente a un mundo en cambio.

Será un movimiento artístico de crisis de difícil definición, aunque presenta unos rasgos definitorios:

– Las formas artísticas serán tratadas con extrema libertad, rozando incluso lo arbitrario.

– Se liberan los artistas del culto a la belleza clásica y sus componentes, tales como la serenidad, el equilibrio o la claridad. Así, se prefiere la tensión o la confusión, incluso la fatiga.

– La realidad no se copiará en su apariencia real, sino deformada a capricho.

– Las obras reflejan una tensión interior que termina en el irrealismo y la abstracción. El espacio será sometido a la distorsión de las infinitas perspectivas o del ahogo, incluso, a veces, las figuras no caben en el marco o cuadro.

– Las proporciones anatómicas van a alterarse, se estiraran los cuerpos como si fueran materia elástica. Se estilizan los cuerpos y se desmaterializan, ascendiendo como llamas.

– La luz será tratada de modo irreal, buscando efectos absurdos de luz coloreada.

El Manierismo en arquitectura

Es difícil encontrar elementos manieristas en un arte tan lento y laborioso como la arquitectura. Ya la Biblioteca Laurenciana de Miguel Ángel puede considerarse manierista en la disposición del vestíbulo, pues la escalera apenas encuentra espacio suficiente y las columnas no descansan en la pared, quedando atrapadas por el avance del muro. A pesar de la dificultad, pueden rastrearse algunas características:

Miguel Ángel. Biblioteca Laurenciana. Florencia. 1521-1525

– Arbitraria alteración de la correspondencia entre las partes y el conjunto, con lo que se rompe la lógica de las relaciones espaciales.

– Se pierde o se debilitan las coordenadas axiales, las que ordena el edificio con las simetría.

– Hay una ruptura del equilibrio o no correspondencia entre soporte y elemento soportado, entreapoyo y peso. Hay apoyos frágiles con entablamentos pesados. Hay un uso ambiguo de las formas: un elemento arquitectónico puede tener a la vez una función de sustentación y otra de enmascaramiento o de ocultación de la estructura interior del edificio, por ejemplo líneas horizontales en la fachada que no se corresponden con otro piso superior en el interior., columnas que no sostienen nada o que sostienen un entablamento falsos, solamente representado en un muro, dobles frontones como en la Iglesia de San Jorge de Venecia de Palladio...

– Hay también un empleo de formas artificiosas, a los órdenes clásicos se añaden otros nuevos, alterados o muy imaginativos: columnas antropomórficas (cariátides), órdenes rústicos (con las columnas de mampostería para hacer el edificio deliberadamente pobre), empleo de estípites (combinaciones caprichosas de pirámides al revés).

– La decoración desdibuja la función de algunos elementos, como el almohadillado en las columnas, preferencia por los espacios longitudinales y salas estrechas que favorecen la perspectiva (Patio central del Museo de los Uffizi de Vasari).

La mayor parte de estas normas están dedicadas a trastocar y a poner del revés al clasicismo. Parece como si los arquitectos se hubieran cansado del clasicismo y lo quisieran ridiculizar haciendo todo justamente al revés. Muchas de estas formas anteceden ya a lo que será la arquitectura barroca..

Giorgio Vasari. Galeria degli Uffizi. Florencia. 1560-1581

El manierismo cuenta con representantes importantes como Giorgio Vasari, historiador, teórico, pintor y arquitecto, autor de la Galería de los Uffizi, así como el escultor y arquitecto Bartolomeo Ammanati.

El Manierismo en escultura

En escultura también se produce el quebranto del ideal clásico. Así, las figuras del Sepulcro de Lorenzo de Médicis de Miguel Ángel escapan del marco y del espacio que les contiene, las proporciones parecen rotas, las figuras resultan inestables y simulan que vayan a desplomarse por efecto de la disolución centrífuga que Miguel Ángel decidiera adoptar. El tono grave y tenso de las figuras son también matices manieristas que harán los seguidores de Miguel Ángel. Las últimas obras del florentino transmiten ese anticlasicismo en la tensión interior y la violencia expresiva ("Terribilitá), así como formas alargadas, inestables, ascendentes y sin terminar ("acabado no finito"), como se aprecia en los esclavos del Sepulcro de Julio II y las tres versiones del tema de la Piedad.

Miguel Ángel. Sepulcro de Lorenzo de Médicis. Mármol Basílica de San Lorenzo. Florencia. 1520-34                                                                 Miguel Ángel. Piedad Duomo Florencia. 1550

Rasgo definitorio del manierismo escultórico es la preferencia por la figura “serpentinata”, es decir, contorsionada con artificio de formas que dibujan una ascensión helicoidal, como llamas que se evaporan.

Bienvenuto Cellini es un escultor que le interesa sobre todo los aspectos técnicos y de acabado. Sus esculturas son frías pero sus acabados son totales. Es muy manierista y hubiera sido considerado como un grandísimo escultor si no fuera coetáneo de Miguel Ángel. En su obra Perseo con la cabeza de Medusa, fundida en bronce, la figura de Perseo es muy clásica, incluso su postura, pero en la cabeza de Medusa se recrea en el morbo de las vísceras y la sangre colgando, lo que resulta manierista y casi barroco. El acabado es perfeccionista. De todas formas, el manierismo se aprecia en la tensión y desgarramiento que se ve en la exagerada musculatura del héroe.

Tal vez el mayor escultor manierista sea Juan de Bolonia, francés pero integrado en Florencia. Tiene una obra muy varia, con esculturas para jardines, de carácter fantástico y grotesco, mármoles severos de clásica elleza un tanto fría y bronces de refinada perfección. Destaca su obra Fuente de Neptuno en Bolonia, donde se aprecia un complicado movimiento que exige una contemplación desde varios puntos de vista, ya que no hay una perspectiva principal. En El rapto de las Sabinas de Florencia aparece el mismo movimiento ascensional que empuja las figuras hacia arriba, la línea serpentinata. En el Mercurio volador de bronce, destaca la actitud inestable que el escultor se ha esforzado en conseguir. Ammanati es autor de la Fuente de Neptuno, en mármol y bronce de la plaza de la Signaría de Florencia.

B. Cellini. Perseo. Bronce. Loggi del Lanzi. Florencia. 1554       Juan de Bolonia. Mercurio. Bronce. Museo del
                                                                                                                    Bargello. Florencia. 1564

La pintura manierista

El origen del término se encuentra en la expresión italiana de crear arte “alla maniera di”, es decir, pintar, esculpir o construir a la manera de los tres grandes maestros del Cincuecento, pero amanerando y exagerando su estilo y sobre todo exagerando los elementos finales de cada uno de estos maestros, los elementos anticlásicos. Refleja la crisis cultural del clasicismo. Es un arte refinado, ingenioso, minoritario y cortesano. Refleja también el antivitalismo de una época, acentúa un despliegue de fuerzas pero sin vigor espiritual: son figuras que trabajan mucho para no hacer nada. El manierismo se caracterizará por la liberación del culto a la belleza clásica, a la serenidad y a la claridad del Cincuecento, por un alejamiento de la realidad, ya que las obras reflejan una tensión interior que terminan en el irrealismo y la abstracción. Por tanto, es un arte intelectual, refinado, cortesano, que no tuvo expansión en las clases populares, quedando reducido a ciertas élites.

En pintura sorprende la arbitrariedad en el uso del color y de las proporciones. Éstas se alteran a voluntad, el alargamiento de las figuras es una constante. Se prefieren los trazados serpentiformes, los abundantes y tensos escorzos, la distorsión y dislocamiento como forma de expresar una dramática escisión entre la conciencia y el mundo. Por tanto, el dibujo es deformador de la realidad, el dibujo es sofisticado y artificioso para acentuar los gestos y los escorzos. Los colores sólo sirven para modelar, no para decorar. Se prefieren colores molestos, agrias combinaciones de azul y verde, diferentes amarillos sucios, es decir, colores inarmónicos, ácidos y fríos, todo lo contrario al suave colorido del Renacimiento clásico. Otra característica es la angustia del espacio. Se descompone el espacio racional clásico y se desequilibra. Aparecen zonas muy vacías junto a zonas muy llenas, composición irregular y descompensada, sin ejes de simetría. Las figuras, como en la escultura, están constreñidas por marcos estrechos, lo que acentúa las expresiones angustiadas. Estas figuras presentan una gran inestabilidad, no están en reposo pero tampoco en movimiento. Están en un equilibrio inestable, a punto de caerse.

Las innovaciones manieristas de la pintura italiana de la segunda mitad del siglo XVI presenta tras focos básicos: Florencia, Parma y Venecia.

A) Florencia

Aquí se plasma con minuciosa exactitud la pompa cortesana, llegando lo artístico a convertirse en artificioso y extremadamente refinado.

Andrea del Sarto adopta de Leonardo el sfumato, pero también tiene elementos miguelangelescos. A pesar de hacer composiciones clásicas (piramidales), la actitud de algunos personajes, vueltos sobre sí mismos, y un halo de inquietud y misterio lo acercan al manierismo. Destacable es su obra Madonna de las Arpías.

Jacopo Pontorno es discípulo de Andrea del Sarto, y es el ejemplo perfecto del manierismo. Rompe la unidad de acción del cuadro, factor exigido en la composición clásica, mediante el desarrollo de varias escenas simultáneas, como en su obra Vida de José. Sus figuras son alargadas, de expresión alucinada y actitudes forzadas, creando una atmósfera de misterio inquietante. Otra obra es el Descendimiento de la cruz.

Bronzino fue discípulo de Pontorno, siendo un retratista singular (Retrato de Lucrecia Panciatichi), pero buscando la abstracción y el distanciamiento del retratado. Compone sus escenas con una extraña frialdad, como si los cuerpos fuesen de materia dura (mármol, marfil o porcelana), retorciendo las formas sobre sí mismas, esforzadas actitudes, potenciando el dramatismo miguelangelesco (Alegoría del amor).

Jacopo Pontorno. Descendimiento de la cruz. Óleo sobre tabla. Iglesia de Santa Felicitá. Florencia. 1525-28.

313 x 192 cm.

Bronzino. Alegoría del amor (Venus). Óleo sobre tabla. National Gallery. Londres. 1546. 146 x 116 cm.

En Roma destacan los seguidores de Miguel Ángel, como Vasari y Daniel Volterra, que toman motivos del maestro y los someten a infinidad de variaciones y distorsiones.

B) Parma

En el apogeo del manierismo, se desarrolla en la corte de los Farnesios un grupo de artistas de gran personalidad.

Correggio fue un maestro del escorzo, aprendiéndolo, así como los alardes de perspectiva, de Mantenga y, al conocer el arte de Leonardo, funde ambas experiencias consiguiendo un modo personalísimo de disolver las figuras en el espacio y conseguir la sensación de ingravidez y de vuelo (Ganímedes; Júpiter e Io, Leda y el cisne). Dotado de una extraordinaria sensibilidad y delicadeza casi femeninos, es el pintor de la gracia. Sus niños y adolescentes, se sonrisa insinuantes, y sus figuras femeninas, de blanda sensualidad, reflejan un mundo de placer, refinado sin igual (Virgen del Este). Como pintor al fresco de cúpulas, es un precursor del barroco, por su dinamismo y sentido de la profundidad espacial (Cúpulas de la Iglesia de San Juan y de la Catedral de Parma).

Parmigianino fue discípulo de Corregio, desarrollando originales experiencias en el retrato, en consonancia con el libre juego de la perspectiva y proporción que adoptan los manieristas. La sensualidad de Corregio se convierte en él en algo voluntariamente artificioso y casi histérico. Las formas se alargan desmesuradamente y un tono de refinadísima afección llena sus obras, de elegancia cortesana y artificio distanciador, servido con un colorido exquisito y una técnica perfecta. Su obra más claramente manierista es su Madonna del cuello largo. La deformación aquí es total y producida principalmente por el dibujo. El niño esta ridículamente alargado y la figura de la Virgen es lo más anticlásico que existe, de cabeza pequeña, cuello desmesuradamente largo y un cuerpo que se agranda progresivamente y vuelve a disminuir en forma de rombo. A la derecha hay un montón de gente y a la izquierda un paisaje infinito y desierto de gente. El punto de vista es muy bajo y así la Virgen aparece monumental ocupando todo el cuadro, como si no tuviera suficiente espacio. La línea serpentinata aparece en el niño y en la Virgen. El concepto de este cuadro era muy revolucionario, sobre todo cuando la gente aún estaba acostumbrada a las formas renacentistas. El color, el dibujo, la composición, todo en esta obra es manierista.

Correggio. Leda y el cisne. Óleo sobre lienzo. Gemäldegalerie. Berlín. 1531-32. 152 x 191cm.

                             Parmigianino. Madonna del cuello largo. Óleo sobre lienzo.   Galeria degili Uffizi. 1535. 214 x 133 cm.

C) Venecia

A pesar de mantenerse al margen de los cambios socioeconómicos y la crisis de la segunda mitad del siglo XVI, y mantener una pintura serena y equilibrada, en Venecia también se puede apreciar el nerviosismo y el desasosiego del manierismo en Jacobo Tintoretto. Gran admirador de Miguel Ángel, fue maestro de las luces violentas, de los contrastes de luz y sombra, de los escorzos, del movimiento tenso, inestable, del paisaje romántico, de la profundidad obtenida mediante la alternancia de diferentes intensidades lumínicas, anticipando alguno de los valores del Barroco, además de ejercer una gran influencia en El Greco. En su obra Traslado del cuerpo de San Mateo (ver imagen de inicio de entrada)el fondo arquitectónico sólo es insinuado en trazos esquemáticos. Se trata de un marco irreal, imaginario y sorpresivo. Hay un cielo de tormenta aborrascado, figuras que huyen de algo frente a las centrales. El colorido es manierista, el cuerpo de cara al espectador siguiendo el gusto manierista, en posición inestable, y todas las figuras concentradas en el lado derecho.

En El lavatorio de los pies elige lo más trivial, cuando Cristo lava los pies a sus discípulos. Sitúa a Cristo a un lado para hacerle perder importancia. Esto supone un cambio iconográfico muy peligroso. En el centro coloca un perro, que es un detalle manierista. Ocupa el espacio de una manera desigual. Hay una gratuidad de movimientos y una movilidad muy manierista. Frente al gran vacío, sitúa la mesa en perspectiva y al fondo arquitectura clásica con una perspectiva muy exagerada.

Tintoretto. El lavatorio de pies. Óleo sobre lienzo. Museo del Prado. Madrid. 1547. 210 x 533 cm.

Otro pintor italiano muy manierista es Giuseppe Arcimboldo, aunque realizó la mayor parte de su producción en la corte de los Habsburgo en Praga, al servicio de los emperadores Maximiliano II y Rodolfo II.  Sus obras son muy manieristas, destacandos sus «caprichos» alegóricos, cuadros en los que las naturalezas muertas, los conjuntos de flores, frutas, mariscos o peces, crean figuras simbólicas. En efecto, son retratos pre-surrealistas de cabezas humanas hechas de verduras, frutas y raíces que forman una imagen simbólica y que, aún hoy, crean gran fascinación.

Giuseppe Arcimboldo. Vertumnus (Rodolfo II). Óleo sobre tabla. Castillo de Skokloster. Suecia. 1590. 70,5 x 57,5 cm.

Quizás el pintor más manierista sea el griego afincado en España, Domenikos Teothekopoulos, El Greco, pero su estudio queda fuera de este artículo.